FR :

Quelle est la signification du théâtre, et surtout de la théâtralité, dans un monde dominé par les médias électroniques? Qu’en est-il de la « présence » théâtrale à l’égard d’un médium comme le cinéma, où tout est « reproductible » (Benjamin)? Si la théâtralité était liée non seulement à une présence ambiguë, mais aussi à la fonction de localisation, il deviendrait possible de repenser son rapport au cinéma en termes de cadrage. À partir de cette hypothèse, ce texte analyse la relation entre théâtre et cinéma dans quelques films récents, notamment dans Being John Malkovich et eXistenZ, pour aboutir à des conclusions concernant la signification du jeu théâtral dans un monde médusé par les médias.

EN :

What is the meaning of theater, and in particular of theatricality, in a world dominated by electronic media? What happens to the "presence" usually associated with theater when it is transposed to a medium such as film, where everything is "reproducible" (Benjamin)? If theatricality is understood not only in terms of a presence that is always ambiguous, but also with a function of localization that is no less problematic, it becomes possible to rethink its relation to film in terms of "framing". Informed by such considerations, this text interprets the relationship between theater and cinema in some recent films, in particular Being John Malkovich and eXistenZ, in order to suggest that theatricality plays an increasingly important part in a universe fascinated by "the media".

FR :

Comment le cinéma produit-t-il de la théâtralité, ou plutôt des effets de théâtralité, telle est la question générale de cet article. Sa question plus spécifique est dans l’examen d’une hypothèse, à savoir celle d’un afflux de théâtralité dans la modernité cinématographique.

EN :

The purpose of this article is to analyze how the cinema produces theatricality, or rather, effects of theatricality, and to evaluate the hypothesis that these effects have proliferated in cinematic modernity.

FR :

Cet article trouve dans les mystères d’Éleusis la forme et le contenu essentiels à l’interprétation de la relation qu’entretiendrait le théâtre de Bernard-Marie Koltès avec les images qui motivent son écriture. Cette référence permet d’unir politique, mysticisme et théâtre dans une oeuvre qui n’a cessé de renvoyer ses personnages aux images d’un bourbier dans lequel ils se débattent ainsi qu’à celles d’une contemplation extatique. Ce serait dans l’écart qui sépare ces deux types d’images, qui constituent un film virtuel représentant comme le hors-champ de ce théâtre, que s’installerait la scène d’une méditation de ce que pourrait signifier aujourd’hui l’exigence de sauver son âme.

EN :

This articles finds in the mysteries of Eleusis the necessary form and content needed to interpret the relation between Bernard-Marie Koltès' plays and the images which motivated his writing. This reference makes it possible to unite politics, mysticism and theatre in a body of work which has always shown its characters both struggling in the mire and having extatic visions. Into the gap between these two conflicting types of images, which constitute a virtual film, a kind of off screen narration of Koltès' work, would appear a meditation on the meaning of "salvation".

FR :

Cet article analyse révolution subie par la présentation théâtrale des pièces shakespeariennes depuis la Renaissance jusqu’à la période victorienne. Il décrit les changements esthétiques majeurs et montre comment ces derniers se sont prolongés dans les adaptations cinématographiques du XX^e siècle. Les théâtres ont progressivement introduit des éléments picturaux réalistes, instauré une séparation entre les spectateurs et les acteurs et utilisé des procédés de focalisation qui s’apparentent déjà aux techniques narratives cinématographiques.

EN :

This article analyses how the theatrical presentation of Shakespeare's plays evolved from the Renaissance to the Victorian era. It points out all the major aesthetic changes, and shows how they extended into the screen adaptations of our time. Theatres progressively introduced realistic pictorial elements, established a separation between the actors and the audience, and used focusing processes which already had certain similarities to film narrative techniques.

FR :

Le cadavre offre une analogie évocatrice des rapports entre la scène et l’écran. En effet, le cadavre incarne à la fois la nature imaginaire du cinéma et le caractère paradoxal du jeu théâtral. L’auteur analyse deux adaptations cinématographiques de pièces québécoises, Lilies (1996) de John Greyson et Being at home with Claude (1992) de Jean Beaudin, dans lesquelles le cadavre personnifie la convergence du théâtre et du cinéma. L’article étudie les choix qu’ont fait les cinéastes pour représenter le corps mort ou mourant et souligne comment ces choix démontrent l’aptitude de ces cinéastes à porter un regard perspicace sur le processus de traduction médiatique, et ce, tout en réussissant à communiquer les thèmes principaux des oeuvres originales.

EN :

This article argues that the cadaver offers an evocative analogy of the relationship between theatre and film. Indeed, the corpse embodies at once the imaginary nature of cinema and the paradoxical quality of stage acting. In his analysis of two adaptations of Québec plays in which the cadaver incarnates the convergence of drama and film—John Greyson's Lilies (1996) and Jean Beaudin's Being at home with Claude (1992)—the author suggests that the choices made by the filmmakers in the representation of the dead or dying body attest to their insights into both the main themes of the original works and the process of adaptation itself.

FR :

S’inspirant de la réflexion élaborée par le critique Guy Scarpetta dans Kantor au présent, un recueil d’essais tournant autour du travail de l’homme de théâtre, artiste et peintre disparu en 1990, l’auteur interroge la question de la mémoire et de la transmission d’un art théâtral lui-même entièrement voué au travail de deuil et au recyclage des matériaux historiques, autobiographiques et culturels, un art de la mise en scène si lié à son créateur qu’il était destiné dès sa conception à disparaître avec lui. Contre la fascination pour un passé réifié ou les emprunts ludiques de la postmodernité, l’oeuvre de Kantor appelle au contraire à une réinscription critique de la mémoire, héritage qui ne va pas sans questionner en retour fortement la responsabilité du témoin-spectateur, d’autant qu’il n’aura plus accès à la représentation de ces oeuvres théâtrales.

EN :

Inspired by critic Guy Scarpetta's reflections in his latest book Kantor au présent, a collection of essays dedicated to the work of this artist, painter and man of the theatre who died in 1990, the author questions the memory process and the transmission of an art which is entirely mobilized by the workings of mourning and the recycling of historical, autobiographical and cultural materials. Because Kantor's bringing into play revealed such an acute involment into the re-setting of his own "life and times", it had, such was the master's wish, to pass away with him. A paradoxical desire on his part, since his work takes a firm stand against any fascination toward a reified past or the superficial borrowings of a certain postmodernity, calling on the contrary for a critical reinscription of memory in its most complex constructions. This legacy strongly probes in turn the spectator-witness's responsibility, and even more so that he will never more directly experience the staging of the artist's plays.

FR :

L’auteur lit l’ouvrage de Kantor à la lumière d’un projet autobiographique audacieux et « résolument moderne » qui mène l’artiste, au fil de ses spectacles, non pas à mettre en scène et à « représenter » sa vie, mais son contraire, son absence, sa mort. Quelle serait alors la véritable signification de la présence de Kantor scène toujours considérée comme sa marque de fabrique? La rupture d’un code théâtral, comme il disait lui-même, ou l’allusion a une réalité qu’on ne peut ni connaître ni représenter?

EN :

This article is a reading of Kantor's work as an autobiographical, "resolutely modern" project in which the artist, through his productions, has represented on the stage not his life, but the opposite, his absence, his death. What is the real significance of Kantor's presence on the stage—considered to be his trademark? Is it, as he put it, the breaking of a theatrical code, or an attempt to allude to a reality that no one can know or represent?

FR :

Les théories du rythme en poésie contemporaine mettent en lumière la construction formelle du Passage de l’Indiana de Normand Chaurette. Structurée à la manière d’une partition musicale, la pièce fonctionne selon un système de répétitions qui instaure une temporalité favorisant les retours. En repérant et en comparant des unités signifiantes (répliques, thèmes et motifs) qui sont répétées dans la pièce, il appert que le sens de ces unités se transforme selon l’endroit où elles se situent. L’intrigue qui paraît, de premier abord, fragmentée et stagnante en raison des multiples répétitions progresse, au contraire, grâce aux déplacements de sens qu’implique la reproduction. Ces déplacements se vérifient également chez les personnages : chacun répète les répliques des autres personnages et leur attribue un sens nouveau en jouant un autre rôle. Grâce au jeu dans le jeu, l’identité des personnages est mouvante.

EN :

The theories on rhythm in contemporary poetry can be used to study form in Normand Chaurette's play Le passage de l’Indiana. Structured like a musical score, the play is based on a system of repetitions that constantly returns to the same elements. When these significant elements (lines, themes or patterns) are identified and compared, their meaning varies according to the place they occupy in the play. The storyline that appears fragmented and stagnant at first because of all the repetitions is shown to evolve with the displacement of meaning that reproduction entails. These transfers can also be verified with the characters: each of them repeats the others' lines and adds a new meaning to them by playing another role within their own role. Therefore, the identity of the characters is also in constant motion.