FR :

L’auteur, metteur en scène, revient sur une triple expérience d’adaptation théâtrale. Ce rapport de tension entre texte et scène est la règle ordinaire au théâtre, mais il subit, grâce au détour par le roman, une exacerbation révélatrice. L’auteur croit trouver dans les trois cas de figure qu’il analyse, trois états de l’adaptation : l’assimilation par la forme dramatique ou le degré plein de l’adaptation (Les frères Karamazov de Dostoïevski); la « mauvaise adaptation », qui part d’un désir fou de fidélité (L’automne le plus nébuleux de Grisoeil de Musil); enfin l’adaptation impossible ou la « désadaptation » (Lenz de Büchner). Il en tire quelques certitudes provisoires à propos de la pratique du théâtre.

EN :

The author, who is also a stage director, reviews in this article three experiments in theatrical adaptation. While tension between text and stage is the rule in the theatre, it is enhanced by a revealing detour through the novel. The author believes he has found, in the three cases which he analyses, three states of adaptation: assimilation by the dramatic form or the full degree of adaptation (The Brothers Karamazov by Dostoïevski); the "bad adaptation", which comes from a crazy desire for fidelity (L’automne le plus nébuleux de Grisoeil by Musil); finally, the impossible adaptation or "loss of adaptability" (Lenz by Büchner). The author draws from these experiences some provisional certainties in connection with theatre practice.

FR :

Au tournant du XVIII^e et du XIX^e siècle, théoriciens et dramaturges constatent la sclérose de la forme dramatique classique : elle semble inadéquate à l’expression de la nouvelle sensibilité bourgeoise et romantique. Diderot, Rousseau, Sade, les Romantiques allemands et français vont chercher dans le roman, genre nouveau en plein développement, le modèle d’une réforme possible du drame. Ils en appellent donc à la « romanisation » du théâtre, au libre jeu des modes épiques et dramatiques. La théorie bakhtinienne de la « romanisation » n’attend donc pas la fin du XIX^e siècle pour connaître ses premières manifestations. On s’interrogera ici sur les conditions, les modalités, les limites et les conséquences de cette réponse imparfaite, mais originelle à la « crise du drame » (Peter Szondi).

EN :

At the turn of the 19th century, theorists and playwrights note the sclerosis of the traditional dramatic form, which seems inadequate to express the new "bourgeois" and romantic sensibilities. Diderot, Rousseau, Sade, and the German and French Romantics will seek in the novel, a new genre in full development, the model for a possible drama reform. They thus call for the "novelization" of the theatre, for free play in the epic and dramatic modes. Thus the bakhtinian theory of "romanisation" does not await the end of the 19th century to be demonstrated. This article examines the conditions, procedures, limits and consequences of this imperfect but "original" response to the "drama crisis" (Peter Szondi).

FR :

Notre hypothèse est qu’à travers trois « textes de théâtre » traversés par la référence romanesque s’élabore le récit d’un nouvel imaginaire théâtral dont l’intrigue aurait pris naissance au XVIII^e siècle pour se conclure au XX^e. Le premier épisode, celui de Diderot, décrit la rencontre d’un auteur et d’un spectateur dans un cadre qui s’apparente à celui de la lecture solitaire; il s’agit du roman liminaire composé de la Préface et des Entretiens sur le Fils naturel. Le second épisode, signé Stanislavski, développe l’idée que le jeu de l’acteur repose sur sa capacité à s’inscrire dans le double mouvement narratif de sa propre vie et celui de son personnage. La formation de l’acteur, ouvrage mythique imprégné de l’atmosphère du XIX^e siècle, n’est pas seulement un roman dialogué; fidèle à l’enseignement de l’auteur, le texte se compose des récits-leçons qui constituent la base de la création du personnage. Le dernier enfin, dû à Pirandello, parle de la mise en scène comme tentative d’adapter aux dimensions de la scène un matériau étranger au théâtre. Ces Six personnages en quête d’auteur, laissés en rade par un romancier désabusé, posent une énigme au Directeur, qui se voit forcé de repenser son rôle. Trois textes-clés d’une modernité théâtrale en devenir : trois moyens pour mesurer le degré de pénétration de l’esprit du roman au coeur d’une nouvelle vision du théâtre.

EN :

Our assumption is that through three "texts of theatre", crossed by references to the novel, a new "imaginaire" of the theatre emerges from the 18th to the 20th century. The first episode, that of Diderot, describes the meeting of an author and a spectator within a framework connected to solitary reading; it is about the liminary novel made up of the Préface and of the Entretiens sur le Fils naturel. The second episode, on Stanislavski, develops the idea that acting rests on the actor's capacity to reflect the double narrative of his own life and that of his character. La formation de l’acteur, an almost mythical work imbued in the atmosphere of the 19th century, is not only a novel in dialogue form; faithful to the teaching of the author, the text is composed of lessons which constitute the basis for the creation of the character. Finally, the last work, by Pirandello, speaks about theatre production as an attempt to adapt to the stage material foreign to the theatre. These Six Characters in Search of an Author, left stranded by a disillusioned novelist, pose a enigma to the Director, who is forced to reconsider his role. Three key texts which reflect the evolution of theatrical modernity: three means by which to measure how the spirit of the novel is at the heart of a new vision of the theatre.

FR :

Cet article a pour but de proposer une nouvelle interrogation sur la relation complexe entre le roman et le théâtre à travers l’analyse de trois oeuvres narratives françaises contemporaines : Les malentendus de Benoît Duteurtre, La conférence de Cintegabelle de Lydie Salvayre et L’oeuvre posthume de Thomas Pilaster d’Éric Chevillard. Il s’agit d’abord de montrer comment les textes représentent trois possibilités très différentes d’incorporer le matériau théâtral à une oeuvre narrative. Puis, il importe de voir comment les effets de théâtralité se produisent dans le roman et quelle en est la signification. L’étude de chacun des ouvrages révèle la richesse textuelle de cette hybridité entre le narratif et le dramatique (ou le théâtral). Enfin, elle tend à montrer l’originalité émanant de ces trois oeuvres qui placent la théâtralité au coeur de la démarche romanesque.

EN :

This article proposes to shed new light on the complex relationship between the novel and the dramatic text through an analysis of three contemporary French prose texts: Benoît Duteurtre's Les malentendus, Lydie Salvayre's La conférence de Cintegabelle, and Éric Chevillard's L’euvre posthume de Thomas Pilaster. This article demonstrates how these works represent three very different possibilities of incorporating features of drama into a narrative text, emphasizing the production of certain effects of theatricality in the novel and the signification of this textual heterogeneity. The study of each of these texts reveals the complexity of this hybrid combination of narrative and dramatic texts, as well as the originality of these three particular works which place the theatre at the heart of the novel.

FR :

La première question qui se pose lorsque l’on aborde le théâtre de Nathalie Sarraute est celle de la transition qui s’est opérée de l’oeuvre romanesque à l’oeuvre dramatique. Comment l’écrivaine fait-elle passer le tropisme dans le dialogue, la sous-conversation dans la conversation? Peut-elle alors éviter les schèmes et catégories de l’imaginaire social? Je me propose ici d’examiner ce problème par le biais d’une analyse comparative de deux textes présentant une thématique semblable : la pièce Le silence (1964), dans laquelle le personnage qui se tait est un homme, et un texte de Tropismes (1939), au centre duquel on trouve un personnage de femme silencieux.

EN :

The first question which arises when approaching the theatre of Nathalie Sarraute concerns the transition which takes place when going from novel to dramatic work. How does the writer place tropism in the dialogue, the "under-conversation" in the conversation? Can she then avoid the schemes and categories of the social imaginaire? I propose here to examine this problem by the means of a comparative analysis of two works presenting a similar set of themes: the play Le silence (1964), in which the character who is silent is a man, and a text from Tropismes (1939), in the center of which we find a silent female character.

FR :

À travers son oeuvre dramatique et narrative, Samuel Beckett semble s’acharner à concrétiser une intention caractérisée par une dichotomie clausulaire : celle de la sollicitation et de la répulsion perpétuelles de la clausule. Au fil de la spatialisation qui se néantise, de la temporalité qui se distend, de la déshumanisation des créatures peuplant la totalité de l’oeuvre, de l’inertie de plus en plus grande, du discours qui tergiverse et revient sur lui-même et de l’organisation circulaire, les récits comme les drames beckettiens semblent progresser vers une clausule impossible. Par un art rigoureusement maîtrisé, par l’utilisation de procédés semblables et à travers deux genres littéraires distincts, Beckett met en place une intention qui transcende sa production : celle du désir de la fin, mais de sa trop grande crainte pour lui permettre d’arriver une fois pour toutes. Celle de ce qui apparaît comme une forme clausulaire nouvelle : la clausule asymptotique.

EN :

Within his narrative and dramatic works, Samuel Beckett strives to fulfill one sole conviction characterized by an ever-present dichotomy in his endings, on one hand aspiring to, and on the other repulsed by this very ending. Both his novels and plays seem to move towards an impossible but desirable conclusion. Numerous aspects contribute to this dichotomy. His creatures are imprisoned in time and space, offering no possible exit, nor memory of the past, nor vision of the future. These creatures disintegrate, swirl, spiral and ultimately find refuge outside their bodies, outside their own existence. Inertia consumes and short-circuits everything: action, dialogue, time, structure… Ideas equivocate and constantly repeat themselves forever plowing the same furrow, desired but doubted, wished for but rejected. His repetitive structure vacuums the reader in a never-ending circle. Using two very distinct literary genres, Samuel Beckett rigorously pursues a preoccupation that permeates all his work: an obsession with closure, but a paralysing fear of arriving there once and for all. This obsession can be visualised as a new form of ending that of non-intersecting, asymptote lines.

FR :

« L’Orphée rouge » est placé sous l’égide d’une stèle de couleur ocre, représentant un prince qui danse à la porte de l’enfer où il a vaincu la mort. Différents artefacts, semblablement rattachés à des légendes et des rituels, sont étudiés par rapport à leur théâtralité : masques, partitions, pétroglyphes et sculptures. À l’aide d’études paléographiques récentes et de récits d’observateurs de l’époque, cet essai entend jeter un peu de lumière sur certaines « actions » des Premières Nations de la Nouvelle-France, leur déroulement, leurs lieux et leurs thèmes.

EN :

« L’Orphée rouge », placed on an ochre coloured stele, represents a prince who dances at the door of hell where he has overcome death. Different artefacts, similarly linked to legends and rituals, are studied with regard to their theatricality: masks, partitions, petroglyphs and sculptures. Using recent paleographic studies and accounts of observers of the time, this essay intends to shed some light on certain "actions" of the First Nations peoples in New France.

FR :

« Scènes de Nouvelle-France » aborde un certain nombre de productions qui impliquent un modèle métropolitain (entrée triomphale, néoclassicisme, comédie italienne), et quelques particularités coloniales (participation autochtone, scénographie inusitée). Certains officiers ont produit leurs propres textes, comme Lescarbot, Lotbinière et Le Verrier. D’autres, comme Piraube, Mareuil et Mascarène, ont osé monter et interpréter des auteurs aussi célèbres que Corneille, Racine et Molière. L’intérêt des professeurs et des familles seigneuriales pour le théâtre a contribué, malgré les réticences du haut clergé, à donner au milieu une empreinte culturelle indélébile.

EN :

« Scènes de Nouvelle-France » approaches a certain number of theatrical productions that reflected a metropolitan model (triumphal entry, neoclassicism, Italian comedy) as well as some colonial characteristics (indigenous participation, uncommon scenography). Some officers produced their own texts, such as Lescarbot, Lotbinière and Le Verrier. Others, like Piraube, Mareuil and Mascarène, dared to produce and interpret authors as famous as Corneille, Racine and Molière. The interest for the theatre shown by officers and seigneurial families was, in spite of the high clergy's reservations, an indelible contribution to the cultural life of the colony.

FR :

Depuis quelques années, le théâtre québécois tend à adopter certaines caractéristiques, telles que l’hybridation des genres et la fragmentation, une dynamique chaotique et morcelée que les oeuvres de René-Daniel Dubois partagent et, tout à la fois, contribuent à définir. Dans le présent article, l’auteur analyse deux de ses pièces — Adieu, docteur Münch et Le troisième fils du professeur Yourolov — afin de montrer, à partir du point de vue cognitif, de quelle manière s’élabore cette esthétique. La mémoire et la subjectivité des personnages soulignent autant l’incertitude de leur existence que leur quête d’identité, ce qui se manifeste par la confusion et la perte des points de repère spatio-temporels. En relation avec la réception théâtrale, cette diffraction du sens permet également de multiplier les modalités d’interprétation, conséquence particulière de cet éclatement de la signification.

EN :

In the last few years, québécois theatre has tended to adopt certain characteristics, such as hybridization of genres and fragmentation, as well somewhat chaotic dynamics that the plays of Rene-Daniel Dubois contribute to define. This article analyzes two of his plays—Adieu, docteur Münch and Le troisième fils du professeur Yourolov—in order to show, from a cognitive point of view, how these esthetics appear. The characters' memory and subjectivity underline the uncertainty of their existence as much as their search for identity, which is reflected by their confusion and the loss of space-time reference points. In relation to theatrical reception, this diffraction of meaning also makes it possible to multiply the methods of interpretation.