Volume 41, Number 2, 2021

EN:

In this panel discussion Paul Stillwell, Jim Montgomery, and David Jaeger discuss their experiences in the experimental and electroacoustic scenes, including reflections on technologies, collaborators, and tours. Dr. Emily Gale served as moderator. This panel discussion has been edited for clarity.

FR:

Dans cette table ronde, Paul Stillwell, Jim Montgomery et David Jaeger discutent de leurs expériences sur les scènes expérimentale et électroacoustique, y compris des réflexions sur les technologies, les collaborateurs et les tournées. Emily Gale a joué le rôle de modératrice. Cette discussion a été éditée pour plus de clarté.

EN:

In this panel discussion, Alexa Woloshyn and Matthew Fava discuss the 1970s electronic and experimental music scene in Toronto, with Norma Beecroft as a leader and mentor. David Jaeger and Jim Montgomery contribute their stories, and then discuss an important international experience: the CEE’s 1985 Holland Tour. This panel discussion has been edited for clarity.

FR:

Dans cette table ronde, Alexa Woloshyn et Matthew Fava évoquent la scène de la musique électronique et expérimentale des années 1970 à Toronto, avec Norma Beecroft comme chef de file et mentor. David Jaeger et Jim Montgomery racontent leur histoire, puis évoquent une expérience internationale importante : la tournée hollandaise du CEE en 1985. Cette table ronde a été éditée pour plus de clarté.

EN:

In the 1970s and 1980s, a flurry of activity in music theatre—a genre combining the genres of musical theatre, experimental theatre, and opera—prompted the creation of several new Canadian opera/music theatre companies specializing in crossover work, along with a creative outpouring of original genre-defying pieces. In this paper, I explore this period of generic experimentation in the history of Canadian opera, focusing on the work of the innovative company COMUS Music Theatre, founded in 1975 in Toronto. The company sought to revolutionize music theatre by presenting works that engaged with other media, as well as with theatre, popular music, dance, and performance art. COMUS Music Theatre’s production of Nightbloom (February 1984) serves as an example of the company’s generic innovation and experimentation. Through musical and textual analysis, and interviews with key figures in its creation, I explore the bold ways that COMUS Music Theatre succeeded in imagining a new way forward for opera singers and for music theatre in Canada in the 1970s.

FR:

Dans les années 1970 et 1980, l’effervescence du théâtre musical—un genre combinant les genres de la comédie musicale, du théâtre expérimental et de l’opéra—a favorisé la création de plusieurs nouvelles compagnies canadiennes d’opéra/théâtre musical spécialisées dans les oeuvres croisées, ainsi qu’un déferlement créatif d’oeuvres originales défiant les genres. Dans cet article, j’explore cette période d’expérimentation générique dans l’histoire de l’opéra canadien, en me concentrant sur le travail de la compagnie innovante COMUS Music Theatre, fondée en 1975 à Toronto. Cette compagnie cherchait à révolutionner le théâtre musical en présentant des oeuvres qui faisaient appel à d’autres médias, ainsi qu’au théâtre, à la musique populaire, à la danse et aux arts de la scène. La production de Nightbloom (février 1984) de COMUS Music Theatre est un exemple de l’innovation et de l’expérimentation génériques de la compagnie. Par le biais d’analyses musicales et textuelles, et d’entrevues avec des personnages clés de la création, j’explore les façons audacieuses dont le COMUS Music Theatre a réussi à imaginer une nouvelle voie pour les chanteurs d’opéra et pour le théâtre musical au Canada dans les années 1970.

EN:

For months after instituting COVID-19 pandemic social distancing measures, musicians were required to pivot their creative practices, too often with the dissatisfaction caused by latency and physical separation from collaborators and audiences. This article examines a pandemic-era, socially-distanced project by the Canadian Electronic Ensemble (the CEE) entitled Pass the Track (PtT), which they began in 2020 and released on Bandcamp in 2023. I first position the CEE’s creative practice within live electronic free improvisation (Andean 2022) and categories of liveness (Sanden 2013). I then analyze the process and outcomes of PtT to argue that, despite the lack of spatial and temporal awareness, the project perpetuates the CEE’s value on collaboration and exhibits liveness.

FR:

Pendant les mois qui ont suivi l’instauration des mesures de distanciation sociale de la pandémie COVID-19, les musiciens ont dû orienter leurs pratiques créatives, trop souvent avec l’insatisfaction causée par le temps de latence et la séparation physique des collaborateurs et du public. Cet article examine un projet de distanciation sociale de l’ère pandémique mené par le Canadian Electronic Ensemble (CEE), intitulé Pass the Track (PtT), qui a débuté en 2020 et a été publié sur Bandcamp en 2023. Je positionne d’abord la pratique créative de l’EEC dans le cadre de l’improvisation libre électronique en direct (Andean 2022) et des catégories d’existence (Sanden 2013). J’analyse ensuite le processus et les résultats de PtT pour soutenir que, malgré l’absence de conscience spatiale et temporelle, le projet perpétue la valeur du CEE sur la collaboration et montre la vivacité.

FR:

Cet article explore de manière inédite la contribution de Villa-Lobos pour la danse scénique en mettant en lumière sa collaboration avec d’éminents chorégraphes russes tels qu’Adolph Bolm, Léonide Massine, George Balanchine et Serge Lifar, qui ont diffusé sa musique moderniste non seulement au Brésil, mais aussi à l’étranger. Cette recherche nouvelle révèle une richesse chorégraphique insoupçonnée et des projets artistiques pertinents, bien que parfois non aboutis, qui pourraient être examinés de nos jours.

EN:

This article offers an unprecedented exploration of Villa-Lobos’ contribution to stage dance by highlighting his collaboration with prominent Russian choreographers such as Adolph Bolm, Léonide Massine, George Balanchine, and Serge Lifar, who promoted his modernist music not only in Brazil but also internationally. This fresh research reveals an unexpected wealth of choreographic work and relevant artistic projects, although sometimes unfinished, that could be revisited today.

FR:

Rétrospectivement, l’ethno-jazz d’il y a un demi-siècle en train de s’inventer avant de devenir world music ressemble à une rencontre musicale interculturelle asymétrique, plus bénéfique aux industries culturelles du nord qu’aux musiques du sud. Yusef Lateef en a-t-il été l’une des sources ? Par trop d’éclectisme, de superficialité ? De bonnes intentions menant à une impasse ? Afin de corriger les leurres de la rétrospection et de la généralisation, on tente de changer d’échelle et de saisir le contexte de 1961 afin de vraiment entendre « The Plum Blossom », petite composition jouée au xūn chinois et enregistrée en combo. Cette exploration instrumentale des confins du jazz consolidés par ses choix religieux et pédagogiques révèle plutôt chez Lateef une indifférence à l’endroit des fixations identitaires.

EN:

In retrospect half a century ago, the ethno-jazz that was being invented before becoming world music resembles an asymmetrical intercultural musical encounter, more beneficial to the cultural industries of the North than to the music of the South. Was Yusef Lateef one of its sources? Too much eclecticism, too much superficiality? Good intentions leading to a dead end? To correct the lures of retrospection and generalization, we try here to change scale and grasp the 1961 context in order to really hear “The Plum Blossom,” a small composition played on the Chinese xūn and recorded with a jazz combo. Lateef’s instrumental exploration of the confines of jazz, consolidated by his religious and pedagogical choices, rather reveals an indifference towards identity fixations.

EN:

This article presents five computer-assisted analyses of musical recordings with a focus on microtuning, describing the details of pitch at sub-semitone level. Microtuning encompasses intonation, tuning systems, pitch inflection, vibrato, and sliding tones. As such, the article focuses on the analysis of recorded music and considers a wide variety of musical traditions: an American folk song, an Ainu lament, a Christian Ethiopian devotional, a Beethoven string quartet, and a Tom Waits song. This article asks how music notation might most effectively capture microtuning in transcriptions and how the analysis of recordings, rather than musical scores, might enrich pedagogy and practice in music theory, performance, and composition.

FR:

Cet article présente cinq analyses assistées par ordinateur d’enregistrements musicaux, en mettant l’accent sur le microaccord, décrivant les détails de la hauteur au niveau inférieur au demi-ton. Le microaccord englobe l’intonation, les systèmes d’accord, l’inflexion de la hauteur, le vibrato et le glissando. En tant que tel, l’article se concentre sur l’analyse de la musique enregistrée et examine une grande variété de traditions musicales : une chanson folklorique américaine, une complainte Ainu, une dévotion chrétienne éthiopienne, un quatuor à cordes de Beethoven et une chanson de Tom Waits. Cet article s’interroge sur la manière dont la notation musicale peut rendre compte le plus efficacement possible du microaccord dans les transcriptions et sur la manière dont l’analyse des enregistrements, plutôt que des partitions, peut enrichir la pédagogie et la pratique de la théorie, de l’interprétation et de la composition musicales.

FR:

Peu d’études ont examiné les caractéristiques efficaces de la musique pour soutenir la pleine conscience. Nous avons utilisé une approche de recherche-création où les participants ont médité en écoutant une piste musicale composée dans ce but. Le chercheur l’a ajusté itérativement, privilégiant la simplicité, la continuité, les microvariations et une tessiture équilibrée. Les résultats ont montré que ces éléments soutenaient la pleine conscience, tandis que les événements soudains ou une mélodie saillante s’avéraient moins favorables. La dernière version de la piste a optimalement soutenu la pleine conscience des participants. Ces résultats enrichissent notre compréhension de la relation musique-pleine conscience.

EN:

Few studies have examined the characteristics of music that are effective in supporting mindfulness. In this study, we used a research-creation approach in which participants meditated while listening to a musical track composed for this purpose. The researcher adjusted it iteratively, favoring simplicity, continuity, microvariations, and balanced tessitura. The results showed that these elements supported mindfulness, while sudden events or a salient melody proved less favorable. The last version of the track optimally supported participants’ mindfulness. These results enrich our understanding of the relationship between music and mindfulness.

FR:

Le portfolio de projet musical (PPM) a été élaboré afin d’améliorer le processus d’apprentissage au sein du premier programme universitaire professionnalisant en musique au Québec. Utilisé en soutien à chacun des projets de création, cet outil numérique appuie une méthodologie de développement du produit musical créatif issu de l’improvisation, de l’interprétation et/ou de la composition. Il souhaite augmenter significativement le sentiment de cohérence qui contribue à l’efficacité des méthodes pédagogiques (Moulin 2006) et qui est la base de l’apprentissage actif s’appuyant sur la pertinence de la tâche et sur l’interprétation que la personne étudiante s’en fait. Cet article, qui s’insère dans une démarche SoTL (Scholarship of Teaching and Learning), raconte la démarche d’élaboration et d’implantation de cet outil.

EN:

The Music Project Portfolio (MPP) was developed to enhance the learning process within Quebec’s first professionalizing music university program. Used to support each of the creative projects, this digital tool supports a methodology for developing the musical product resulting from improvisation, interpretation and/or composition. It aims to significantly increase the sense of coherence that contributes to the effectiveness of pedagogical methods (Moulin 2006) and is the basis of active learning based on the relevance of the task and the student’s interpretation of it. This article, which is part of a SoTL (Scholarship of Teaching and Learning) approach, describes the development and implementation of this tool.