Number 18, Fall 2017 Cinéma, roman, espace Guest-edited by David Bélanger and Thomas Carrier-Lafleur

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La récente effervescence du cinéma d’auteur québécois a su jeter un éclairage nouveau sur des territoires trop peu colonisés par la fiction. Ces nouveaux lieux de l’imaginaire, qui représentent un des plus importants déplacements du « mouvement », permettent d’alimenter une réflexion sur l’appartenance au monde et les multiples transformations du chez-soi. Le retour au pays natal, après les épopées des années 90 et 2000, passe par une exposition banale des territoires endotiques et des hommes qui les habitent. Nous proposons d’analyser le « vivre ensemble » du jeune cinéma québécois des dix dernières années — qui semble avant tout marqué par un « vivre ici » — à travers la lentille du geste technique. Faire un noeud, allumer un feu, construire un camp, démarrer une motoneige : le néoterroir expose et révèle certains gestes. Le texte qui suit met en lumière certains liens existants entre les multiples transformations du cinéma québécois et les déplacements géographiques observables en littérature. Situés loin des terrasses « branchées » du Plateau Mont- Royal et de ses trentenaires désabusés, les récits néoruraux de la relève littéraire nous font découvrir la grandeur comme la misère de petites villes de province. Source intarissable de microrécits, d’anecdotes de « récits d’origine », cette vision fantasmagorique du territoire fait cohabiter la laideur avec la magie du territoire rural.

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Cet article observe et analyse la relation qu’entretiennent l’identité sexuelle, en particulier l’homosexualité, et la régionalité, cette topique du « régional », dans les représentations, expression connotée de « ce qui vient de la région ». Le corpus retenu se compose des films de Chloé Robichaud (Sarah préfère la course), de Xavier Dolan (J’ai tué ma mère; Laurence Anyways; Tom à la ferme), de Guy Édoin (Marécages) et de Denis Côté (Vic + Flo ont vu un ours). L’auteur s’intéresse aux stéréotypes auxquels font appel les scénarios, notamment aux analogies entre la région et le primitivisme, l’isolement, l’ignorance, la bigoterie, la xénophobie, mais aussi la liberté, la rédemption, la filiation et leurs affects. Le territoire y apparaît moins comme l’objet d’une recherche que comme un réservoir de connotations; il en va de même pour l’homosexualité. Ces connotations oscillent entre la noirceur, le tragique et l’horreur, sauf dans le cas de Sarah préfère la course, où ni l’identité sexuelle ni la régionalité — contrairement aux stéréotypes — ne viennent faire dévier la protagoniste de sa trajectoire.

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L’espace est intimement lié à la tragédie. De Phèdre à Maria Chapdelaine jusqu’au Vendeur de Sébastien Pilote, cet article s’attache à démontrer la parenté des ressorts tragiques dans ces oeuvres. Plus particulièrement, l’annonce  — le récit de Théramène, le récit d’Eutrope, le récit des policiers — constitue le centre de cette étude. Le quiproquo, la fatalité monstrueuse, les divinités sont autant de variables redistribuées dans ces récits que l’analyse met à profit. À terme, il s’agit d’éclairer le film de Sébastien Pilote, en postulant, centrale, sa constituante tragique.

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Le parti pris de cet article consiste à parcourir « l’imaginaire de l’espace » des récits québécois de la terre à partir de la focale privilégiée d’un seul et même lieu : celui de la paroisse de Saint-Armand, dans la région de Brome-Missisquoi. Il s’agira ainsi de prendre conscience des moyens par lesquels un espace unique arrive à se répéter, mais aussi, comment, par le biais de différents auteurs, il arrive à se différencier, c’est-à-dire à se recréer. Ce jeu entre répétitions du même et différences hétérogènes sera aussi l’occasion d’une enquête intermédiatique, alors que seront à la fois étudiés des récits romanesques, ceux de William S. Messier, ainsi que des récits filmiques, ceux de Guy Édoin et de Jean Pierre Lefebvre. La constante entre ces différentes fictions de l’espace est, précisément, la terre de Saint-Armand, dont nous découvrirons les diverses strates.

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L’article propose d’analyser le traitement du lieu en tant qu’espace de construction de soi du personnage à travers l’étude des longs métrages réalisés par Denis Côté. Sont ciblés la nature des personnages et les moyens par lesquels ils se définissent à l’intérieur du cadre par rapport au lieu où ils se situent ainsi que leur capacité à s’adapter, ou non, à celui-ci. On verra comment la nature des lieux, désignés géographiquement mais pourtant d’apparence anonyme, jouera sur la manière dont les personnages se présentent et agissent. Au détriment de la relation entre personnages, la relation personnage-lieu devient le noeud central des films de Denis Côté. En somme, la construction du lieu par Côté précède et détermine la construction du personnage, qui se retrouve subordonné au monde qu’il habite.

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Cet article développe l’hypothèse voulant que les espaces mésestimés de la culture québécoise contemporaine au cinéma ne le soient pas à cause de leur excentricité géographique mais plutôt en raison des liens mal connus qui y règnent entre des émotions et des environnements matériels spécifiques. Liens qui sont circonscrits par ce champ des études culturelles et de la philosophie critique qui s’intéresse à la « vie ordinaire ». La standardisation de la consommation a contribué à créer le contexte où ville et campagne, banlieue ou ghettos sont parfois reliés, parfois même confondus dans les infra-histoires et les micro-émotions de la vie ordinaire. Or ces dernières n’occupent pas de place définie dans les cadres historiques depuis la Révolution tranquille au Québec. Par conséquent, les récits du cinéma en sont affectés, qui nécessitent des modes de lectures plus attentifs à la représentation de la médiocrité, ou de l’incompatibilité territoriale, et à l’impact de celles-ci sur notre compréhension de l’espace commun. Deux films servent ici d’exemple : La Mort d’un bûcheron (1973) de Gilles Carle et Kanehsatake, 270 ans de résistance d’Alanis Obomsawin (1993).

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Quelle est la représentation de la petite ville dans le cinéma québécois récent ? Quatre éléments caractérisent ces petites villes dans les films des années 2000 à 2015 et sont parfois renforcés par la rigueur de l’hiver : la proximité avec la nature et l’assimilation de la petite ville à la ruralité; une sociabilité importante; ce sont des villes mono-industrielles et le plus souvent cette industrie est présentée comme « en panne » ; enfin, l’absence de mémoire collective qui rend impossible tout avenir collectif. Face à cette situation, les solutions pour les protagonistes sont peu nombreuses : le départ, la mort, et rester sur place n’est possible qu’au prix d’un important renoncement. À travers ce parcours, il est possible de cerner si ces petites villes sont des lieux, au sens de Marc Augé, c’est-à-dire si elles sont dotées de dimensions relationnelles, identitaires et historiques, et comment elles s’insèrent dans la (post)modernité.

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Au sein de la cinématographie québécoise, Réjeanne Padovani de Denys Arcand est l’une des rares oeuvres à aborder de front la question de la corruption. Souvent accusé de cynisme ou de pessimisme, ce cinéaste aborde cette thématique avec une certaine froideur, laquelle n’est pas sans rappeler ses premiers documentaires ou ses dernières fictions. Le but de cet article est donc double : si nous souhaitons offrir une relecture de ce film souvent oublié aux côtés des autres oeuvres d’Arcand, nous désirons encore plus procéder à une analyse des fondements intellectuels de son « cynisme » à l’endroit de la collectivité québécoise.