Number 6, Fall 2021 L’atelier : espace de création, création d’espace(s) Guest-edited by Alix de Morant and Marie Joqueviel-Bourjea

FR:

Peut-on parler d’un atelier de création pour les auteur·trices de pièces de théâtre? Si oui, quelles en sont les caractéristiques? À travers une étude portant sur seize auteur·trices francophones, Thibault Fayner travaille à rendre compte des lieux et des temps de l’écriture dramatique actuelle. En mettant au jour l’existence d’un atelier mobile et polytopique, il propose une plongée dans l’organisation du travail créateur des auteur·trices dramatiques d’aujourd’hui.

EN:

Can we talk about a creation workshop for playwrights? If so, what are its characteristics? Through a study of sixteen French-speaking authors, Thibault Fayner accounts for the places and times of contemporary playwriting. By revealing the existence of a mobile and polytopic workshop, he offers an insight into the work of today’s playwrights.

FR:

Depuis 2015, j’organise des ateliers somatiques d’écriture à l’occasion de processus de spectacles littéraires, mais aussi dans le cadre de formations données à l’université ou dans des centres consacrés à la littérature. Durant ces ateliers, les auteur·trices sont plongé·es dans une mise en chorégraphie, exécutent des exercices de respiration et de yoga, des automassages Do-In, chacun·e produisant une création littéraire en lien avec son ressenti. Dans mon article, j’introduis deux expériences immersives, l’une qui a eu lieu à Turin en 2018, et l’autre que j’ai animée à Québec en 2019. Les participant·es y ont déployé une poétique somatique, en créant une oeuvre littéraire et un solo de danse les yeux fermés.

EN:

Since 2015, I have been organizing somatic writing workshops, in the process of literary performances, as well as in training courses given at universities or in centres dedicated to literature. During a workshop, authors are immersed in a choreographed system, performing breathing and yoga exercises, Do-In self-massages; each one writes a literary creation in connection with his / her feeling. In my article, I introduce two immersive experiences, one that took place in Turin in 2018, and the other in Québec in 2019. Participants deployed a somatic poetics, creating a literary work and a dance solo with their eyes closed.

FR:

COMPOSE & DANSE est une application Web qui ouvre un atelier virtuel consacré au partage des savoirs subjectifs sur le corps, contenus dans l’acte de composer une danse. Conçus par des artistes, pédagogues, chercheur·euses, thérapeutes, etc., des scénarios à danser in situ sont ainsi numériquement publiés avec l’ambition d’éveiller la danse en chacun·e, au sein même de ses lieux de vie. À partir de ces invitations épistolaires, l’internaute peut découvrir et goûter en toute autonomie quelques-unes des pratiques plurielles de la fabrique de la danse. Cet article invite le lecteur et la lectrice à éprouver et analyser cet atelier virtuel avec le scénario #44, « Danser la matière ».

EN:

COMPOSE & DANSE is a Web application, which opens a virtual workshop dedicated to sharing subjective knowledge about the body contained in the act of composing a dance. Formed by artists, pedagogues, researchers, therapists, etc., in situ dance scenarios are digitally published with the ambition of awakening dance in everyone, within their own living spaces. From these invitations, users can discover and taste the plural practices of dance. This article invites the reader to experience and analyze this virtual workshop with scenario #44, “Danser la matière.”

FR:

Dans l’histoire de la musique occidentale, le statut de l’atelier – comme lieu du faire et lieu de transmission – semble inexistant. À première vue, il n’y a pas d’équivalent en musique des ateliers de sculpture et de peinture de la Renaissance, du baroque ou du XIX^e siècle qui, progressivement, deviendront à la fois des lieux d’exposition et de fabrique de l’oeuvre. Cette histoire des ateliers d’artistes ne traverse pas de façon aussi visible celle de la fabrique des oeuvres musicales. Notre hypothèse est que cette histoire invisible de l’atelier musical est en partie due à la nature même de la musique, éclatée en plusieurs lieux et points d’écoute.

EN:

In the history of Western music, the status of the workshop – as a place of making and a place of transmission – seems non-existent. At first glance, there is no equivalent in music to the sculpture and painting workshops from the Renaissance, Baroque and XIX^th century, which gradually became both exhibition spaces and places of artistic creation. This history of artists’ workshops is not as visible as the history of the production of musical works. Our hypothesis is that this invisible history of the musical workshop is partly due to the very nature of music, which is spread across multiple locations and listening points.

FR:

À quelles conditions un espace produit-il du récit? C’est précisément dans son atelier que le·la scénographe va tenter, par sa pratique, de répondre à cette question. Il·elle manipule, pour ce faire, un certain nombre d’outils qui, au-delà de constituer de simples moyens de communication, forment de véritables matrices. L’approche de Richard Peduzzi, Raymond Sarti et Philippe Quesne, trois scénographes contemporains, nous montre que le dessin, la maquette et le plan peuvent ainsi créer du jeu et prolonger le regard.

EN:

Under what conditions does a space produce narrative? It is precisely in their workshops that scenographers attempt, through their practices, to answer this question. To do this, they play with a certain number of tools. Beyond being simple means of communication, these tools create real matrices. The approach of Richard Peduzzi, Raymond Sarti and Philippe Quesne, three contemporary scenographers, shows that drawings, models and plans can create space and further perception.

FR:

À partir d’une recherche-pratique interdisciplinaire que nous menons à la croisée du design et des sciences de l’informatique, nous proposons de réfléchir aux relations dialogiques qui entourent, traversent et pénètrent la recherche. Plus encore, nous proposons de définir l’atelier de l’enseignant·e-chercheur·euse-praticien·ne universitaire comme un milieu dialogique où s’actualisent les savoirs.

EN:

Drawing from an interdisciplinary research-practice at the intersection of design and computer science, we propose to reflect on the dialogical relationships that surround, traverse, and permeate research. Furthermore, we propose to define the university teacher-researcher-practitioner’s workshop as a dialogical environment of knowledge.

FR:

L’enjeu de cet article est de retranscrire une conférence qui prend la forme d’une performance afin de révéler la complexité et l’intimité qui animent nos espaces de création. L’atelier, le laboratoire et la salle de cours sont trois espaces dans lesquels mes voix se confondent, se mêlent et entrent en résonance avec celles de mes collègues et de mes étudiant·es. Les expériences se croisent, les costumes se superposent, les voix prennent de l’épaisseur à travers la diversité de ces espaces de création. C’est ainsi que se créent des interférences entre les voix de l’artiste, de la chercheuse et de l’enseignante, qui en deviennent parfois presque inaudibles… joyeux brouhaha de la création!

EN:

This article aims to transcribe a conference-performance and to reveal the complexity and intimacy that animate our creative spaces. The workshop, the laboratory, and the classroom are three spaces where my voices blend, intertwine, and resonate with those of my colleagues and students. Experiences intersect, costumes overlap, voices gain depth through the diversity of these creative spaces. Thus, interferences are created between the voices of the artist, the researcher, and the teacher, which sometimes become almost inaudible... joyful hubbub of creation!

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Cet article propose le témoignage de l’écrivain et chercheur en littérature Stéphane Ledien. Celui-ci revient sur trois expériences d’écriture marquantes : l’une au sein d’un atelier d’artistes peintres situé dans une bâtisse ancestrale à Québec, l’autre dans les cabinets d’écriture de la célèbre Maison de la littérature, la troisième enfin dans la revue numérique Le Crachoir de Flaubert. De la présence attentive en des lieux inspirants à l’exploration des possibilités infinies de l’espace numérique en passant par l’influence des architectures et des ambiances, l’auteur analyse les liens qui, dans le processus créatif, se sont tissés entre le sensible et l’imaginaire, et entre le physique et le virtuel.

EN:

In this article, writer and researcher Stéphane Ledien reflects on three significant moments of writing: one within a painters’ workshop located in an ancestral building in Québec, another in the writing rooms of the famous Maison de la littérature, and the third in the digital magazine Le Crachoir de Flaubert. From the attentive presence in inspiring places to the exploration of the infinite possibilities of the digital space, passing through the influence of architectures and atmospheres, the author analyzes the links that, in the creative process, have been woven between the sensory and the imaginary, and between the physical and the virtual.

FR:

Au cours du XX^e siècle, la relation entre le théâtre et la politique en Amérique latine est constante, surtout moyennant le lien délibéré de nombreuses troupes de théâtre avec les pensées et mouvements de gauche. Au XXI^e siècle, et dans le cas de la Colombie en particulier, d’autres manières de comprendre la politique réclament un lieu sur la scène. C’est ainsi que l’art de la performance semble donner au théâtre différentes possibilités pour comprendre et aborder de nouvelles questions politiques. Cet article propose un regard sur quelques pièces colombiennes à la lumière de la relation entre le théâtre et l’art de la performance et sur certains des thèmes qui les rapprochent, par exemple le lieu de la réalité sur scène et, surtout, le rôle des victimes du conflit armé colombien.

EN:

Throughout the XX^th century, the relationship between theatre and politics in Latin America has been consistent, especially through the deliberate connection of many theater groups with left-wing ideologies and movements. In the XXI^st century, and particularly in the case of Colombia, other ways of understanding politics are demanding a place on stage. Performance thus seems to give theatre different possibilities for understanding and addressing new political questions. This article examines some Colombian plays in light of the relationship between theatre and performance and some of the themes that bring them together, such as the portrayal of reality on stage and, especially, the role of victims of the Colombian armed conflict.

FR:

Deux oeuvres chorégraphique majeures, Trio A (1966) d’Yvonne Rainer et L’après-midi d’un faune (1912) de Vaslav Nijinski, sont observées ici au prisme d’une certaine réserve quant au désir et aux régimes scopiques qui pèsent sur l’art chorégraphique. Si l’on choisit de les appeler des danses qui laissent à désirer, ce n’est pas seulement parce que ces danses ont voulu décevoir les attentes, c’est surtout parce qu’elles ont proposé de nouvelles équations érotiques pour l’art chorégraphique. Refusant de jouer sur l’exhibition, l’excitation ou la fascination, ces danses ont travaillé le désir à partir de ses mouvements mêmes, qui sont mouvements de dérivation et de relance. Pour chacune de ces oeuvres, on analyse un motif discret, voire secret, de la partition chorégraphique, une intrigue perceptive que les artistes ont logée dans la fabrique de leurs gestes, afin de les porter à la figurabilité.

EN:

Two major choreographic works, Yvonne Rainer’s Trio A (1966) and Vaslav Nijinsky’s L’après-midi d’un faune (1912), are examined through the lens of a certain reserve regarding desire and the scopic regimes that weigh on choreographic art. If we choose to call them dances that leave much to be desired, it is not only because these dances aimed to disappoint expectations; it is above all because they proposed new erotic equations for choreographic art. Refusing to play on exhibition, excitement, or fascination, these dances worked on desire from its very movements, which are movements of derivation and resurgence. For each of these works, we analyze a discrete, even secret, motif of the choreographic score, a perceptive intrigue that the artists embedded in the fabrication of their gestures in order to bring them to figurability.

FR:

Ce texte est issu d’une réflexion du Groupe de recherche interdisciplinaire en arts vivants (GRIAV) sur le concept de partition à la lumière de la littérature et d’une journée d’étude tenue à Montréal en mars 2019 pendant laquelle nous avons recueilli les propos de six artistes issu·es du domaine musical, de la danse et du théâtre. Il·elles ont témoigné de leur conception et de leur utilisation de la partition. Ainsi, ce concept est apparu polymorphe et multifonctionnel, répondant à des besoins propres à chaque art et chaque artiste. Deux axes de réflexion nous permettent d’éclaircir l’usage de ce terme dans la pratique artistique québécoise et contemporaine : la partition modèle ou processus, et la partition partagée ou individuelle.

EN:

This text is the result of a reflection by the Groupe de recherche interdisciplinaire en arts vivants (GRIAV) on the notion of partition in light of literature and a study day held in Montreal in March 2019, during which we collected the comments of six artists from the fields of music, dance and theatre. They spoke about their conception and use of the partition. This notion appeared to be polymorphic and multifunctional, meeting the specific needs of each art form and artist. Two axes of reflection allow us to clarify the use of this term in Québec and contemporary artistic practice: the model or process partition and the shared or individual partition.

FR:

En tant qu’art de l’ici et du maintenant, le théâtre semble de prime abord un médium bien peu à même de se saisir de la complexité des phénomènes (temporels, spatiaux, sociohistoriques) que subsume le terme « anthropocène ». À travers l’étude de deux cas – Birdie (2016) de la compagnie catalane Agrupación Señor Serrano et La Caverne (2018) de la compagnie française L’Avantage du Doute – cet article se propose de voir en quoi les conventions de jeu et de représentation propres au théâtre d’objets peuvent répondre à ce défi.

EN:

As an art of the here and now, theatre may initially seem ill-equipped to grasp the complexity of the phenomena (temporal, spatial, socio-historical) encompassed by the term “Anthropocene.” Through the study of two cases – Birdie (2016) by the Catalan company Agrupación Señor Serrano and La Caverne (2018) by the French company L’Avantage du Doute – this article aims to explore how the staging conventions specific to object theatre can address this challenge.