Volume 12, Number 1, May 2025 Enseignement de la musique en contexte scolaire Guest-edited by Hélène Boucher and Isabelle Héroux

FR:

L’enseignement créatif contemporain est parfois amené à défendre une conception improvisée de la pédagogie, où élèves et enseignant construisent le savoir de concert. Pour l’enseignant, l’improvisation est plus qu’une simple capacité d’adaptation. Elle acquiert le statut d’outil de prospection didactique, engendrant les techniques sur lesquelles la pédagogie s’appuiera pour atteindre sa perfection. Pour l’élève, elle devient un outil de découverte, de recherche, mobilisant sa curiosité et sa créativité dans l’instant. En quoi l’instantanéité des pratiques improvisées peut-elle permettre aux pédagogues d’être plus performants dans leur enseignement ? L’improvisation est-elle en adéquation avec les préoccupations éducatives actuelles ? Est-elle une injonction des temps actuels, voire une nécessité impulsée par l’hypermodernité ?

EN:

Contemporary creative teaching sometimes defends an improvised conception of pedagogy, where students and teachers build knowledge together. For the teacher, improvisation is more than a simple ability to adapt. It acquires the status of a didactic prospecting tool, producing the techniques on which pedagogy will rely to reach its perfection. For the student, it becomes a tool of discovery and research, instantly mobilizing their curiosity and creativity. How can the immediacy of improvised practices enable teachers to be more efficient in their teaching? Is improvisation in line with current educational concerns? Is it an injunction of current times, or even a necessity driven by hypermodernity?

FR:

L’orchestre à l’école est un dispositif extrascolaire qui permet aux élèves de pratiquer la musique au sein de l’établissement à des moments spécifiques de la semaine. Jouer d’un instrument sollicite de nombreuses capacités sociales et cognitives chez un enfant. Des études ont mis en évidence qu’une pratique régulière d’un instrument de musique améliore les fonctions perceptives et motrices de l’apprenant. Partant de ces constats, la pratique régulière de la musique favoriserait les transferts cognitifs et exercerait ainsi une influence sur les capacités de raisonnement de l’élève, notamment en contribuant à développer ses processus d’autorégulation. Cette étude compare les activités de raisonnement d’élèves de 9-10 ans, musiciens et non musiciens, sur une résolution de problème en mathématiques, afin de vérifier si la pratique instrumentale vécue au sein de l’orchestre à l’école influence les processus d’autorégulation.

EN:

The school orchestra is an extracurricular program that enables pupils to practice music at school during specific times of the week. Playing an instrument stimulates many social and cognitive skills in children. Studies have shown that regular practice of a musical instrument improves perceptual and motor functions. Based on these findings, it seems that regular music practice promotes cognitive transfers and thus exerts an influence on students’ reasoning abilities, notably by helping to develop their self-regulation processes. This study compares the reasoning activities of 9–10-year-old pupils, musicians and non-musicians, on a mathematical problem-solving task, in order to verify whether instrumental practice within the school orchestra influences self-regulation processes.

FR:

Cette recherche vise à identifier les facteurs qui pourraient le mieux prédire la fréquence des manifestations d’anxiété de performance musicale (APM) déclarées par des élèves du primaire inscrits à un projet pédagogique particulier en musique-études. Pour ce faire, 164 élèves d’une école primaire spécialisée en musique ont participé à l’étude. Les participants ont rempli des questionnaires mesurant l’appréciation de leur expérience d’apprentissage de la musique (MLSS et QESPP) et leur APM (MPAI-A). L’analyse de régression multiple révèle que l’échelle du sentiment d’efficacité personnelle (SEP) et le genre sont des prédicteurs significatifs de l’APM. De plus, un SEP élevé est associé à une moins grande manifestation d’APM chez les garçons, suggérant un effet protecteur du SEP plus fort chez eux que chez les filles. Enfin, l’étude met en évidence l’importance de considérer un ensemble de facteurs pour mieux comprendre l’apparition des manifestations d’APM chez les jeunes musiciens.

EN:

This research aims to identify the factors that could best predict the frequency of musical performance anxiety (MPA) reported by elementary school students enrolled in a music-education program. To achieve this, 164 students enrolled in one elementary school’s music intensive program participated in the study. The participants completed questionnaires measuring their music lesson satisfaction (MLSS and QESPP) and their MPA (MPAI-A). Multiple regression analysis reveals that the self-efficacy scale (GSES) and gender are significant predictors of MPA. Furthermore, high SEP is associated with a lower presence of MPA manifestations for boys, suggesting a stronger protective effect of SEP for them than for girls. Finally, the study highlights the importance of considering a set of factors to better understand the occurrence of MPA manifestations in young musicians.

FR:

Dans le contexte de l’enseignement primaire helvétique, cette recherche examine le sentiment de compétence des enseignant·e·s en éducation musicale et place l’étude dans le nouveau contexte de la didactique musicale spécifique. Selon de précédentes études, l’enseignement musical pose des difficultés aux enseignant·e·s généralistes au primaire. Cette recherche exploratoire tente ainsi de déterminer leur posture face à ces difficultés et s’insère dans les dernières recherches parues en didactique musicale pour proposer des pistes d’amélioration de la formation de base et de la formation continue. L’étude qualitative analyse l’action de 12 enseignant·e·s pendant des leçons de musique. Les données permettent de décrire l’action enseignante en mettant en auto-confrontation les stratégies déclarées par ces enseignant·e·s et leurs actes. Les résultats démontrent que ces enseignant·e·s répondent aux exigences professionnelles dans la mesure de leurs possibilités. Cette recherche exploratoire permet de mieux comprendre les difficultés et les besoins des enseignant·e·s face à la musique. Elle démontre un sentiment de compétence parfois précaire et conduit à des réflexions sur des actions futures, notamment pour la formation continue ou encore l’élaboration d’un référentiel de compétences.

EN:

In the context of Swiss primary education, this research examines teachers’ sense of competence in music education and places the study in the new context of specific music didactics. According to previous studies, music teaching poses difficulties for generalist teachers at the primary level. This exploratory study attempts to determine their mindset when faced with these difficulties, and draws on the latest research in music didactics to suggest ways of improving basic and in-service training. The qualitative study analyses the actions of 12 teachers during music lessons. The data are used to describe the teachers’ actions by comparing their declared strategies to their actions. The results show that teachers meet professional requirements to the best of their ability. This exploratory research provides a better understanding of teachers’ difficulties and needs in relation to music. It demonstrates a sometimes precarious sense of competence and leads to reflections on future action, particularly in terms of in-service training or the development of a skills reference framework.

FR:

La présente contribution fait état d’une recherche exploratoire menée conjointement par l’Institut de recherche en musique et arts de la scène (IRMAS) de la Haute école spécialisée de Suisse occidentale (HES-SO) et la Haute école de musique Genève-Neuchâtel (HEM Genève-Neuchâtel). Elle vise à rendre compte de l’autoévaluation des enseignant·e·s des HEM de Suisse romande au sujet de leurs compétences numériques et à analyser leurs pratiques numériques déclarées. Les résultats mettent en évidence que les enseignant·e·s s’estiment compétent·e·s dans les dimensions de la pédagogie numérique, de l’utilisation et de la production de contenus numériques. La compétence liée aux droits d’auteurs et aux licences semble toutefois être moins bien maîtrisée. Les pratiques déclarées nous indiquent que la communication se trouve grandement simplifiée avec les outils numériques et que les enseignant·e·s interrogé·e·s privilégient l’ordinateur dans leurs pratiques professionnelles, au détriment d’autres outils (tablette, téléphone intelligent).

EN:

This paper presents exploratory research conducted jointly by the Institut de recherche en musique et arts de la scène de la Haute école spécialisée de Suisse occidentale and the Haute école de musique Genève-Neuchâtel. The goal of this study was to evaluate the self-assessment of teachers from the HEM (University of Music) of French-speaking Switzerland regarding their digital skills and to analyze their reported digital practices. The results highlight that teachers consider themselves competent in digital pedagogy and in the use and production of digital content. However, competence related to copyright and licensing seems less well mastered. The reported practices indicate that communication is greatly streamlined with digital tools and that the teachers surveyed favour the computer in their professional practices, to the detriment of other tools (tablet, smartphone).

FR:

Avec le vieillissement de la population, il devient crucial de promouvoir des activités qui favorisent le bien-être des personnes aînées sur le plan physique, psychologique, cognitif et social. Cet article présente une étude qualitative menée en 2022-2023 sur une intervention chorale auprès de personnes aînées acadiennes et francophones vivant en résidence à Moncton, au Nouveau-Brunswick. Basée sur 20 entrevues semi-dirigées avec des personnes aînées et une entrevue de groupe avec leurs proches et des membres de la communauté, l’étude explore la mise en place du choeur et ses impacts intergénérationnels. Trois thèmes majeurs émergent : la motivation et l’engagement des choristes, les bienfaits sociaux, cognitifs, physiques et psychologiques du chant choral, ainsi que les conditions favorisant un tel projet. L’étude souligne le rôle du chant choral dans la sociabilisation, le plaisir et le dépassement personnel des participant·e·s, renforçant leur identité sociale et culturelle.

EN:

As the population ages, promoting activities that enhance the well-being of older adults, including physical, psychological, cognitive, and social aspects becomes increasingly important. This article presents a qualitative study conducted in 2022-2023 on a choral intervention involving Acadian and Francophone seniors living in Moncton, New Brunswick. Based on 20 semi-structured interviews with older adults and a focus group interview with their relatives and community members, the study examines the establishment of the choir and its intergenerational impacts. Three major themes emerge: the motivation and engagement of the choir participants; the social, cognitive, physical, and psychological benefits of choral singing; and the conditions necessary for implementing such a project. The study highlights the transformative role of choral singing in fostering socialization, enjoyment, and personal growth among participants, while also strengthening their social and cultural identity.

FR:

Cet article examine, à partir d’une ethnographie menée dans des home studios d’artistes techno en France, les modalités d’articulation entre instruments numériques et analogiques dans les pratiques de création musicale. L’étude, qui s’appuie sur des entretiens approfondis et des observations in situ auprès de cinq artistes, révèle que ces pratiques, plutôt que de manifester une opposition binaire entre technologies analogiques et numériques, relèvent d’une approche pragmatique adaptée aux contraintes techniques et économiques. L’analyse des discours sur l’authenticité, récurrents dans les entretiens, démontre que ces derniers traduisent moins des préoccupations relatives à la qualité sonore que des questionnements sur la légitimité artistique d’une nouvelle génération de producteurs, dans un genre musical historiquement associé à l’utilisation d’instruments analogiques.

EN:

Through an ethnography conducted in the home studios of French techno artists, this research analyzes the articulation between contemporary digital and analog instruments in music creation practices. The study, based on in-depth interviews and in situ observations with five artists, reveals that rather than manifesting a binary opposition between analog and digital technologies, these practices reflect a pragmatic approach adapted to technical and economic constraints. Analysis of discourses on authenticity, recurring in the interviews, demonstrates that they reflect fewer concerns about sound quality than questions about the artistic legitimacy of a new generation of producers, in a musical genre historically associated with the use of analog instruments.

FR:

C’est de l’encre (2023) est une oeuvre pour alto et piano conçue comme une partition sonore, pouvant être interprétée en modalité mixte diffusée par des haut-parleurs, ou comme une pièce purement instrumentale, jouée tout en écoutant au casque la partition sonore. S’inscrivant de manière originale dans l’histoire de la pratique des partitions sonores, cette oeuvre explore les interactions émergentes entre écriture et interprétation dans le cadre d’une recherche-création collaborative. La partition sonore ouvre la voie à de nouvelles formes de collaboration, instaurant une dynamique fluide entre compositeur et interprète et révélant des zones de porosité entre ces rôles. Mobilisant des identités plurielles – compositeur, altiste, pianiste, tous également engagés dans la recherche académique – C’est de l’encre traduit une volonté commune de repousser les limites des modes de jeu conventionnels, des gestes musicaux, de l’écoute et de l’expérimentation artistique. Ancrée dans une approche centrée sur la pratique musicale, cette recherche met en lumière les interactions générées par la partition sonore et leurs implications, soulignant son rôle fondamental en tant qu’outil de création intrinsèquement collaboratif.

EN:

C’est de l’encre (2023) is a work for viola and piano conceived as a sonic score, which can be performed in mixed modality using loudspeakers, or as a purely instrumental piece, played while listening to the sonic score through headphones. As an original contribution to the history of the practice of sonic scores, this work explores the emerging interactions between writing and performance in the context of collaborative research and creation. The sonic score paves the way for new forms of collaboration, establishing a fluid dynamic between composer and performer, and revealing areas of porosity between these roles. Drawing on multiple identities – composer, violist, pianist, all equally involved in academic research – C’est de l’encre reflects a shared desire to push back the boundaries of conventional modes of playing, musical gestures, listening, and artistic experimentation. Rooted in an approach centred on musical practice, this research highlights the interactions generated by the sonic scores and their implications, underlining their fundamental role as an intrinsically collaborative creative tool.

FR:

Ancré dans une approche relevant de la nouvelle musicologie, cet article examine les mises en scène contemporaines des Noces de Stravinski, sur le plan tant musical que chorégraphique, en mobilisant les concepts postmodernes de « dialogue » et de « rencontre ». L’autrice met d’abord en lumière le travail encore méconnu de l’ethnomusicologue Dmitri Pokrovski, dont l’ensemble vocal propose une interprétation singulière des Noces. Cette exploration permet par la suite de dégager des principes qui servent à l’étude de deux versions chorégraphiques, celles d’Angelin Preljocaj et d’Anne Teresa De Keersmaeker. L’analyse de ces ballets, esthétiquement contrastés, révèle comment différentes « vérités locales » de l’oeuvre peuvent enrichir la compréhension de ses structures fondamentales. Afin d’assurer une approche pluridisciplinaire, des unités analytiques d’interprétation scénique sont utilisées comme catégories transversales, notamment le « degré de fidélité », ici volontairement élargi au champ chorégraphique. À ce titre, le concept de « nomadisme » sert d’outil méthodologique pour appréhender les relations intersémiotiques entre musique et danse. Pour réaliser ce travail, l’autrice a obtenu l’accès à des sources inédites, notamment des archives privées à Moscou, relatives aux travaux de Pokrovski, et une captation exclusive du spectacle de la compagnie Rosas à Bruxelles. Enfin, des entretiens avec les créateurs impliqués complètent cette étude, enrichissant la réflexion théorique par des perspectives de praticiens.

EN:

This article explores contemporary interpretations of Stravinsky’s Les Noces, both musical and choreographic, through the lens of new musicology and postmodern concepts of dialogue and encounter. The author highlights still relatively unknown work of ethnomusicologist Dmitri Pokrovsky, whose vocal ensemble offers a distinctive interpretation of Les noces. This exploration then identifies key principles that are used to analyze choreographic adaptations by Angelin Preljocaj and Anne Teresa De Keersmaeker. By comparing these two aesthetically contrasting ballets, the article reveals how different “Work-specific truths” contribute to a deeper understanding of its fundamental structures. To ensure a multidisciplinary approach, this study applies analytical frameworks for stage performance as cross-disciplinary categories, particularly the “degree of fidelity”, which is deliberately extended to the choreographic domain. In this context, the concept of “nomadism” serves as a methodological tool for examining the interconnections between music and dance. For this research, the author gained access to previously unpublished sources, including private archives in Moscow related to Pokrovsky’s work and an exclusive recording of the Rosas company’s performance in Brussels. Finally, interviews with the involved artists further enrich the study by incorporating insights from practitioners.

FR:

Edgard Varèse résume, en une formule très contractée dont il a le secret, en quoi et comment le film sonore est une occasion pour la musique de sortir de l’impasse dans laquelle elle se trouve ; cette occasion tient au drame spatiotemporel très singulier que le cinéma impose aux configurations visuelles et sonores, et au rapport entre les deux : « une copénétration de volumes et de plans visuels, et de volumes et de plans sonores » (Varèse 1983, p. 57). Une interprétation basse de cette formule n’y verrait que l’application au cinéma d’une étiquette souvent reprise par Varèse pour présenter sa pratique musicale propre ; une interprétation haute peut y voir une idée esthétique dont, en création et en théorie musicales et cinématographiques, on continue encore aujourd’hui de découvrir la puissance poétique : la musique d’un film doit se dépasser vers une musicalité du cinéma, et cette musicalité du cinéma est affaire de production et d’implication temporelles d’événements d’espace et d’affects de matières.

EN:

In a very concise formulation all his own, Edgard Varèse sums up how the sound film is an opportunity for music to get out of the impasse in which it finds itself; this opportunity is due to the very singular spatiotemporal drama that cinema imposes on visual and sound configurations, and to the relationship between the two: “a co-penetration of visual volumes and planes, and of sound volumes and planes” (Varèse 1983, p. 57). A simplistic interpretation of this formulation would see it as nothing more than the application to cinema of a label often taken up by Varèse to present his own musical practice; a sophisticated interpretation can see in it an aesthetic idea whose poetic power some music and film creators and theorists continue to discover today: the music of a film must surpass itself towards a musicality of cinema, and this musicality of cinema is a matter of production and temporal implication of spatial events and material affects.