Numéro 40, automne 2006 Le théâtre irlandais au carrefour des modernités Sous la direction de Lisa Fitzpatrick et Joël Beddows

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L’impact de la mondialisation sur le théâtre irlandais depuis le début des années 90 a été considérable. Une étude de quatre pièces irlandaises créées par des compagnies dites « régionales » indique que deux impulsions dominent le théâtre irlandais contemporain, impulsions toutes deux engendrées par le phénomène de la mondialisation mais qui tendent vers des résultats très différents : les compagnies de théâtre réagissent contre la mondialisation en proposant un théâtre qui s’inspire de réalités propres aux régions, mais apte à circuler sur une échelle nationale et même internationale. Cette approche à la création se retrouve à l’origine d’un certain nombre de conflits entre ces compagnies de théâtre et leurs spectateurs immédiats : Patrick Lonergan décrit ces conflits, tout comme certaines tentatives de résolution.

EN :

The impact of globalisation on Irish theatre since the early 1990s has been considerable. A study of four recent Irish plays, all produced by "regional" theatre companies, suggests that contemporary Irish theatre is dominated by two impulses, both of which arise from globalisation but which tend towards opposite outcomes : theatre companies are attempting to respond to globalisation by producing theatre with a regionalized perspective, works that may nonetheless travel freely across national and international bounders. This approach to "theatre-making" has led to a number of clashes between theatre companies and their local audiences: Patrick Lonergan describes these clashes, as well as certain attempts to resolve them.

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Cet article décrit les problèmes associés à la prédominance du discours postcolonial dans le champ des études irlandaises consacrées au théâtre. En se basant sur une étude de cas, soit celle du malaise de la critique causée par la question de l’appartenance institutionnelle du dramaturge Martin McDonagh, Sarah Keating souligne à quel point une incapacité de dépasser les constructions postcoloniales de l’identité nationale freine le développement discursif de ce même champ d’études.

EN :

The objective of this paper is to expose problems in contemporary Irish theatre studies that arise from the dominance of post-colonial discourse in the field. By using the critical anxiety surrounding questions linked to Martin McDonaghs institutional affiliations as a case study, this paper demonstrates how the reluctance to move beyond post-colonial constructs of national identity inhibits the discursive development of Irish theatre studies.

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L’oeuvre de Brian Friel s’inscrit dans la veine d’une tradition dramatique qui a émergé au cours de la « Renaissance celtique » artistique à la fin du XIX^e siècle. Artisan d’un « théâtre rituel », il explore la question de l’identité irlandaise prise dans le flux de l’histoire, par l’entremise d’une dramaturgie sans cesse renouvelée. L’on peut qualifier son écriture comme étant à la fois anti-postmoderne, par les buts pédagogiques qu’il se fixe, et postmoderne, puisqu’une partie de son originalité se trouve dans le croisement des genres.

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Brian Friel works in the vein of a dramatic tradition inherited from the artistic "Celtic Revival" in the late 19th century. An advocate of "theatre as ritual", he explores the question of Irish identity caught in the flux of history through ever-changing dramatic forms. The purpose of his serious, pedagogical approach excludes him as a postmodernist, yet—perhaps paradoxically—, the blending of genres that characterizes his work is in itself profoundly postmodern.

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L’oeuvre de Thomas Kilroy est incontournable pour quiconque s’intéresse au théâtre irlandais contemporain. Par l’entremise de son oeuvre, cet auteur cherche à remettre en question les certitudes communautaires : l’homosexualité, la religion, les visions claniques mortifères sont des leitmotivs qui traversent ses pièces. Son association avec la compagnie théâtrale « Field Day » — reconnue pour ses prises de position politiques —, est également étudiée, et ce, pour souligner l’importance de sa contribution au théâtre irlandais en tant qu’artiste et en tant qu’animateur.

EN :

Thomas Kilroy's work is considered seminal in the field of contemporary Irish drama. Through his work, Kilroy challenges communal certainties: homosexuality, religion, deadly clannish beliefs are leitmotifs that mark his oeuvre. His association with Field Day Theatre Company—known for its political activism—, is also studied in order to highlight his contribution to Irish theatre both as an artist and as a facilitator.

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Dans les pièces Bailegangaire (1985) et A Thief of a Christmas (1985), Tom Murphy aborde des questions liées à la représentation des Irlandaises d’origine rurale, opprimées par un système social hiérarchique d’abord sous le gouvernement colonial britannique et, ensuite, sous le gouvernement postcolonial nationaliste, catholique et bourgeois. Paul Murphy soutient que Tom Murphy crée dans ses pièces des lieux où les discours réprimés peuvent s’exprimer et contredire l’histoire dite « officielle » qui émane d’un discours nationaliste catholique bourgeois. Ce chercheur dépasse la vision prédominante du théâtre irlandais centrée sur la question identitaire pour aborder plutôt des questions éthiques liées à la subordination des classes. Il participe ainsi au débat contemporain historiographique en Irlande autour du rapport antagoniste qui oppose le nationalisme et le révisionnisme.

EN :

In the plays Bailegangaire (1985) and A Thief of a Christmas (1985), Tom Murphy explores questions linked to the representation of working-class rural women who were subject to class and gender hierarchies during the British colonial administration of Ireland, as they were under the postcolonial Catholic bourgeois nationalist government. Paul Murphy defends the point of view that Tom Murphy creates forums in which repressed discourses may contradict official hegemonic catholic nationalist and bourgeois readings. The author of this article moves beyond a reading of Irish theatre grounded in identitarian paradigms of nation and nationalism, and engages with ethical issues of class and gender subordination. He thus participates in a contemporary debate specific to Irish historiography surrounding the antagonistic relationship that opposes nationalism and revisionism.

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Les pièces Milseog an tSamhraidh d’Éilís Ní Dhuibhne et Caoineadh Airt Uí Laoghaire de Tom MacIntyre sont représentatives de l’approche conflictuelle qui caractérise la politique linguistique en Irlande. Le bilinguisme dans ces oeuvres est présenté comme un phénomène complexe, indissociable du phénomène de l’exil. Nul doute que le bilinguisme et la « créolisation# » culturelle sont présentés comme la conséquence d’une politique culturelle impérialiste, et ces pièces s’inspirent clairement de certaines réalités propres aux XVIII^e et XIX^e siècles en Irlande.

EN :

Éilís Ní Dhuibhne's Milseog an tSamhraidh and Tom MacIntyre's Caoineadh Airt Uí Laoghaire are examples of the conflictual approach that characterises linguistic politics in Ireland. Bilingualism is presented in the work of Ní Dhuibhne and MacIntyre as a signifier of complexity, and especially, exile. No doubt that bilingualism and "créolisation" are also signifiers of cultural imperialism, and these plays are clearly inspired by realities typical of the Ireland of the 18^th and 19^th centuries.

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L’introduction et l’appropriation du théâtre irlandais, en anglais à Toronto et en français à Montréal sont comparées : manifestement, certains praticiens résistent à la spécificité des oeuvres abordées et s’appuient sur les clichés de l’identité irlandaise pour assurer leur réception, tandis que d’autres puisent dans la « différence » intrinsèque aux oeuvres de Mark O’Rowe, Marina Carr et Brian Friel. Dans un processus d’appropriation du théâtre irlandais au Québec, il est étonnant de constater que la traduction interlinguistique assure le respect de la spécificité esthétique des oeuvres abordées, phénomène qui contredit la logique traditionnelle qui veut qu’un tel processus implique surtout des pertes.

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The introduction and appropriation of Irish theatre in English in Toronto and in French in Montreal are compared: certain artists resist the specificity of the works produced and make use of clichés related to Irish identity to insure their acceptability to targeted audiences, while others embrace the uniqueness of works penned by Mark O'Rowe, Marina Carr and Brian Friel. Paradoxically, it would appear that interlinguistic translation in Quebec helps artists better understand texts, which in turn allows them to preserve aesthetic specificities of works produced in French. As such, this case study puts into question the traditional perspective of translation, often seen as a process that seeks to minimize forms of loss.

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Cet article examine de plusieurs points de vue la production expérimentale de 1964 du Théâtre du Nouveau Monde (presque oubliée aujourd’hui) de Klondyke. Premièrement, il traite de cette production comme une expérience de « création collective », bien que ni le terme ni le concept ne soit encore passé dans la pratique théâtrale au Québec. Deuxièmement, il envisage la création de ce spectacle comme la réalisation du désir de Jean Gascon, le metteur en scène, de créer une oeuvre canadienne-française originale et authentique. Et finalement, il analyse la contribution de la pièce au théâtre musical.

EN :

This article examines Montreal's Théâtre du Nouveau Monde's 1964 experimental—if now half-forgotten—production of Klondyke from several points of view. First, as an exploration of "collective creation," although neither the term nor the concept had yet entered theatre practice in Quebec. Secondly, as the fulfillment of director Jean Gascon's desire to create an original and authentic "French-Canadian" work. And lastly, it analyzes the play's contribution to musical theatre.

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Dans cet article consacré au Procès d’Oreste créé par Farid Paya et le Théâtre du Lierre, la chercheure étudie la façon dont cet auteur et metteur en scène français d’origine iranienne puise dans ce qu’Edgar Morin nomme une « Arkhe-Pensée » pour ordonner, à coups de mots, une ingénieuse allégorie de la folie. En s’interrogeant sur la représentation de la mania et de l’hybris, des termes grecs généralement traduits par « folie » et « démesure », elle montre comment l’univers dépeint par Paya se présente comme l’écho de sa propre conception musicale du théâtre, voire comme un carrefour de mémoires où texte, chorégraphies et polyphonies vocales sont des matériaux scéniques étroitement associés.

EN :

In this article pertaining to the play Le procès d'Oreste (the Trial of Orestes), created by Farid Paya and the Théâtre du Lierre, the author is examining the manner in which this Iranian playwright and director draws from what Edgar Morin has called "Arkhe-Thought" ("Arkhe-Pensée") to organize through words a clever allegory of madness. By exploring the representation of mania and hybris, Greek terms which are generally translated into "madness" and "excess", she shall demonstrate how the universe as depicted by Paya can be seen as an echo of its own musical conception of the theatre, indeed as a crossroad of memories where text, choreography, and vocal polyphonies become closely linked theatrical material.

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Cet article propose une réflexion sur la conception du théâtre élaborée par le philosophe Henri Gouhier. L’intérêt de son approche consiste, selon l’auteur, à montrer que l’essence du théâtre est liturgie; quand bien même un tel théâtre se voudrait athée, ou militant. Cette hypothèse, implicite chez Gouhier, repose sur deux arguments qu’on peut voir affleurer dans ses textes. D’une part, sur l’idée que la vocation du théâtre, comme de la liturgie, réside dans l’exhibition de la « présence réelle ». Dans cette perspective, rendre réellement présent le corps absent, s’affronter au mystère de cette incarnation constituerait le premier point de jonction entre théâtre et liturgie. D’autre part, cette hypothèse repose également sur le fait que le théâtre, sur le modèle de la liturgie, tenterait de réaliser cette présence au moyen de l’articulation nécessaire du geste et de la parole. Mais, si on peut déduire de la lecture de Gouhier une telle promiscuité, on doit affirmer en même temps la volonté du philosophe de maintenir une séparation nette entre ces deux pratiques. Ce double mouvement de coïncidence et de séparation peut alors être lu, selon l’auteur, comme la marque d’un déplacement de l’expérience religieuse. Il s’agirait de dire que, paradoxalement, toute expérience religieuse ne peut désormais être vécue et pensée que hors du champ religieux, dans un théâtre et une philosophie résolument athées.

EN :

This article sheds light on the philosopher Henri Gouhier's conception of drama. His work merits such attention because his writings remind the reader that drama is liturgical by its very nature, even when texts are considered atheistic or militant. This reading of Gouhier's work is based on two arguments that implicitly define his writings. The first is based on the principle that drama, like liturgy, is demonstrative of "real presence": in other words, a link between drama and liturgy can thus be made through the idea that both forms seek to make the absent body present and the mystery of that incarnation manifest. The second argument is based on the fact that drama like liturgy attempts to embody that presence through "speech-acts". But if one can infer proximity between the two notions, Gouhier never denies their autonomy. Coincidence and separation can here be interpreted as the result of the displacement of the religious experience in contemporary society. Paradoxically perhaps, in the case of atheistic theatrical forms and philosophical writings, this article affirms that religious experience, in theatre or elsewhere, cannot be experienced or analysed outside the religious frame.