Volume 16, numéro 3, 2006 À musique contemporaine, supports contemporains?

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Faisant allusion au questionnement fécond qui a eu lieu entre les deux guerres à propos des conséquences, pour la composition musicale, de l’invention de la radiophonie, l’auteur présente le numéro en se demandant si le rapport entre la musique d’avant-garde de la deuxième moitié du XX^e siècle et les technologies de captation, de stockage et de diffusion du son a suffisamment été examiné. Malgré d’importantes contributions dans ce sens chez un Pousseur ou un Gould, l’avant-garde de l’après-guerre semble toutefois assigner au disque la vocation de simple document archivistique et non pas celle de moyen radicalement nouveau d’accéder à la musique. L’auteur résume comment chacune des contributions à ce numéro cerne de différentes manières les façons dont les nouvelles technologies ont le potentiel d’ouvrir de nouvelles voies à la production et à l’écoute de la musique.

EN :

Noting the lively debates which took place between the wars about the consequences of the radio for musical composition, the author presents this issue by asking whether an equivalent questioning took place about the relationship between the technologies of recording and broadcasting of sound and avant-garde music of the second half of the 20^th century. Important contributions (notably by Henri Pousseur and Glenn Gould) notwithstanding, the avant-garde seems to have assigned to the record the role of archival document rather than as a radically new means of accessing music. The author surveys the ways in which each of the contributions to this issue examine how new technologies have the potential to open new paths in musical composition and listening.

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Il y aura bientôt cent trente ans qu’un homme gravait pour la première fois le son dans la matière grâce à l’invention du phonographe. Autour de cet appareil, qui sera transformé au cours des années, naîtra une industrie qui aura un impact sur la destinée musicale planétaire. Aujourd’hui dématérialisée, la musique se transmet dorénavant à la vitesse de la lumière optique, en tout lieu, en tout moment. L’auteur présente un survol historique des différents supports audio employés au fil des ans, leur évolution et leur rayonnement jusqu’à nos jours.

EN :

It was nearly 130 years ago that, with the invention of the phonograph, humankind etched sound for the first time onto matter. Over the years, an entire industry has been created around this device, which has had a major impact on the planet's musical destiny. In its present dematerialized state, music can now be transmitted at the speed of light, at all places and at all times. The author presents a historical survey of the different sound recording media, their evolution and development.

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L’auteur explore les conséquences pour la musique de son entrée dans l’ère machinique du son, qui comprend, entre autres, la désinstrumentalisation des oreilles, et la possibilité d’une écoute analytique, menant vers les moyens numériques qui permettent une nouvelle projection graphique du temps musical. Se basant sur des textes fondamentaux, notamment de Bartók et d’Adorno, sur les conséquences de la reproduction analogique du son sur les habitudes d’écoute, sur l’analyse musicale et sur le concept d’écriture même, l’auteur s’interroge sur les façons dont la science de la musique en général, ou son intelligence globale, a été et sera transformée par la numérisation, et notamment par une nouvelle représentation du temps musical.

EN :

The author explores the consequences for music of its entry into the machine-age of sound, which involves, among other things, the de-instrumentalization of the ears, and the possibility of an analytical listening which usher in the invention of digital tools allowing for a new graphic projection of musical time. Referring to important texts, notably by Bartók and Adorno, on the consequences of analog sound reproduction for listening habits, musical analysis and even for the concept of writing, the author looks at the ways the science of music in general has been and will be transformed by its digitization, and notably, by a new form of representation of musical time.

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Prenant pour point de départ un article de Jean-Wilfrid Garrett publié en 1950 dans la revue Polyphonie, article dans lequel l’auteur se désole de devoir constater le refus (ou l’incapacité) d’adaptation des compositeurs de musique contemporaine au média radiophonique, Réjean Beaucage se demande si ces derniers ne se préparent pas une nouvelle fois à rater le rendez-vous avec les nouvelles technologies, celles, cette fois-ci, qui intègrent l’image et le son. Examinant quelques oeuvres de compositeurs de musique contemporaine publiées ces dernières années sur DVD-vidéo ambiophonique (Tristan Murail, Fausto Romitelli, Steve Reich, etc.), il constate que la production est encore, de ce côté, très mince, et enjoint les compositeurs, comme le faisait Garrett il y a déjà plus d’un demi-siècle, à « ne pas se contenter d’illustrer conventionnellement d’arides théories mais d’en rechercher, parallèlement, l’application au monde vivant ».

EN :

Taking as its starting point an article by Jean-Wilfrid Garrett published in 1950 in the journal Polyphonie, in which the author deplores the refusal (or incapacity) of composers of contemporary music to adapt to the medium of radio, Réjean Beaucage wonders if today's contemporary composers are also well on their way to missing the boat once again, this time with the new technologies which integrate sound and image. Examining several works by contemporary music composers published in the last several years on ambiophonic video-DVD (Tristan Murail, Fausto Romitelli, Steve Reich, etc.), the author notes that productions of this kind are still few and far between, and enjoins composers—in the manner of Garrett a half-century earlier—"not to be content to illustrate in a conventional manner some arid theory, but to search, in parallel, its application to the living world."

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L’une des raisons de l’actuelle difficulté d’accès à la musique contemporaine pour un large public est la quasi inexistence d’outils d’écoute contemporains, permettant une écoute dite « active » et non pas une simple consommation passive. L’auteur fait le bilan de l’un des projets allant dans cette direction, réalisé par l’équipe de recherche « Analyse des pratiques musicales » dont il est responsable à l’Ircam. Une étude approfondie, reliant analyse musicale et anthropologie cognitive, sur l’oeuvre Voi(rex) de Philippe Leroux aboutit à un DVD-Rom interactif comportant des documents hypermédia articulant esquisses, fichiers sonores, entrevues, animations, extraits de partitions, etc., et qui pose de différentes manières la question de la transmissibilité de l’écoute de son oeuvre par le compositeur. Ces « guides d’écoute contemporains », en proposant des resynthèses plus ou moins fines du travail compositionnel, ont pour vocation d’« informer » leurs lecteurs-auditeurs, c’est-à-dire à la fois de leur fournir des informations précises et d’in-former leur écoute.

EN :

One of the reasons for the current accessibility-deficit of contemporary music for a large audience is the near inexistence of contemporary listening tools, which allow for active listening rather than mere passive consumption. The author outlines one of the projects undertaken by his research team "Analyse des pratiques musicales" at IRCAM, which goes in this direction. An in-depth study, uniting music analysis and cognitive anthropology, of the work Voi(rex) by Philippe Leroux resulted in the production of an interactive DVD-Rom containing hypermedia documents which include sketches, sound files, interviews, animations, score excerpts, etc. The theme of the possibility of transmission of the way a composer listens to his own work is thus explored. These 'contemporary listening guides', by offering re-syntheses of the composer's activity with varying degrees of complexity, aim to 'inform' their readers-listeners, i.e. both to supply precise information and to 'give form' to ways of listening.

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Le projet européen SemanticHIFI vise la préfiguration des chaînes hi-fi de demain, proposant aux mélomanes des fonctions inédites de gestion et de manipulation par le contenu des enregistrements musicaux. Les limites des équipements existants sont liées à celles des formats de diffusion de la musique qui, se présentant depuis plusieurs décennies sous la forme de signaux d’enregistrements stéréophoniques, n’autorisent que des modes de manipulation élémentaires. L’extension des supports d’information musicale à des représentations plus riches, issues soit directement de processus de production renouvelés ou d’outils d’indexation personnalisés, rend possible la réalisation de fonctions innovantes : classification personnalisée, navigation par le contenu, spatialisation sonore, composition, partage sur les réseaux préservant les droits liés aux oeuvres, etc. Ces fonctions sont le résultat d’activités de recherche menées dans le cadre du projet et se situant à la pointe de plusieurs disciplines : analyse et traitement des signaux audionumériques, ingénierie des connaissances musicales, interfaces homme-machine, architectures de réseaux distribuées. Le projet prévoit également une phase d’intégration, visant la réalisation de prototypes d’application, permettant de valider l’ensemble de ces fonctions dans un environnement technique unifié et compatible avec les contraintes du marché de l’électronique grand public. L’auteur propose une vue d’ensemble du projet, dont il assure la direction.

EN :

The SemanticHIFI European project aims at designing and prototyping tomorrow's home audio systems, which will provide music lovers with innovative functions of access and manipulation of musical content. The limitations of current equipment are mainly related to those of the music distribution media (audio recordings in stereo format), with poor control features and interfaces. Enabling the manipulation of richer media and related metadata (either distributed with the audio recordings or computed by the user through dedicated indexing tools) opens a wide range of new functionalities: personal indexing and classification of music titles, content-based browsing in personal catalogues, browsing within titles with automatic segmentation and demixing tools, 3D audio rendering and assisted mixing features, etc. These functions are the result of research activities undertaken at the intersection of several disciplines: analysis and digital audio signal processing, engineering of musical knowledge, man-machine interfaces, architecture of distributed networks. The project also plans an integration phase, which aims at realizing application prototypes, which will aim at verifying all of its functions in a unified technical environment which is compatible with the constrains of the household electronics market. The author offers a description of this project.

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Beginning by recounting his early contact with Stockhausen's use of moving spatialisation as a compositional parameter, composer Jonathan Harvey discusses how spatial considerations have played a role in his thought (notably under the influence of Bachelard), as well as in his music (especially through the use of the Spatialisateur). He then shares his thoughts on the role of the concert, the domestic context of listening, the possibilities of combining sound and image in home cinema systems, and the ways in which technology can be used as a pedagogical tool for complex music.

FR :

Depuis ses premiers contacts avec les réalisations de Stockhausen se servant de la spatialisation mobile comme paramètre musical à part entière, des considérations spatiales jouent un rôle prépondérant dans la pensée — notamment sous l’influence de Bachelard — ainsi que dans la musique — particulièrement grâce au spatialisateur — de Jonathan Harvey. Le compositeur discute la fonction du concert électroacoustique, le contexte domestique d’écoute, les possibilités pour l’avenir de joindre le son et l’image dans des appareils du type cinéma maison, et les façons dont la technologie peut être exploitée comme outil pédagogique au service d’une musique complexe.

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This article presents a practical view of one artist's dealings with the social and political aspects of the concert, seen through a variety of works realized between 1999 and 2006. Couroux's work is centered around the reintegration of the listener-viewer into the social event, specifically the concert format, which has functioned as a control group, enabling him to test some ideas about viewer mobilization. Exploring the potential of art as a motor for social investigation, he exploits the perceptual and cultural prejudices of the viewer to create a productive, creative zone of inquiry. A brief history of anti-virtuosity begins the article (with examples from Xenakis, Barrett, Ferneyhough and Glenn Gould, all of whom have called into question in various ways the totalized persona of the performer), ushering in the feedback processes of his work American Dreaming and the anti-absorptive strategies which underlie le contrepoint académique (sic). Finally, the position of the listener is problematized in two works: Blowback at Breakfast, in which he/she is enmeshed in a panopticon-like voyeuristic bind with the performer, and Watergating, in which shifting modes of aurality force a deconstruction of the listening process itself.

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Cet article fait état d’un regard pratique posé par un artiste composant avec les aspects sociaux et politiques du concert, à travers un certain nombre d’oeuvres réalisées entre 1999 et 2006. Le travail de Couroux se concentre sur la réintégration de l’auditeur-spectateur dans un événement social, plus spécifiquement le cadre du concert, qu’il utilise comme groupe témoin lui permettant de mettre à l’épreuve ses idées sur la mobilisation du spectateur. Explorant le potentiel de l’art en tant que moteur d’investigation sociale, il exploite les préjugés à la fois perceptuels et culturels qu’entretient le spectateur, dans le but de créer un environnement de recherche productif et créateur. L’article débute par un bref historique de l’anti-virtuosité (avec des références à Xenakis, Barrett, Ferneyhough et Gould, chacun ayant remis en question, de diverses façons, la figure de l’interprète), introduisant les processus de feedback de son oeuvre American Dreaming et les statégies anti-absorptives qui sous-tendent le contrepoint académique (sic). Enfin, la position de l’auditeur est problématisée dans deux oeuvres : Blowback at Breakfast, dans lequel l’auditeur est relié à l’interprète par un voyeurisme quasi panoptique, et Watergating, dans lequel les nombreux changements de modes d’oralité obligent à la déconstruction du processus d’écoute.

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À l’automne 2004, la Société Radio-Canada remplaçait la Chaîne culturelle par une nouvelle chaîne radio vouée aux émissions musicales, Espace musique, dont le ton et le contenu allégés ont suscité de vives réactions dans le milieu musical québécois. La place accordée à la musique classique, mais aussi aux commentaires avertis axés sur les oeuvres musicales et sur la vie culturelle en général s’y révèle considérablement réduite. Quant aux musiques nouvelles et contemporaines, elles se voient reléguées à la périphérie d’une programmation ouvertement populiste, éclectique et multiculturelle. Sur les ondes d’Espace musique, les véritables spécialistes de la culture sont de moins en moins appelés à commenter les réalisations artistiques marquantes ou émergentes, et à situer dans leur contexte les diverses démarches créatrices, d’ici ou d’ailleurs. Cette modification en profondeur de la radio publique canadienne de langue française, naguère de haut calibre mais jugée trop élitiste par ses dirigeants, répondrait à une volonté d’élargir la clientèle et de mieux témoigner de la diversité culturelle canadienne. Les conséquences à plus long terme paraissent toutefois inquiétantes, de nombreuses sociétés de concerts éprouvant déjà des difficultés à recruter un nouveau public. La Société Radio-Canada aurait-elle pris le mauvais virage, alors que de nouveaux moyens de diffusion de la musique se développent, y compris des stations de radio spécialisées, privées et accessibles uniquement sur la Toile? Le soutien accordé durant plusieurs décennies aux créateurs et à leurs interprètes par les radios publiques, au Canada et ailleurs dans le monde occidental, aurait-il été en partie abandonné? La musique contemporaine pourrait être l’une des principales perdantes de ce paysage radiophonique en rapide transformation. À titre d’exemple, les entrevues avec les compositeurs ont pratiquement été éliminées des ondes de la radio publique canadienne. Cotes d’écoute, commentaires d’auditeurs et citations de spécialistes de l’histoire de la radio appuient ce texte volontairement polémique en faveur d’une plus grande responsabilisation des dirigeants de la radio d’État, notamment en ce qui concerne le répertoire moderne et contemporain.

EN :

In the Fall of 2004, CBC replaced their French-language "Cultural Channel" by a new station, "Espace musique", devoted to musical programming. The light tone and content of this station has provoked lively reactions in the Quebec musical milieu. The time allotted to classical music and also to informed commentary on musical works and on cultural life in general is considerably reduced on this new station. As for new and contemporary music, it is relegated to the margins of the eclectic, multicultural and overtly populist programming. On the air, the veritable cultural specialists are ever less frequently called upon to offer commentary on important or emerging artistic creations, and to contextualize the various creative approaches of artists from here and abroad. This change in the level of Canadian French-language public radio, previously of high calibre, but judged too elitist by its directors, is purported to respond to a desire to better reflect Canadian cultural diversity. The long term consequences, however, seem worrying: many concert producers are already experiencing difficulty recruiting a new audience. Has CBC taken a wrong turn, at a time when new means of broadcasting are being developed, including the creation of specialized, private radio stations accessible on the Web? Is the support which public radio has given over the last several decades to composers and performers in Canada and abroad being partially abandoned? Contemporary music could be one of the principle losers in this radio landscape in rapid transformation. To give but one example, interviews with composers have all but been abandoned from the Canadian public airwaves. Audience ratings statistics, listeners' comments and quotations from specialists are used in support of this deliberately polemical text which pleads for the directors of state-funded radio to make responsible decisions, notably with regards to modern and contemporary repertoire.