Numéro 120, hiver 2022

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In his historical poetics, Édouard Glissant highlights the preponderant role played by the stripped migrant in his search for origins from Africa to the Caribbean. In so doing, he praises the latter’s endeavors throughout the adoption and adaptation to his new surroundings, the new world. In this article, the analysis is on the re-presentation of the past lived by the stripped migrant before, during, and after the moment of entanglement, when he started forming a rhizome-identity in comparison and contrast to the single-root identity perpetuated by the Békés. Such an approach brings to the fore the theoretical notion of detour developed by Glissant to defy and redefine the History or rather histories of the Caribbean archipelago that have been purposefully hidden by the “fictionneurs de l’Histoire” [History fiction writers], which makes him an atypical historian who gives a renewed version of the Afro-Caribbean tradition.

FR :

Dans sa poétique historique, Édouard Glissant met l’accent sur le rôle prépondérant joué par le migrant-nu dans sa quête des origines de l’Afrique aux Antilles. Ce faisant, il lui rend un hommage pour les grands efforts consentis tout au long de l’adoption et de l’adaptation au nouvel environnement, le Nouveau Monde. Dans cet article, l’analyse porte sur la représentation du passé vécu par le migrant-nu avant, au cours et après le point d’intrication où ce dernier a commencé à former une identité-rhizome en comparaison et en contraste avec l’identité racine unique perpétuée par les Békés. Une telle approche met en avant la notion théorique du détour développée par Glissant pour défier et redéfinir l’Histoire ou plutôt les histoires de l’archipel antillais qui sont volontairement cachées par les « fictionneurs de l’Histoire », ce qui fait de lui un historien atypique qui donne une version renouvelée de la tradition afro-antillaise.

EN :

This article argues that in Ananda Devi’s La vie de Joséphin le fou (2003), the protagonist Joséphin assumes the form of a human-eel monster, engaging in acts of vorarephilia or “vore,” to satiate a murderous desire underwater. This analysis conceives Joséphin’s aquatic world as a paradoxically queer, abject, and maternal space in which Joséphin terrorizes two underage children as both their abductor and protector. Devi further reconfigures in her novel the archetype of the protective eel in Mauritian shamanistic practices by depicting Joséphin as a predatorial human-eel figure. Joséphin’s violence against the children as he assumes such a monstrous embodiment serves as a metaphor for child sexual abuse in Mauritius where, at the time of the novel’s publication, an estimated 2,600 children were victims of molestation.

FR :

Cet article avance que dans La vie de Joséphin le fou (2003) d’Ananda Devi, le protagoniste Joséphin adopte la forme d’un monstre « mi-humain mi-anguille », se livrant à des actes de la vorarephilie, communément appelée « vore », pour rassasier un désir meurtrier sous l’eau. Cette analyse conçoit l’univers aquatique de Joséphin comme espace queer, abject et maternel dans lequel Joséphin terrorise deux mineurs. Dans son roman, Devi reconfigure par ailleurs l’archétype de l’anguille protectrice apparaissant dans des pratiques chamanistes mauriciennes en faisant de Joséphin une entité à la fois humaine et anguille. La violence de Joséphin contre les enfants, lorsqu’il se présente sous une telle incarnation monstrueuse, est représentative d’une métaphore de l’abus sexuel sur enfant à l’île Maurice où, lors de la publication du roman, il y eut une estimation de 2.600 mineurs victimes d’atteintes sexuelles.

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This article examines the presence of hospitality as a significant theme in four French Revolutionary novels of emigration written by three major female authors of that time, Isabelle de Charrière, Claire de Duras and Stéphanie de Genlis. It aims to highlight the multiple facets of the concept of hospitality in these novels and to demonstrate that beyond its traditional meaning, hospitality operates too in political, social and ethical realms: 1) it becomes the pivot of an introspective reflection: a critical look at the conventions and social practices of the French nobility, 2) it reflects a political thought: tensions between condemnation and loyalty to the Old Regime system, and between adherence to and suspicion of republican ideals, 3) last but not least, it opens a path to a feminist approach through situations that stage relationships of help and care by émigré women for émigré women. The reading angle that I propose in the article confirms the originality of these novels that link emigration and hospitality by evoking the potentiality of new situations, no matter how painful they may be: flexibility, emancipation, adaptation, openness, sharing and care are key themes that recur in the narratives to underline the transformative power of mutual support, responsibility and trust between women.

FR :

Cet article explore la thématique de l’hospitalité dans quatre romans d’émigration de la Révolution française écrits par trois auteures importantes de l’époque, Isabelle de Charrière, Claire de Duras et Stéphanie de Genlis. L’objectif est de mettre en évidence les multiples facettes du concept d’hospitalité dans ces romans et de démontrer qu’au-delà de sa signification traditionnelle, l’hospitalité opère également dans les domaines politique, social et éthique : 1) elle devient le pivot d’une réflexion introspective : un regard critique sur les conventions et les pratiques sociales de la noblesse française, 2) elle reflète une pensée politique : des tensions entre la condamnation et la loyauté envers le système de l’Ancien Régime, et entre l’adhésion et la suspicion envers les idéaux républicains, 3) enfin, elle ouvre une voie vers une approche féministe à travers des situations qui mettent en scène des relations d’aide et de soins par des femmes émigrées pour des femmes émigrées. L’angle de lecture que je propose dans l’article confirme l’originalité de ces romans qui lient émigration et hospitalité en évoquant la potentialité des situations nouvelles, aussi douloureuses soient-elles : flexibilité, émancipation, adaptation, ouverture, partage et soins sont des thèmes clés qui reviennent dans les récits pour souligner le pouvoir transformateur du soutien mutuel, de la responsabilité et de la confiance entre femmes.

EN :

The world remains silent on the existential questions of human life. This existential silence is the defining moment both in the philosophy of Albert Camus and in the literary work of Franz Kafka. Silence manifests itself in the absurd as well as in the Kafkaesque, but those two perspectives differ in their implications with respect to hope. Kafka’s main protagonists in his three big novels are marked by the fluctuation between hope and fear. The uncertainty of their fate contrasts with the relative stability of Camus’s figures within his philosophy of the absurd. In contrast to prior research, the mythical figure of Sisyphus is here prominently considered. Sisyphus is without hope, whereas Josef K. (The Trial) is bound to it as to fear itself. The comparison of the two figures deviates from the classical analyses of Politzer (1960), Darzins (1960), Gillon (1961) and Bryant (1969), but also from newer approaches such as Viqez Jimenez (2017). Although the topic of hope has been analysed in some of these works, the article stresses the importance of hope in a terminological triplet. It examines hope, fear and silence in a philosophical perspective as a general approach to the Absurd and the Kafkaesque.

FR :

Le monde reste silencieux sur les questions existentielles de la vie humaine. Ce silence existentiel est le moment décisif tant dans la philosophie d’Albert Camus que dans l’oeuvre littéraire de Franz Kafka. Le silence se manifeste aussi bien dans l’absurde que dans le kafkaïen, mais ces deux perspectives diffèrent dans leurs implications par rapport à l’espoir. Les principaux protagonistes des trois grands romans de Kafka sont marqués par la fluctuation entre l’espoir et la peur. L’incertitude de leur sort contraste avec la relative stabilité des personnages de Camus dans sa philosophie de l’absurde. Contrairement aux recherches précédentes, la figure mythique de Sisyphe est ici mise en avant. Sisyphe est sans espoir, alors que Josef K. (Le Procès) y est lié comme à la peur elle-même. La comparaison des deux figures s’écarte des analyses classiques de Politzer (1960), Darzins (1960), Gillon (1961) et Bryant (1969), mais aussi d’approches plus récentes telles que Viqez Jimenez (2017). Bien que le thème de l’espoir ait été analysé dans certains de ces ouvrages, l’article précise l’importance de l’espoir dans un triplet terminologique. Il examine l’espoir, la peur et le silence dans une perspective philosophique comme une approche générale de l’absurde et du kafkaïen.

FR :

Cet article explore la manière dont Le Parfum du jour est fraise de Pascale Petit illustre le concept de la performativité dans un contexte littéraire et la façon dont cette tendance performative se prête à une relecture proprement translationnelle de l’oeuvre. L’analyse se penchera en premier sur une discussion des contours conceptuels généraux de la performativité. Ensuite, on présente une étude de la manière dont « la voix » du poème – le destinateur qui commande et manipule et contrôle tout – efface la distinction entre le destinataire et le lecteur, et comment elle arrive à contrôler et à façonner ce dernier en tant que sujet d’une expérience quasi-scientifique. Ensuite, la discussion portera sur la performativité dans la traductologie et dans l’expérience de la traduction de ce texte en anglais.

EN :

This article explores the manner in which Le Parfum du jour est fraise by Pascale Petit illustrates the concept of performativity in the literary context, and how the performative character of the poem lends itself to a translational rereading of the work. The analysis will focus first on a discussion of the general conceptual contours of performativity. Next we examine how the “voice” in the poem – the speaker who commands, controls and manipulates all – erases the distinction between the reader and the narratee, and how the voice manages to control and shape the reader as a subject of a quasi-scientific experiment. Finally, the discussion will explore performativity in translatology and in the experience of the translation of this text into English.

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Best known for her 2016 suspense novel, Chanson douce, Leïla Slimani first attracted attention for her novel about a female sex addict, Dans le jardin de l’ogre. Having realized that women never figure in media accounts of sexual addiction, she immersed herself in Leo Tolstoy’s Anna Karenina, François Mauriac’s Thérèse Desqueyroux, Joseph Kessel’s Belle de jour, and Gustave Flaubert’s Madame Bovary. Reviewers of Dans le jardin de l’ogre often mention the latter in passing, and Slimani herself has identified Emma as one of her favorite heroines, but thus far there has been only one scholarly study that deals with specific connections between the two novels. While they seem unlikely bedfellows on the surface—Flaubert’s text is a traditional nineteenth-century roman de formation that unfolds in linear fashion, while Slimani’s is decidedly modern in subject and in its slippage back and forth in time—a close reading reveals numerous uncanny similarities in narrative technique, characterization, themes, and motifs. It is hard to imagine a more promising pairing to test Julia Kristeva’s theory that “tout texte se construit comme mosaïque de citations, tout texte est absorption et transformation d’un autre texte” (85). This study shows that Dans le jardin de l’ogre is one of those mosaics that has “absorbed” many of Madame Bovary’s salient features and “transformed” them into something quite modern and distinctive.

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Surtout connue pour Chanson douce, son roman à suspense publié en 2016, Leïla Slimani s’est fait d’abord remarquer pour Dans le jardin de l’ogre, roman dont la protagoniste souffre d’addiction sexuelle. S’étant rendu compte que les femmes ne figurent jamais dans les histoires de dépendance sexuelle dans les médias, elle s’est imprégnée de romans tels que Anna Karenina de Leo Tolstoy, Thérèse Desqueyroux de François Mauriac, Belle de jour de Joseph Kessel et Madame Bovary de Gustave Flaubert. Les critiques littéraires de Dans le jardin de l’ogre ont tendance à mentionner Madame Bovary en passant—sans doute parce que Slimani elle-même a identifié Emma comme une de ses héroïnes favorites—mais jusqu’ici il n’y a que deux études érudites qui traitent de parallèles spécifiques entre les deux romans. Une curieuse association à première vue—le texte de Flaubert est pour la plupart un roman typique du dix-neuvième siècle qui se déroule d’une façon linéaire, tandis que celui de Simani est décidément moderne étant donné son sujet et ses glissements temporels—une lecture attentive révèle de nombreux points de ressemblance (technique narrative, caractérisation, thèmes, motifs). Selon Julia Kristeva, “tout texte se construit comme mosaïque de citations, tout texte est absorption et transformation d’un autre texte.” Cet article constate que Dans le jardin de l’ogre est une de ces mosaïques qui a “absorbé” bien des traits saillants de Madame Bovary et les a “transformés” en quelque chose d’assez moderne et de distinctif.

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This study proposes to compare Claire de Duras’s Ourika (1824) and Ousmane Sembène’s “La Noire de...” (1962). The two novellas concern the assimilation of a Senegalese woman in the French society. Ourika is a young woman raised and educated in an aristocratic environment, while Diouana, the protagonist of Sembène’s story, who works as a maid, is illiterate. But the difference between the two women disappears as racism emerges. Using Fanon and Bhabha, this study focuses on the following aspects: Commodification and the loss of self; stigmatization and the protagonist as the Other; alienation and death; and suppressed voices and posthumous narratives. The essay concludes with a discussion of the significance of the struggles of the two protagonists, by extension, for Francophone African writers in the postcolonial context.

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Cette étude propose de comparer Ourika de Claire de Duras (1824) et “La Noire de...” d’Ousmane Sembène (1962). Les deux récits traitent de l’assimilation d’une Sénégalaise dans la société française. Ourika est une jeune femme élevée et éduquée dans un milieu aristocratique tandis que Diouana, le personnage principal du récit de Sembaine, qui travaille comme bonne, est illetrée. Mais cette différence entre les deux femmes disparaît au fur et à mesure que le racisme apparaît. Employant les théories de Fanon et de Bhabha, cette étude porte sur les aspects suivants: marchandisation et la perte de soi; stigmatisation et altérité; aliénation et la mort; et, voix supprimées et récits posthumes. En guise de conclusion, l’étude discute des effets des épreuves des deux personnages principaux, par extension, sur les écrivains francophones africains dans le contexte postcolonial.

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Molière has often been treated as an anti-feminist, but this qualification disregards the complexity of his woman figures. In The Misanthrope, Célimène represents an exceptional woman figure that is a novelty in the classical literature. A master of brilliant conversation, she is a witty and charming salon lady. Her freedom causes concerns particularly for Alceste, the protagonist who dominates the play with his critical worldview. His assessment of Célimène’s conformism, coupled with her fickleness and falsity, was echoed by the majority of traditional commentaries that deemed her to be a slanderous coquette, hence a relatively banal figure. Countering such simplifications, the paper tries to establish Célimène as a complex, rich and subtle figure and explores the question to what extent she displays an independent spirit which equals Alceste’s. It examines the possibilities of woman’s freedom within the patriarchal framework of the time, and beyond.

FR :

Molière a souvent été tenu pour anti-féministe, mais cette désignation ne tient pas compte de la complexité de ses figures féminines. Dans Le Misanthrope Célimène présente une figure féminine exceptionnelle ce qui est une nouveauté dans la littérature classique. Dotée d’une éloquence hors pair, cette dame de salon excelle par son esprit et son charme. Sa liberté cause des problèmes particulièrement pour Alceste, le protagoniste qui domine la pièce par son point de vue critique. Son jugement sur le conformisme, l’inconstance et la duplicité de Célimène a trouvé des échos dans la majorité des commentaires traditionnels, qui la traitaient de ‘coquette médisante’, donc comme une figure plutôt banale. Le présent article s’oppose à de telles simplifications et propose d’établir Célimène comme une figure complexe, riche et subtile, en poursuivant la question dans quelle mesure elle témoigne d’un esprit indépendant qui égale celui d’Alceste. Il examine les possibilités de la liberté féminine dans le cadre patriarcal du temps, et au-delà.

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Dans le scénario et le film Le camion (1977) de Marguerite Duras, un seul prénom biblique – « Abraham » – émerge d’un arrière-plan où se confondent des personnages et des lieux indistincts. Au cours du film, le prénom devient tabou. Treize ans plus tard, un phénomène semblable se produit dans La pluie d’été (1990) lorsque la déclinaison : « moi, fils de David, roi de Jérusalem », extrait du Livre de l’Ecclésiaste, revient de façon frappante et provoque une gêne palpable. Dans ce roman, qui plus est, une série de personnages sont « polyonymiques », glissant d’une identité à une autre, d’un nom à un autre. La nomination ici est donc tout à fait particulière et déclenche une peur vive qui se manifeste dans le texte par des réactions paroxystiques : pleurs, cris, hurlements, silences. L’axe principal de cet article sera donc d’étudier la source de ce malaise et de déterminer le ou les interdits qui le provoque et qui mènent à la perte de la parole. Dans un premier temps, nous verrons alors comment les noms et titres bibliques tels qu’« Abraham » et « le fils de David » s’inscrivent dans une démarche de réduction de toute identité à celle contenue dans les unités nominales minimales, « Juif » ou « Juden ». Dans un deuxième temps, nous explorerons comment les réactions paroxystiques des personnages se relient à la difficulté et à l’importance de donner un nom – en tant que fondatrice de l’identité des individus, mais aussi aux interdits de la représentation et de la verbalisation du divin dans la Bible hébraïque.

EN :

In the script and film, Le camion (1977) by Marguerite Duras, a single biblical name – “Abraham” – emerges from a backdrop of indistinct characters and places. During the film, the name becomes taboo. Thirteen years later, a similar phenomenon occurs in La pluie d’été (1990) when the verse “I, son of David, King of Jerusalem” from Ecclesiastes repeats regularly throughout the text and generates a feeling of discomfort and embarrassment. Furthermore, in this novel, characters are “polynymous”, shifting from one identity to another, one name to another. Here, the act of naming is entirely unique and provokes a deep sense of fear that manifests in the text through the characters’ paroxysmal reactions: cries, screams, howls, and silence. The main focus of this article will be to study the source of this malaise and to determine the prohibitions and taboos that lead to this incredible loss of speech. Thus, in the first part of the article, I examine how and why Duras populates Le camion and La pluie d’été with biblical, Jewish names and the way in which “Abraham” and the “the son of David” in these works become concentrated into a single word and identity: “Jew” or Juden”. In the second part of the article, I explore how the characters’ paroxysmal reactions relate to the difficulty and importance of assigning a name, both in terms of individual identity, but also in terms of the prohibitions and interdictions against divine representation and verbalization in the Hebrew Bible.