Volume 35, numéro 1, 2015

FR :

Dans le jargon philosophique habituel, un jugement de type « universel » est un concept toujours valide dans toutes les situations / époques, qui s’applique à tous les individus qu’il a la prétention de catégoriser. Au cours de cet article, nous suggérons que l’ébauche d’une quelconque définition « universelle » de l’art doit se heurter à des problèmes ontologiques (l’essence de l’art) sérieux. Nous proposons qu’il soit plus prudent de s’abstenir de faire de tels jugements en ayant une approche fonctionnaliste pour décrire sans définir le processus créatif ainsi que les oeuvres qui y aboutissent. Nous faisons la démonstration de cette approche construite sur un refus conscient de définir l’art, en analysant (avec les catégories des fins et des moyens) le rapport à la technologie du pianiste Glenn Gould. Il s’agit, en quelque sorte, d’un dialogue ouvert avec le lecteur. Finalement, nous aboutissons à la conclusion qu’il peut être pertinent pour le chercheur-créateur (un mélange entre le théoricien et l’artiste qui cherche à valider son art) d’opter pour une esthétique singulière ou d’essayer de constituer une théorie universelle de l’art en attaquant le problème ontologique par le biais de la linguistique (une suggestion, sans garanties). En dehors de notre approche fonctionnaliste, qui par rigueur intellectuelle peut tendre vers un relativisme insatisfaisant, il s’agit des seuls choix prometteurs qui ne se limitent pas aux analyses historiques ou aux analyses d’oeuvres individuelles (le paradigme actuel de l’enseignement théorique universitaire en musique) auxquels nous avons pensé.

EN :

In the usual philosophical jargon, a judgment qualified as “universal” is a concept valid at all times and in all contexts or periods, that apply to all individuals it intends to classify. In this article, I argue that any tentative “universal” definition of art is fraught with serious ontological problems (regarding its essence). I propose therefore that it would be more prudent to refrain from making such attempts, and to adopt instead a functional approach in describing, without defining, the creative processes, as well as the resulting musical works. I demonstrate this approach, which is built on a deliberate refusal to define art, by engaging in an open dialogue with the reader, analyzing (in terms of means and ends) how the pianist Glenn Gould related to technology. I conclude that it could be fruitful for the creator-searcher (the artist exploring the craft through theory) to choose a specific esthetics or to develop a universal theory of art through addressing the ontological problems with the help of linguistics (a suggestion with no guarantees). Indeed, apart from the functionalist approach, which may become unsatisfactory relativism, due to intellectual rigour, these avenues are the only promising ones that are not limited to historical or musical analyses of individual works (analyses that are the basis of the theoretical musical training in our universities).

EN :

We examined the effects of choices parents can make regarding their child’s piano lessons: age started, instruction method, taking exams, taking group lessons, sitting in on lessons, helping with home practice, giving rewards for practising. Parental choices were correlated with the following child variables regarding piano playing: autonomous motivation, interest in performance and creativity, interest in effortful practice, time spent practising, feeling of competence, and exam performance. We administered questionnaires to 173 piano students aged six to sixteen and their parents. The most beneficial predictors were: initiating lessons before age seven, sitting in on lessons, and helping with home practice.

FR :

Nous avons examiné l’effet de diverses décisions que les parents peuvent prendre dans le cadre de l’apprentissage du piano de leurs enfants, par exemple au niveau de l’âge pour commencer cet apprentissage, la méthode d’enseignement, les examens, les cours de groupes, l’assistance aux cours, leur présence active lors des pratiques quotidiennes, et le fait de récompenser ces pratiques. Ces choix ont été mis en corrélation avec diverses variables se rapportant au jeu pianistique de l’enfant, c’est-à-dire à leur motivation personnelle, leur intérêt pour l’interprétation et la créativité, leur intérêt pour l’effort mis dans la pratique, le temps qui y est passé, leur sentiment d’habileté, et leur niveau de réussite aux examens. Nous avons soumis 173 élèves de piano, âgés de 6 à 16 ans, ainsi que leurs parents, à une série de questionnaires. Cette étude a permis de révéler certaines des décisions les plus bénéfiques, telles que commencer les leçons avant l’âge de 7 ans, assister aux cours, et aider aux pratiques quotidiennes.

FR :

Cet article présente une analyse contextuelle du travail créatif de quatre musiciens qui avaient comme mandat de remixer des chansons québécoises enregistrées avant les années 1960. Par le biais d’une enquête dont l’approche s’inspire de méthodes ethnographiques, l’auteur tente d’entrer dans la tête et le coeur des musiciens en vue d’identifier ce qui motive leur créativité et ce qui mène ces derniers à s’incliner vers certains modèles esthétiques plutôt que d’autres. Dans un espace social qualifié de postmoderne ou encore d’hypermoderne selon les sociologues, les motivations nous apparaissent diversifiées, fragmentées, fluctuantes et très contrastées d’un musicien à l’autre, et ce, à l’image d’une époque, d’une génération ou d’une réalité anthropologique urbaine et contemporaine. L’auteur conçoit la musique comme un phénomène multifactoriel où le social et le musical sont interdépendants, en mouvements ainsi qu’en constantes mutations.

EN :

This article presents a contextual analysis of the work of four musicians, who have been asked to remix Quebec songs recorded before the 1960s. Through an examination drawing on ethnographic methods, the author tries to understand what makes musicians tick, by attempting to identify what motivates their creativity and what leads them to choose certain aesthetic styles over others. In a social environment qualified by sociologists as postmodern or ultramodern, the motivations appear diverse, fragmented, fluctuating, and highly contrasted from one musician to another, reflecting our anthropologically contemporary and urban times, generations, and realities. The author conceives music as a multifactorial phenomenon in which music and society are interrelated, and in constant movement and transformation.

EN :

This study provides a snapshot of tenure at Canadian post-secondary music institutions, with a particular focus on gender and race/ethnicity. The data show tenure has been granted at high rates over a five-year period, and that women are no more or less likely to achieve tenure than men. However, more men than women hold both tenured and tenure-track positions, at a ratio of 2:1. The sample size of non-white faculty was not large enough to conduct statistical analyses about tenure rates in relation to race/ethnicity, although the extremely low rates of non-white tenure-track faculty suggest that diversity remains a concern in post-secondary music programs.

FR :

Cette étude donne un aperçu de l’obtention de la permanence dans les institutions canadiennes universitaires d’enseignement de la musique, en se concentrant en particulier sur les facteurs de genre et de race/ethnicité. Les données montrent que la permanence a été octroyée à un taux élevé sur une période de cinq ans, et que les femmes n’ont pas plus ou moins de chances de l’obtenir que les hommes. Cependant, il a été observé que plus d’hommes que de femmes occupent les postes réunis avec permanence et menant à la permanence, et ce, dans une proportion de 2 à 1. L’échantillon des professeurs non-blanc n’était pas suffisamment important pour effectuer des analyses statistiques sur les taux de permanence en rapport avec la race et l’ethnicité, bien que les taux très bas de non-blancs à des postes menant à la permanence suggèrent que la diversité demeure une préoccupation dans les programmes postsecondaires d’enseignement de la musique.

FR :

La recherche, la rédaction et la publication de la première biographie du compositeur, pianiste et critique anglais Kaikhosru Shapurji Sorabji (1892–1988), parue en 2013 sous la forme d’un fichier au format PDF sur le Sorabji Resource Site, site documentaire géré par son auteur, a représenté un projet d’envergure qui s’est étalé sur de nombreuses années. L’article consiste en une visite individuelle guidée dans l’atelier du biographe permettant de constater l’ampleur des défis, les techniques de recherche mises en oeuvre, les difficultés rencontrées et les solutions adoptées pour arriver à fournir au lecteur ce qui a semblé la façon idéale de jeter une base solide pour toute recherche future.

EN :

The research, writing, and publication of the first biography of the English composer, pianist, and critic Kaikhosru Shapurji Sorabji (1892–1988), published in 2013 on the Sorabji Resource Website, managed by its author, is a major project that took place over many years. This article consists of a guided visit to the biographer’s workshop, in order to shed light on the challenges, research techniques, difficulties encountered, and the solutions that were entailed in this project conceived to provide the reader with the ideal basis for future research.

EN :

Luigi Dallapiccola (1904–75)—a pioneering figure as serialist, composer of protest music, and trailblazer for the avant-garde—wrote his Greek Lyrics song cycle (1942–5) as an escape from wartime anxiety. I locate the Lyrics within a nexus of technique, text setting, and ethical engagement. That complex resonated with the younger composers Berio, Nono, and Maderna, each responding in the postwar period with settings from the same collection, Quasimodo’s 1940 free translation of classic Greek lyrics. I examine Quasimodo’s ethics, placing his poetry and Dallapiccola’s settings within Gramsci’s notions of language and politics, which were highly influential on postwar Italian composers.

FR :

Luigi Dallapiccola (1904–75), un pionnier du sérialisme et de l’avant-garde ainsi que compositeur de musique engagée, a composé son cycle de chants intitulé Liriche greche en 1942–45 afin d’échapper à l’anxiété de cette période de guerre. On propose d’examiner dans cette oeuvre la rencontre d’une technique, d’une mise en musique d’un texte, et d’un engagement éthique. Cet assemblage a en effet eu un impact sur les plus jeunes compositeurs Berio, Nono et Maderna, qui y ont chacun répondu dans l’après-guerre par leur propre mise en musique de la collection de traductions libres de poésies classiques grecques de Quasimodo (1940), à laquelle avait emprunté Dallapiccola. On y examine par conséquent l’éthique de Quasimodo en plaçant sa poésie et la mise en musique de Dallapiccola dans le cadre des notions de langage et de politiques de Gramsci, théories ayant eu un grand impact chez les compositeurs italiens de l’après-guerre.