FR :

Sous la forme d’une conférence mise en dialogue lors d’un souper, ce texte plurivoque explore le « degré zéro » de l’écriture chorégraphique éprouvé par la danse performative. Qu’advient-il du corps dansant quand la chorégraphie évacue l’idée même de « danse »? Cette écriture scénique engage une temporalité et un état de présence spécifiques qui, inscrits dans l’ici et maintenant, génèrent un effet de réel. À travers une mise en jeu du corps qui tend à sa réduction, à son effacement, voire à sa disparition, cette « dramaturgie du vivant » attise paradoxalement l’imaginaire du ou de la spectateur·trice.

EN :

Between a conference and a dialogue during a supper, this multivocal text explores the “zero degree” of choreographic writing experienced by performative dance. What happens to the dancing body when the choreography takes away the very idea of “dancing”? This stage writing involves a specific temporality and a state of presence which, here and now, generate an effect of reality. Through a bringing into play of the body which tends to reduction, to erasure, even to its disappearance, this “dramaturgy of the living” paradoxically stirs the imagination of the spectator.

FR :

Cet article porte un regard pédagogique sur la mise en corps de la tragédie au sein d’un cours d’interprétation offert par Martine Beaulne à l’École supérieure de théâtre de l’Université du Québec à Montréal (UQAM). S’appuyant sur le concept d’expérience et sur la théorie de l’activité, cette étude vise à mieux comprendre la manière dont les expériences de formation vécues dans ce cours invitent l’apprenant·e à se concentrer et à observer, à occuper le territoire de son corps et celui qui l’entoure, à s’engager dans une rythmique autre que celle du quotidien, à se laisser enivrer par la musique ainsi qu’à se nourrir d’images percutantes et d’objets dotés d’une forte symbolique.

EN :

Through a pedagogical lens, this article looks at how tragedy is put into practice in an acting class offered by Martine Beaulne at the École supérieure de théâtre de l’Université du Québec à Montréal. Drawing on experience and activity theory, this study aims to better understand how training experiences in this course invite the student-actor to focus and observe, to inhabit his or her own body and the surrounding space, to engage in a rhythm other than that of everyday life, to be enraptured by music, and to be nourished by striking images and objects with strong symbolic value.

FR :

« Le livre est un cadavre. C’est une lettre morte, toujours et quoi qu’on fasse. Il a toujours été considéré comme une chose, un parallélépipède de papier […]. C’est en brisant le livre qu’on peut en retrouver le souffle vital » (Castellucci, 2001). Ainsi s’exprime Romeo Castellucci, metteur en scène contemporain italien, dont les créations sont marquées par l’absence ou la quasi-absence de texte sur scène. Quand texte il y a, il l’analyse avec précision et s’en sert comme matériau. Il déplace donc la notion de dramaturgie en procédant volontairement à une « destruction » du texte afin d’étouffer la langue pour la faire renaître autrement. Ainsi perçue, la scène permet à la langue de se délier, au langage de se libérer, et devient le lieu de surgissement d’une écriture nouvelle et d’une dramaturgie non textuelle mais de chair.

EN :

« The book is a corpse. It is forever a lifeless letter, no matter what you do. It has always been considered as an object, a paper parallelepipedon […]. By breaking the book you can retrieve its breath of life » (Castellucci, 2001). Such are the words of contemporary stage director Romeo Castellucci, in whose creations the absence or near absence of text on stage is a recurrent feature. And whenever he uses some text, it is by analyzing it thoroughly and treating it as a material. Thus, voluntarily destroying the text, stifling its language to give it a second and different birth, he shifts the very notion of dramaturgy. In this light, the stage allows tongues to loosen, language to free itself, and becomes the place where a new writing and a non-textual flesh dramaturgy arises.

FR :

Cet article s’intéresse aux représentations des corps féminins dans les textes Gunshot de Lulla West (pars pas) (2011), Le trou (2014) et Simone et le whole shebang (2016) de l’autrice dramatique Eugénie Beaudry. En nous appuyant notamment sur les concepts de sexage et d’appropriation de Colette Guillaumin (1992), de même que sur l’idée de la « conscience des dominées », formulée par Nicole-Claude Mathieu (2013 [1991]), nous entendons démontrer en quoi les corps des personnages féminins chez Beaudry sont en fait des corps à portée sociale, des représentations qui, en cherchant à se libérer des diverses formes d’appropriation (Guillaumin, 1992) auxquelles elles sont soumises, produisent des discours singuliers sur l’émancipation. Examinés sous cet angle, les textes de Beaudry révèlent une diversité de représentations des femmes qui nous renseignent tout autant sur des enjeux sociopolitiques d’envergure que sur les potentialités de la fiction féministe.

EN :

This article focuses on the representations of female bodies in Gunshot de Lulla West (pars pas) (2011), Le trou (2014) and Simone et le whole shebang (2016) from playwright Eugénie Beaudry. Using Colette Guillaumin’s concepts of “sexage” and “appropriation” (1992), as well as Nicole-Claude Mathieu’s idea of “conscience des dominées” (2013 [1991]), we attempt to demonstrate how the characters’ female bodies are in fact representations of social bodies, who try to escape these social relations of appropriation while simultaneously producing emancipatory discourses. This perspective reveals that Beaudry’s texts propose a diversity of representations of women that enlighten us on significant social and political issues as well as on the potential of feminist fiction.

FR :

L’artiste belge Eric Joris, directeur artistique de la compagnie de théâtre CREW, explore les codes et la grammaire de la Réalité virtuelle dans le contexte des arts vivants. L’approche de la compagnie est fondée sur une compréhension exceptionnelle des phénomènes neurocognitifs qui découlent de l’expérience immersive. Ses oeuvres explorent la dimension sensorielle du corps immergé lorsqu’il se trouve en oscillation entre les environnements naturels et artificiels. Le travail de cette compagnie souligne non pas une opposition entre deux « mondes », mais bien un relai où le corps unifie la notion de réalité. Cet article vise à expliciter les stratégies dramaturgiques mises en place dans l’écriture sensorielle de ces oeuvres où le corps spectatoriel est transformé en véritable instance scénique. En s’appuyant sur une captation sensorielle de l’oeuvre C.A.P.E. Brussels, cette étude rend compte des stratégies immersives et contre-immersives mobilisées par l’artiste au sein de sa pratique en « réalité alternée ».

EN :

Belgian artist and artistic director of CREW theatre company, Eric Joris explore the codes and grammar of Virtual Reality in the context of performing arts. The company’s approach is based on an exceptional understanding of the neurocognitive phenomena that arise from the immersive experience. These performances explore the sensorial dimension of the immersed body in an oscillatory state between natural and artificial environments. This company’s work underlines not an opposition between two “worlds” but rather a relay where the body unifies the notion of reality. This article seeks to analyze the dramaturgical strategies implemented in the sensorial writing of these performances where the spectator body is transformed into a true scenic instance. Based on a sensorial narrative of C.A.P.E. Brussels, this study unveils the immersive and counter-immersive process mobilized by the artist within his practice of “alternate reality”.

FR :

Cet article s’intéresse à la relation, en apparence parataxique, entre les composantes textuelles et corporelles qui se trouvent au coeur du dispositif théâtral immersif Résonances élaboré par l’artiste multidisciplinaire Carole Nadeau. À partir d’une posture interprétative soma-esthétique, laquelle prend en compte les dimensions subjectives et incarnées de l’expérience de la représentation, sont interrogés les frictions, les mises en écho et les nouages entre le texte, l’espace, le son, l’image et les corps – projetés ou en présence. Malgré l’ancrage résolument postdramatique de la représentation, qui fait se rencontrer, en éclats, les mots d’Heiner Müller et l’iconographie de Francis Bacon, l’analyse fait ressortir la dimension « textuée » de la traversée spectatorielle et du travail de sémantisation qui l’accompagne.

EN :

This article focuses on the relationship, seemingly parataxial, between the textual and bodily components at the heart of the immersive theatrical installation Résonances, by multidisciplinary artist Carole Nadeau. Using a soma-esthetic interpretive posture, which takes into account the subjective and embodied dimensions of the performance, the frictions, echoes and connections between text, space, sound, image and bodies – whether projected or present – are questioned. In spite of the resolutely post-dramatic nature of the representation (in which Heiner Müller’s words and Francis Bacon’s iconography meet in fragments), the analysis brings out the “textual” dimension of the spectator’s journey and the semantic work that accompanies it.

FR :

Cet article vise à souligner l’intérêt de la recherche-création à travers l’exploration d’une manière sensible, indisciplinée, flottante d’aborder la création scénique. D’une écriture matériau à la notion de corporéité, il propose trois exemples d’un faire scénique où la relation du texte et de son contexte constitue une projection opératoire et présente une diversité, générant une mixité stratégique soufflant à la fois le traditionnel et le contemporain.

EN :

This article aims to highlight the relevance of a research-creation approach through the exploration of a sensitive, undisciplined, and fluid way of exploring stage creation. From “material writing” to the notion of corporeality, it proposes three examples of stage creation for which the relationship between text and context constitutes an operative projection. An emphasis on diversity, in these creations, also generates a strategic mix, which breathes new life into traditional and contemporary approaches alike.

FR :

Depuis un processus immersif à Saint-Nazaire en France et la présentation publique de Phonographie maritime à l’Université du Québec à Chicoutimi au Québec, nous voulons sonder et revendiquer le concept de textualité performative. Notre objectif ne consiste pas à cerner définitivement ce que nous entendons par une textualité performative en raison même de sa nature transitoire et de sa forme en connexion (in)constante, mais plutôt à témoigner de l’expérience aurale et écologique qu’elle suscite, puis de la matérialité polymorphe et vibrante qui s’en échappe, convoquant non plus seulement des mots mais aussi un maillage de paysages, de cultures, de scènes, de médias, de corporéités et de sensations.

EN :

Following an immersive experience in Saint-Nazaire, France and the public presentation of Phonographie maritime at the Université du Québec à Chicoutimi, in Quebec, we seek to probe, and claim, the concept of performative textuality. Our goal is not to definitively define what we mean by a performative textuality – on account of its transitory nature and its (in)constant connective form – but rather to bear witness to the aural and ecological experience it elicits, and then to the polymorphic and vibrant materiality that escapes from it. We thus summon not just words, but also an entire web of landscapes, cultures, scenes, media, corporealities and sensations.

FR :

Cet article présente les prémisses d’une recherche-création en cours et prend la forme d’un récit de pratique où sont présentées intuitions, hypothèses et assises théoriques qui guident le projet Caravane, une quête poétique et anthropologique des gestes des Amériques. Cette recherche-création scénique, autour des gestes liés aux cultures, s’inscrit dans une démarche interdisciplinaire en arts vivants favorisant la rencontre interculturelle et transculturelle d’artistes d’origines diverses des Amériques actuelles, lesquelles sont formées par les peuples fondateurs autochtones et par les continuelles migrations qui ont eu lieu au fil des millénaires et de l’histoire récente. La Caravane d’artistes, de mimes, d’acteur·trices et de danseur·euses participeront à une performance sans paroles, née d’un processus de création également basé sur le non verbal et le partage des gestes observés dans les divers territoires. Le regard ethnographique et poétique sur le geste lié à la culture pose les questions de l’altérité, de l’identité, de « l’être-avec » (Nancy, 2013).

EN :

This article presents the premises of an ongoing research-creation and takes the form of a practice story in which intuitions, hypotheses and theoretical foundations are presented that guide the Caravane project, a poetic and anthropological quest for gestures in the Americas. This scenic research-creation, around gestures linked to cultures, is part of an interdisciplinary approach in the performing arts by calling on the intercultural and transcultural encounter of artists of various origins from present-day Americas, which are shaped by the founding indigenous peoples and by the continual migrations that have taken place over millennia and recent history. The caravan of artists, mimes, actors and dancers will participate in a performance without words, born of a creative process also based on the non-verbal and the sharing of gestures observed in the various territories. The ethnographic and poetic look at the gesture linked to culture raises the questions of otherness, of identity, of being-with (Nancy, 2013).

FR :

Dans cet article, l’artiste-chercheuse Claudia Bernal aborde, à partir d’une perspective autopoïétique, l’utilisation du texte littéraire comme matériau plastique pour la création d’une oeuvre interdisciplinaire. Elle analyse différentes stratégies d’adaptation et d’intégration de trois nouvelles de Gabriel García Márquez tirées du recueil Des yeux de chien bleu (2005 [1974]) dans son installation performative L’envers des îles blanches (2014). Ces stratégies relèvent principalement de la transposition visuelle, sonore et performative du texte à partir du dialogue entre l’écriture de l’auteur et celle de l’artiste visuelle, d’une rencontre entre les deux ancrée dans le vécu personnel de cette dernière.

EN :

In this article, artist-researcher Claudia Bernal approaches, from an autopoietic perspective, the use of literary text as “plastic material” in the creation of an interdisciplinary work. She analyzes different strategies for adapting and integrating three short stories by Gabriel García Márquez (from his 1974 collection, Ojos de perro azul; Des yeux de chien bleu, 2005) into her performative installation L’envers des îles blanches (2014). These strategies mainly involve the visual, sound and performative transposition of the text based on the dialogue between the author’s writing and that of the visual artist, an encounter which is grounded in the latter’s personal experience.

FR :

Cet essai revient sur le processus de création d’une forme courte sise entre le théâtre, le cirque contemporain et l’installation sonore, Hamlet sur le fil. L’adaptation de la pièce-monument du répertoire occidental en contexte circassien a révélé à son auteur à quel point le brouillage des rôles et des écritures allait reposer sur les tensions entre texte, textualités et textures. Ce flou ontologique aura permis la création d’une oeuvre hybride reposant à la fois sur le geste assumé du déséquilibre acrobatique et sur un soliloque canonique composé d’acrobaties intellectuelles face à la recherche d’un équilibre. Il aura également permis d’envisager la figure d’Hamlet en funambule et en chercheur-créateur. L’essai offre un regard intime sur les processus de traduction, d’adaptation et de transposition d’une figure, d’un geste impossible et d’une parole canonique ayant pour caractéristique de mettre en scène le doute et la valse-hésitation devant la prise de risque rédemptrice.

EN :

This self-reflective article probes the creative process of Hamlet sur le fil, a short performance piece straddling theatre, contemporary circus and sound installation. Adapting the Western canon’s iconic play for a contemporary circus context revealed to the author what a fine line he would be walking in negotiating multiple artistic roles and the very notion of writing and authorship given that text, textuality and texture are here embodied in physical prowess. This ontological blurring of boundaries allowed the creation of a hybrid piece drawing from acrobatic disequilibrium and the intellectual acrobatics of the canonical soliloquy which strives for balance. The figure of a tightrope-walking Hamlet as a researcher-creator emerges. The article offers an intimate reading of the artistic process involving the translation, adaptation, and transposition of an archetype. Hamlet’s doubts and hesitations embodied on the tight wire suggest he might finally be ready for his redemptive risk-taking.

FR :

Cet article analyse Alexis. Una tragedia greca, le spectacle de la compagnie italienne Motus présenté à Montréal dans le cadre du Festival TransAmériques (FTA) en juin 2012. La réflexion est concentrée sur l’opération métathéâtrale et documentaire proposée par Motus à travers son utilisation du montage, de la citation et du geste. Le spectacle est ici situé en comparaison avec les Antigone de Bertolt Brecht et du Living Theatre, et considéré dans le rapport qu’il instaure avec le contexte politique et culturel particulier du Québec.

EN :

This article analyzes Alexis. Una tragedia greca, the play by the Italian company Motus presented in Montreal as part of the Festival TransAmériques (FTA) in June 2012. The reflection is focused on the metatheatrical and documentary operation proposed by Motus through its use of montage, of quotation and gesture. The play is considered in comparison with the Antigone by Bertolt Brecht and by the Living Theatre, and in relation to the contact it establishes with the particular political and cultural context of Quebec.

FR :

Quel rôle le critique peut-il avoir vis-à-vis des nouveaux langages de la scène théâtrale contemporaine? Comment le critique peut-il aborder, par l’écriture, des spectacles comme ceux de Romeo Castellucci où le langage scénique proposé échappe à la technè théâtrale traditionnelle? Cet article propose d’analyser la figure et le rôle du critique-spectateur face à l’un des artistes les plus controversés. Pour ce faire, nous nous sommes intéressée en particulier à la façon dont la critique des quotidiens et des hebdomadaires français dans les années 2011-2013 a pris en charge les trois spectacles qui constituent la trilogie Le voile noir du pasteur : Sur le concept du visage du fils de Dieu (2010), Le voile noir du pasteur (2011) et The Four Seasons Restaurant (2012). Dans notre cas d’étude, le critique s’est avéré être un témoin de l’événement théâtral sans outils d’analyse aptes à traduire le langage scénique de Castellucci.

EN :

Which role can the critic play towards the new languages of the contemporary theatrical scene? How does the critic face, throughout writing, plays such as Romeo Castellucci’s ones, in which the proposed scenic language does not mirror the traditional theatrical technique? In the following paper, I analyze the figure of the critic-viewer faced with one of the most controversial and discussed artist of the contemporary scene, Castellucci. To do this, I was particularly interested in how the criticism of French daily and weekly newspapers in the years 2011-2013 dealt with the trilogy Le voile noir du pasteur : Sur le concept du visage du fils de Dieu (2010), Le voile noir du pasteur (2011) and The Four Seasons Restaurant (2012). In this case study, the critic has proven to be a witness of the theatrical tale yet lacking the appropriate analysis tools in order to translate Castellucci’s scenic language.

FR :

Revenant sur le chantier féministe du Théâtre Espace Go qui s’est tenu en avril 2019, l’autrice réfléchit au travail artistique des femmes dans le milieu théâtral, en prenant comme point focal les notions d’événement et de quotidienneté telles que théorisées par les philosophes Françoise Collin et Hannah Arendt. Elle soutient que la semaine de conférences et de midi-causeries aurait peut-être dû s’inspirer davantage des situations d’inégalité et d’oppression vécues par les femmes du milieu théâtral, ce quotidien où il se vit des choses, plutôt que de les effacer derrière l’événement, c’est-à-dire la monstration de ce qui est déjà là, acquis. En conclusion, l’autrice soutient que le chantier féministe du Théâtre Espace Go doit être le point de départ vers une discussion plus large sur de nouvelles façons de travailler ou, à tout le moins, de nouvelles façons de reconnaître le travail que représente la création artistique des femmes.

EN :

Reflecting onto Théâtre Espace Go’s “Chantier féministe”, which took place in April 2019, the author examines women’s artistic work in the theater field, considering the notions of event and everyday life, as theorized by the philosophers Françoise Collin and Hannah Arendt, as a focal point. She contends that the week-long occurrence of lectures and lunch talks may have been more inspired by situations of inequality and oppression experienced by women of the field, this daily life where things are experienced, rather than erasing them behind the event, that is to say the showing of what is already there, acquired. In conclusion, the author argues that the Espace Go’s “Chantier féministe” must be the starting point for a broader discussion of new ways of working or at least new ways to recognize the work and artistic creation of women.