FR :

Cet essai à caractère ethnographique a pour objet l’analyse rétrospective d’une recherche menée en 2016. Il suit la trajectoire de deux formatrices engagées dans un processus de création en art dramatique auprès de deux groupes dont l’un est issu du milieu communautaire et l’autre, du milieu universitaire. Cette nouvelle analyse, réalisée à partir de journaux de bord, de notes de terrain et d’entretiens, a permis de faire émerger les apprentissages des formatrices et de les considérer à la lumière de ceux qu’ont acquis les participant·es. Dans cette mise en écho des différentes expériences, quatre catégories ont été dégagées, autant de conditions pour que puissent advenir des relations et des situations d’apprentissage dynamiques : l’esprit d’ouverture des formatrices, l’engagement des participant·es, la collaboration / coopération et la prise de risque de tous et de toutes.

EN :

This ethnographic essay forms a retrospective analysis of a study from 2016. It follows the creative process of two teachers in the dramatic arts as they work with two specific groups: (1) adults taking part in a community project, and (2) university students. This new analysis, based on field notes and interviews, highlights the teachers’ learnings and considers them in light of the participants’. In this comparison of different experiences, four categories of conditions for dynamic and relational learning are identified: the teachers’ openness, the participants’ commitment, the collaborative mindset of both, as well as an overall receptiveness toward risk-taking.

FR :

Cet article vise à faire la synthèse des approches privilégiées par le personnel enseignant pour favoriser la création théâtrale d’élèves du secondaire en considérant les modèles référentiels qui les sous-tendent. Dans ce contexte de formation, il y a lieu de se demander quelles sont les approches qui encouragent, à l’adolescence, un sens d’ouverture à la création théâtrale ainsi qu’une motivation et un engagement incitant à la persévérance malgré les défis à relever. L’interprétation, qui découle de l’analyse de notes de mon journal de bord, reflète le prisme de diverses approches et confirme l’importance qu’a le personnel enseignant en situation de création dans un contexte éducatif.

EN :

This article aims to synthesize, in light of their underlying reference models, the different approaches used by teachers to encourage theatrical creation by secondary school students. In this teaching context, it is worth asking what approaches will foster, in adolescents, a sense of openness to theatrical creation, as well as a motivation and a commitment to persevere despite the challenges which are faced. Our analysis and interpretation of research journal entries reflects various approaches and highlights the importance of the role of the teacher in fostering creativity in an educational context.

FR :

Les résultats de recherche présentés dans cet article concernent la première phase d’un processus de création. Ils sont issus d’une démarche de théorisation empirique et inductive (la « grounded theory » de Glaser et Strauss, 1967; Strauss et Corbin, 1998). Ils proviennent de l’analyse de différentes collectes de données recueillies entre 2008 et 2015 auprès de personnes ayant participé à divers projets de création (comme élève, interprète, responsable de la mise en scène ou de la formation en art dramatique). Ces résultats soulèvent des dimensions implicites qui semblent avoir une incidence sur tout le processus : l’expérience ludique et symbolique. Les prendre en compte favoriserait une convergence des propositions de chaque personne impliquée. Dans cette première phase, les ajustements continuels entre chacun·e dépendent de la conscience de soi et du rapport de soi à l’autre. Ils cautionnent la potentielle fécondité du projet.

EN :

The research presented in this paper concerns the first phase of the creative process, and follows from an empirical and inductive theorization (« Grounded Theory », Glaser et Strauss, 1967; Strauss et Corbin, 1998). Resulting from analyses of different data sets which were collected between 2008 and 2015 involving subjects from various creative projects (creators, directors or drama teachers), the findings reveal certain implicit dimensions of the creative process: the ludic and symbolic aspects of experience. Understanding these dimensions seem to enable a convergence of each of the subjects’ proposed adjustments. In this first phase of the creative process, continuous adjustments depend on self-awareness as well as on an awareness of the other. This convergence allows for the fruitfulness of the project.

FR :

Cet article expose la force du langage en contexte artistique et pédagogique. Les composantes de la compétence linguistique sont d’abord exposées à la lumière des travaux de Charles Taylor et de Paul Ricoeur, pour ensuite servir d’assise à mon étude sur le langage des metteur·euses en scène en contexte de création théâtrale, étude qui vient également éclairer les enjeux relatifs à la compétence linguistique des enseignant·es en classe de théâtre. Mes expérimentations sont mises à partie; elles démontrent comment le littéraire constitue un outil didactique précieux pour le développement de l’imaginaire, les jeux autour du langage créant des contrastes, des décalages et des effets de surprise qui éveillent la créativité.

EN :

This article discusses the power of language in artistic and pedagogical contexts. Based on the work of Charles Taylor and Paul Ricoeur, the components of language proficiency are first exposed. This is followed by analyses of the language used by the director in the context of theatrical creation, which shed light on issues related to the language proficiency of teachers in theater classrooms. Personal experiments are also be presented which demonstrate how literature is a valuable didactic tool for the development of the imagination, in view of the fact that literary games create contrasts, shifts in perspective and surprise effects that awaken creativity.

FR :

Cet article porte sur les stratégies et les approches axées sur le travail corporel privilégiées par cinq professeur·es (Francine Alepin, Martine Beaulne, Pascal Belleau, Huy Phong Doan et Mélanie Demers) dans le cadre de différents cours de voix, d’interprétation et de mouvement offerts à l’École supérieure de théâtre (ÉST) de l’Université du Québec à Montréal (UQAM). En m’appuyant sur la théorie de l’activité (Engeström, 2000), je tisse des liens entre les diverses composantes (sujet, objet, communauté, règles, division du travail, outils, finalité) associées à ces contextes de cours et j’approfondis leur finalité commune d’autorégulation vis-à-vis du travail du corps, un corps à la fois charnel, performant, personnifiant et en relation avec d’autres.

EN :

This article examines various strategies and approaches of corporeal training experiences favoured by five professors (Francine Alepin, Martine Beaulne, Pascal Belleau, Huy Phong Doan and Mélanie Demers) in different voice, acting, and movement courses within a professional actor training program. Drawing on Activity theory (Engeström, 2000), we establish connections among multiple components associated with these courses (subject, object, community, rules, division of labour, instruments, outcomes) and further deepen their shared outcome of self-regulation in relation to the actor’s body (which is at once physical flesh, performer, character and relational body).

FR :

La crise sanitaire liée à la COVID-19, et le confinement qui en découle, a sommé les artistes de la scène de se réinventer, de faire preuve de créativité et de résilience, avec ce que ces mots induisent de pression pour contourner les impacts majeurs agissant sur le quotidien de leur pratique. Il·elles devaient faire volte-face, souvent sans le soutien nécessaire et dans l’urgence de saisir ce présent trouble. En passant par une réflexion sur ce qui persiste de vivant dans les arts lorsque les corps en présence sont cachés derrière leur écran, ce parcours critique retrace mon expérience de spectatrice des Monologues intérieurs, une initiative créée par Éric Noël en plein coeur de la crise et appuyée par le Centre des auteurs dramatiques du Québec (CEAD). Je propose une traversée sensible qui résonne avec le dehors et qui questionne l’irruption du réel dans les performances, les limites et les possibles de la réception altérée par la distance, les privilèges qui nous permettaient d’assister aux directs deux soirs par semaine. Ces lectures, où les textes déclamés étaient réinterprétés sous le prisme de la vie actuelle, nous conviaient à d’« autres modes d’attention » (Despret, 2019) et à d’autres manières de partager l’ici et le maintenant propres aux arts vivants.

EN :

The health crisis related to COVID-19, and the resulting lockdown, has challenged performing artists to still be creative and resilient. They had to reinvent themselves quickly, often without the necessary support, and in the urgency of grasping this troubled present. Through a reflection on what remains alive in performing arts when the bodies in presence are hidden behind their screens, this critical journey retraces my experience as a spectator of Les Monologues intérieurs, an initiative created by Éric Noël in the midst of the crisis and supported by the Centre des auteurs dramatiques du Québec (CEAD). I offer an essay that resonates with the outside world and questions the irruption of reality in those live performances, the limits and possibilities of reception altered by distance, and the privileges that allowed us to attend the online event two nights a week. These readings, in which declaimed texts were reinterpreted through the prism of current life, invited us to “other modes of attention” (Despret, 2019) and other ways of sharing a here and now specific to the performing arts.