Volume 36, numéro 1, 2011

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Pour la philosophe française Éliane Escoubas, l’« outrenoir » que l’artiste français Pierre Soulages a créé depuis 1979 démontre la « présence de la peinture en peinture. » Si la peinture outrenoire résulte d’un processus illustrant parfaitement la matérialité qui a fortement marqué une grande partie de l’art européen d’après-guerre, l’élément le plus remarquable des travaux outrenoirs de Soulages réside dans le spectacle de la tension lumineuse induite par les stries inscrites dans le pigment épais de ces peintures. S’appuyant sur une lecture approfondie des tableaux outrenoirs de Soulages, ainsi que sur plusieurs commentaires critiques d’historiens de l’art, cet article avance l’idée que le regardeur, tour à tour confronté aux effacements et aux dévoilements de la matière pigmentaire sur la surface de la peintre outrenoire, vit ici une expérience sensorielle. En rendant présent ce qui est détenu dans les plis, le spectacle de la peinture outrenoire offre la présence de la matière en tant que voir.

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L’utilisation de l’écriture en tant que médium dans l’art contemporain doit beaucoup aux années 1960 et au mouvement conceptuel ainsi qu’à l’art du début du XX^ème siècle impliquant le langage écrit dans sa démarche. Néanmoins, les artistes contemporains recourent à ce médium par des voies sophistiquées qui divergent grandement du mouvement conceptuel en associant mots, idées et matériaux d’une manière qui aurait semblé contraire à de nombreux tenants de ce mouvement. Débarrassé de la rhétorique de dématérialisation chère à la critique des années 60, l’art contemporain s’empare du langage écrit en démontrant non seulement son potentiel à la fois conceptuel, visuel et matériel, mais aussi sa capacité critique autoréflexive. Dans cet essai, nous prenons l’acte de voir/écrire dans l’art conceptuel comme un point de départ pour explorer le travail fondé sur l’enquête et la recherche de l’artiste canadienne Janice Kerbel. Soulignant la façon dont les mots écrits de Kerbel entrent en dialogue avec leur forme visuelle, nous montrons dans le même temps que le contexte dans lequel une oeuvre de ce type est exposée modifie l’interprétation des mots et des codes visuels qu’ils invoquent. L’analyse se concentre plus particulièrement sur Remarkable (2007–10), une série d’affiches typographiques commandées à l’origine par le salon Frieze Art Fair à Londres, puis présentées à l’occasion d’une exposition individuelle de Kerbel à la Tate Britain en 2010.

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Cet article étudie les différentes façons dont la lecture, la visualisation et l’interprétation travaillent de pair dans la tradition manuscrite de Reggimento e costumi di donna, un précis de bonne conduite rédigé par Francesco da Barberino à l’intention des femmes. Le public de la fin du Moyen-Âge était capable de naviguer entre des images verbales et visuelles du bon et du mauvais comportement selon une expérience corporelle de la lecture, alors que les lecteurs éprouvaient leur adhésion aux objectifs moraux prônés par la pensée chrétienne. Ce texte pouvait s’adresser à des hommes, des femmes et des enfants se trouvant dans un contexte familial. Le livre se termine par l’invocation d’un splendide joyau qui fonctionne comme un puissant procédé mnémotechnique destiné à aider le lecteur à se souvenir du texte et à activer le message dans son esprit.

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This article considers the possible influences of the physiognomic studies on the Romantic portrait, using as paradigms Géricault’s Portraits de Monomanes. Painted during the period of the very beginning of French psychiatry, at a time when this new discipline began to recognize the presence of the subject in the madman, these works question the dialogue engaged between art and psychiatry, between insanity and reason, between the visibility and invisibility of madness on human features. In considering this crossed gaze on the insane thus engendered, this article delves specifically into two facets of this duality. First, it examines the development of medico-legal psychiatry, in favour of which the alienist Jean-Étienne Georget—presumed owner of the Monomanes—had actively worked in an effort to impose his discipline as the only one able to recognize the invisible marks of mental illness. Second, it considers a series of works commissioned by the alienist Jean-Étienne-Dominique Esquirol from two artists: Georges-François-Marie Gabriel and Ambroise Tardieu. It is argued that these works, as for Géricault’s Monomanes, individualize the insane in the early nineteenth century and acquire a characteristic specific to the genre of portraiture: recognition and commemoration of a subject.

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Cet article examine comment Jean-Baptiste-Siméon Chardin a tiré profit du Salon du Louvre ainsi que des gravures de reproduction et des critiques d’art que cet événement périodique suscitait pour démontrer l’originalité de son oeuvre. Dans un premier temps, nous replaçons dans leur contexte la coordination et l’exposition de ses répliques autographes et de ses estampes de reproduction en soutenant l’idée que le peintre y recourait pour attirer l’attention sur la présence et la disponibilité continues de sa production en Europe sous forme de répétitions originales. Ensuite, nous analysons leur réception en avançant l’hypothèse que le fait d’exposer ses oeuvres reproduites mettait en évidence sa capacité unique à se copier lui-même. Enfin, nous examinons les propriétés formelles des gravures réalisées d’après Chardin en relation avec l’accueil qui leur était fait pour postuler que leur réception se fondait davantage sur leur syntaxe visuelle interne que sur les qualités formelles absolues de ses peintures, ce qui confirmait paradoxalement leur capacité à véhiculer l’originalité de Chardin. En conclusion, l’examen de la pratique de Chardin nous conduit à émettre l’hypothèse que la manière dont les médias imprimés reproduisent, documentent et commentent les oeuvres d’art est à l’origine de l’esthétique moderne, avec sa tendance à mettre en avant le caractère unique de la « main » de l’artiste, l’originalité et l’authenticité de l’objet d’art ainsi que la formation du jugement esthétique par consensus.