Volume 12, numéro 1-2, juin 2011 Musique de Gilles Tremblay / Opéra et pédagogie

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Cette étude présente le système des « débuts » à l’Opéra de Paris pendant la monarchie de Juillet, des premières auditions aux premières représentations, et s’intéresse en particulier aux expériences des débutantes. En France, au XIX^e siècle, les courants de pensée sexistes influençaient le jugement du public et des critiques; en effet, les artistes étaient jugés différemment selon leur sexe. Les nouvelles chanteuses subissaient des pressions pour se conformer à l’image idéale de la débutante transmise par les anecdotes, les romans et même la critique musicale. L’objectif de cet article est d’étudier les efforts ainsi que les ambitions des chanteuses qui se sont essayées à des carrières professionnelles à l’Opéra, bravant ainsi les difficultés de l’époque. La première partie décrit les débuts; la deuxième partie s’intéresse à la perception des débutantes proposée par la presse; et enfin, la troisième partie se concentre sur les débuts de deux jeunes artistes, Cornélie Falcon et Noémie de Roissy.

EN :

In this study, the author discusses the phenomenon of the “début” at the Opéra de Paris during the July Monarchy, from preliminary auditions to opening performances, with a particular focus on the experience of debutantes. In nineteenth-century France, sexism influenced the public and critical appraisal of musical performances; it is clear that artists where judged differently on the basis of their sex. Female singers at the outset of their careers were under considerable pressure to conform to an image of the ideal debutante fostered through anecdotes, novels, and even music criticism. The aim of this study is to examine the personal efforts and the ambition of these singers in their attempts to lead professional careers at the Opéra and to circumvent problems generated by sexism during the period under discussion. In the first part, the début is described; the second part deals with the perception of debutantes conveyed in the press; finally, the third part focuses on the débuts of two young artists, Cornélie Falcon and Noémie de Roissy.

FR :

Le 27 juillet 1967, le ministre des Affaires culturelles du Québec annonce la création future d’un théâtre d’État voué en tout ou en partie au théâtre lyrique. Un comité d’étude présidé par le ténor Léopold Simoneau devra en étudier la faisabilité. Des facteurs déterminants inspirent la démarche ministérielle, soit la représentation discursive de la question de l’opéra au Québec et la montée d’un nouvel interventionnisme d’État. Le rapport Simoneau recommande la création de l’Opéra national du Québec, sous le contrôle et l’égide de l’État. Le gouvernement allait renforcer ainsi son double rôle d’État-mécène et d’État-architecte. Cependant, c’est un nouveau ministre qui lancera l’Opéra du Québec en 1971, lequel ne sera pas un théâtre national, mais un organisme autonome et sans but lucratif. En 1975, le gouvernement suspendra les activités de la compagnie pour des raisons administratives et financières. L’avenir de l’opéra au Québec se trouvait de nouveau dans l’impasse.

EN :

On July 27 1967, the Quebec Ministry of Culture announced the project of a state-run theatre devoted in whole or in part to lyric theatre repertoire. A special commission, led by Quebec-born tenor Léopold Simoneau, received the mandate to study the feasibility of such a project. To a great extent, the prevailing discourse on the importance of opera in Quebec, combined with increasing state interventionism, determined government strategy. Simoneau’s report recommended the creation of a Quebec national opera company, the Opéra national du Québec, to be placed under state patronage and control. The government was determined, at that point, to reinforce its double role as cultural patron and state builder. In 1971, however, a new Minister of Culture launched the Opéra du Québec, by now transformed into an independent, not-for-profit company rather than a national theatre. Four years later in 1975, the Quebec government finally dismantled the fledgling company for administrative and financial reasons, and the future of opera in Quebec was once again at an impasse.

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La personnalité artistique de Tremblay se définit autour d’un seul axe, la spiritualité/le sacré, autour duquel se développe sa conception de la nature (et par ricochet sa conception de la forme, du son et du silence). L’oeuvre musicale et le discours s’imbriquent de manière cohérente dans une seule et unique figure centrale : Gilles Tremblay est un artiste croyant qui conçoit l’acte de composition comme un prolongement de la Création. Pour mieux comprendre ce cheminement esthétique et spirituel, cet article propose une analyse des textes publiés par le compositeur en abordant deux aspects de sa pensée : la spiritualité et la nature.

EN :

Tremblay’s artistic personality revolves around a single axis of spirituality and sacredness, which also defines his conception of nature and consequently, of forms, sound, and silence in his musical works. These works and the composer’s written discourse are combined in the unique and central figure of an artist of faith who conceives of the act of composing as an extension of divine Creation. This study is an attempt to better understand Tremblay’s aesthetic and spiritual process through an analysis of his published writings on spirituality and nature.

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Lors de cet entretien, Walter Boudreau rappelle son apprentissage de la direction avec le chef d’orchestre Serge Garant et explique les mécanismes et les défis rencontrés lors de la direction des oeuvres de Gilles Tremblay, particulièrement dans les sections aléatoires. Il termine par la présentation de son propre cycle, Berliner Momente, dont l’intégrale sera créée en 2012 avec l’Orchestre national de Montpellier pour le festival de Radio-France et de Montpellier.

EN :

Walter Boudreau recalls, in interview form, his training with conductor Serge Garant. He discusses the mechanisms and the challenges of conducting works by Gilles Tremblay, particularly the aleatory sections of these works. He ends with a description of his own cycle, Berliner Momente; a premiere of the complete work is scheduled for 2012 by the Orchestre national de Montpellier in the context of Montpellier’s Radio-France Festival.

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Sous forme d’entrevue, la compositrice se remémore les moments importants des cours d’analyse de Gilles Tremblay, plus particulièrement sa manière d’aborder le rapport de la poésie et de la musique, ainsi que son souci du traitement vocal, une approche qui se démarque par son caractère instinctif et sa vision organique des oeuvres. La compositrice parle également de sa propre approche de la poésie et présente quelques-uns de ses projets.

EN :

In this interview, the composer revisits important moments in Gilles Tremblay’s Analysis courses, in particular his approach to poetry and music and the special attention he gave to part writing. Tremblay’s approach was remarkable for its instinctive character and holistic vision of musical works under study in these courses. Panneton also describes her own approach to poetry and discusses some of her works in progress.

FR :

La pièce pour orchestre Fleuves de Gilles Tremblay, commandée par l’Orchestre symphonique de Montréal (OSM), provoqua une polémique dans le milieu musical québécois à la fin des années 1970. À l’aide des commentaires recueillis dans les journaux francophones et anglophones de l’époque, cet article relate l’historique de la commande jusqu’à la première, le 3 mai 1977.

EN :

Gilles Tremblay’s orchestral work Fleuves, commissioned by the Montreal Symphony Orchestra (MSO), touched off considerable controversy in the world of art music in Quebec toward the end of the 1970s. This study examines the thread of commentaries published in contemporary Francophone and Anglophone presses, creating a narrative of the work’s evolution from commission to premiere on May 3rd, 1977.

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Cet article propose une analyse herméneutique d’une des oeuvres religieuses les plus achevées de Gilles Tremblay, Les Vêpres de la Vierge, écrite en 1986. Sous forme d’essai, l’auteur pose une réflexion sur l’articulation entre les écrits du compositeur et son oeuvre, et explique la manière par laquelle le compositeur transporte les prototypes du chant grégorien dans son propre univers par un enchaînement tout naturel des procédés propres au XX^e siècle avec ceux de l’antique plain-chant, énoncé dans une forme épurée. L’auteur conclut que, dans cette oeuvre, tout se joue dans le processus de jointure et de maintien de la mémoire globale de ce qui a été entendu.

EN :

In this article, the author discusses hermeneutics in of one of Gilles Tremblay’s most involved religious works, Les Vêpres de la Vierge, composed in 1986. In essay form, he examines the boundaries between Tremblay’s writings and the musical work itself, and the ways in which the composer imports Gregorian chant prototypes into his own musical universe through a natural sequence of interacting twentieth-century and ancient Plainchant processes, which then surface in a distilled and purified form. The author concludes that, in this work, the act of maintaining and building on a global memory of what has been heard is at the heart of the compositional process.

FR :

L’auteur explore, en tant qu’interprète, quelques-uns des aspects de la musique vocale de Gilles Tremblay en s’attachant exclusivement à l’étude de la morphologie de son écriture lyrique ainsi qu’aux habiletés qu’elle exige. Le travail sur la voix suit deux voies parallèles se nourrissant l’une l’autre : la nature organique de la voix et ses capacités instrumentales. Là se trouve l’enjeu de toute technique vocale. Tremblay se réclame d’un bel canto inclusif tirant autant profit de la nature profondément verbale de la voix que de ses extraordinaires capacités « instrumentales ».

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From the perspective of a performer, the author discusses certain features of Gilles Tremblay’s vocal works, with particular emphasis on the shape of his lyric output and the performance abilities it demands. Vocal training follows parallel paths of mutual inspiration: the development of the organic voice itself and that of its instrumental capabilities. All vocal technique revolves around this process. The author concludes that Tremblay adheres to an all-encompassing bel canto approach that draws equally from the voice’s natural qualities and from its remarkable potential as an instrument.

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L’auteur explore une dimension moins connue de Gilles Tremblay : son engagement citoyen. S’inspirant des écrits du compositeur, il analyse ses positions sur le rôle et l’importance dans la société québécoise d’une école d’État (le Conservatoire), d’une radio d’État et de sa dimension culturelle, ainsi que des commandes d’État et de leur influence sur la création musicale. Par ses interventions dans le débat public, l’auteur démontre comment Gilles Tremblay a agi en citoyen et a enrichi la réflexion sur le devenir musical du Québec.

EN :

The author discusses a lesser-known aspect of Gilles Tremblay’s life and career: the composer’s commitment to citizenship. Through a reading of Tremblay’s published writings, he analyses the latter’s position on the value and importance, for Quebec society, of a state-run music school (the Conservatoire), of a state-run radio and its inherent cultural significance, and of commissions of musical works that emanate from government and their impact on musical creation. The author also demonstrates the ways in which Gilles Tremblay enriched deliberations over Quebec’s musical future through his contributions to the public debate on the issue.

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Cette étude exploratoire porte sur l’apprentissage mnémonique de partitions de piano à l’aide de repères microstructuraux. Ce type de repères s’acquiert en prenant conscience de différentes micro-informations, tant sur le plan de la notation musicale que de sa réalisation instrumentale. Ils permettent d’identifier les singularités de la partition et de son jeu instrumental afin de mieux s’en souvenir. Deux objectifs sont poursuivis : 1. répertorier les divers types de microstructures utilisés par les pianistes pour mémoriser une partition ; 2. catégoriser les microstructures. Ensuite, ces repères font l’objet d’analyses de fréquence afin d’illustrer les préférences d’utilisation des pianistes ayant participé à l’étude. Les résultats obtenus ont permis d’observer que les pianistes ont utilisé sept types de repères microstructuraux pour mémoriser leur répertoire. Trois sont liés à la représentation de la notation musicale; deux sont responsables de la représentation de la réalisation instrumentale; puis les deux derniers favorisent la prise de conscience d’associations lors du travail mnémonique.

EN :

In this exploratory study, the author examines aspects of the mnemonic process in the pianist’s assimilation of works, in particular through the use of micro-structural markers. These can be identified by analyzing the pianist’s awareness of significant details in the information relating both to musical notation and to the instrumental realization of this notation. The markers allow us to focus on singular features in the score and in on their transfer to instrumental playing, thus maximizing memorization. There are two goals to this study: 1. to harvest the different types of micro-structural markers that pianists use to memorize a score for their instrument; 2. to categorize these micro-structural markers. Then, they will be analyzed to determine their frequency and to illustrate how pianists who participated in the study preferred to use them. Results demonstrate that pianists used seven distinct types of micro-structural markers to memorize their scores. Three are related to the representation of musical notation; two refer to instrumental representation of the score; two others maximize the awareness of associations that are made within the mnemonic process.

FR :

Cette étude visait à s’informer de quelle manière des professeurs de piano enseignant au pré-collégial décrivent des attitudes posturales qu’ils jugent saines d’enseigner à leurs élèves afin d’éviter qu’ils se blessent en jouant. Les réponses reçues ont été classifiées en fonction de leur possibilité à mener aux postures et aux positions saines expliquées dans la littérature scientifique. L’analyse qualitative effectuée à partir des données récoltées à l’aide d’un questionnaire (38 professeurs) a révélé que seulement 24 % des réponses obtenues avaient une forte probabilité de mener aux postures et aux positions jugées adéquates. Ces résultats sèment donc un doute réel sur l’aptitude des professeurs de piano à travailler efficacement, sur le plan postural, à la prévention de troubles musculosquelettiques liés à l’exécution musicale auprès de leurs élèves. D’autres recherches devront être menées afin d’infirmer ou de confirmer les résultats préliminaires obtenus par cette étude.

EN :

The goal of this study was to harvest information about the ways in which piano teachers formulate their own representations of healthy posture for their pre-college level students in order to prevent injury while playing. Results were categorized according to the likelihood that they would lead to the healthy posture and positioning described in the scientific literature. Qualitative analysis of this information, obtained through a questionnaire given out to thirty eight teachers, revealed that only twenty four percent of respondents described approaches that were likely to lead to the desired healthy posture and positioning. These results naturally cause concern about the aptitude of piano teachers to effectively help their pre-college level students to prevent muscular-skeletal pathologies directly related to playing their instrument. Further research is needed validate the preliminary results obtained through this study.