Volume 39, numéro 1, 2018

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This article offers a critical overview and rationale for why and to what ends Daniher put a comparative Asian North American method into practice in her classroom on Asian American Theatre and Performance Studies at Brown University in Spring 2016. In particular, Daniher focuses on pairing Ins Choi’s play-text Kim’s Convenience (2011) alongside a viewing of the made-for-PBS broadcast of Anna Deavere Smith’s Twilight: Los Angeles, 1992 (2001) in order to broach the topic of anti-Black racism in both Canada and the US in the Black Lives Matter moment . Although Daniher describes here a course and learning experience from within a US-American institutional setting, she directs the following emergent queries to the field of Canadian Theatre and Performance Studies in light of its recent inauguration of the new “sub-field” of Asian Canadian Theatre and Performance Studies: How should we frame Asian Canadian theatre and performance in the classroom? For what purpose and under what curricular conditions do we teach racialized “minority” repertoires of theatre and performance in Canada? Drawing on overlapping genealogies of Asian American and Asian Canadian Studies, Daniher contends that a more rigorous engagement with existing theories, methods, and critical analyses of racial power is urgently needed if Asian Canadian Theatre Studies hopes to coincide with the larger political-ethical stakes of “Asian Canadian studies projects” writ-large.

FR :

Dans cet article, Colleen Kim Daniher présente une justification critique de sa décision de mettre en pratique une méthode comparative axée sur un contenu asio-américain dans un cours sur les études du théâtre et de la performance asio-américains qu’elle a enseigné à l’Université Brown au printemps 2016. Daniher s’attarde notamment au jumelage d’une lecture de la pièce Kim’s Convenience d’Ins Choi (2011) avec le visionnement du téléfilm Twilight: Los Angeles, 1992 (2001), d’Anna Deavere Smith, diffusé sur les ondes de PBS, afin d’aborder le sujet du racisme envers les Noirs tant au Canada qu’aux États-Unis à l’avènement du mouvement Black Lives Matter. Le cours et l’expérience d’apprentissage que décrit Daniher ont eu lieu aux États-Unis, mais cette dernière tisse des liens entre ses pistes d’interrogation et le nouveau « sous-domaine » des études du théâtre et de la performance canado-asia-tiques. Comment devrait-on présenter le théâtre et la performance canado-asiatiques en salle de classe? À quelles fins et dans quels contextes pédagogiques enseigne-t-on les répertoires « minoritaires » racialisés du théâtre et de la performance au Canada? Sachant que les champs d’études asioaméricaines et canado-asiatique reposent sur des généalogies qui se recoupent, Daniher souligne que nous devons de toute urgence faire preuve d’un engagement plus ferme à l’endroit des théories, des méthodes et des analyses critiques du pouvoir racial si les études du théâtre canado-asiatique souhaitent un jour être en mesure d’aborder les enjeux politiques et éthiques importants des « projets d’études canado-asiatique » au sens large.

EN :

In this article, Hamel examines the question of reality and its double in the context of theatrical creation at the high school level. The play and its public performance are seen as reality’s double and the character, that of its creator. Both doubles are apprehended, idealized, contested, opposed, and desired, as well as referential and autoreferential. How does the double emerge from creative work, and how is it significant in students’ educational and artistic experiences as well as their journey as spectators? Hamel’s study was carried out in the context of her doctoral work and is based on a content analysis of three theatrical creations (texts, scenarios, characters, stagings, and performances) as well as a series of semi-structured interviews with six students (now 32 to 36 years old, 16 to 20 years after the fact). What deeper significance did this creative experience have for these students as they prepared to enter adulthood? Hamel concludes that these learning experiences can have effects on the students’ very existence.

FR :

Cet article traite de la question du « réel et son double » dans la création théâtrale au secondaire (2 e cycle); la pièce de théâtre et la représentation publique comme le double du réel et le personnage comme le double de son créateur, un double appréhendé, idéalisé, contesté, à l’opposé, désiré. Ce sont des signes à la fois référentiels et autoréférentiels. Comment la question du double se dégage-t-elle du travail de création et en quoi cela est-il significatif dans le cheminement de l’élève d’un point de vue éducatif, artistique ainsi que du point de vue du spectateur? Cette étude réalisée dans un contexte universitaire de 3 e cycle se fait à partir de l’analyse de contenu de trois créations théâtrales (textes, mises en situation, personnages, mise en scène et représentations) et d’une série d’entrevues semi-structurées avec six élèves devenus adultes (de 32 à 36 ans, soit de 16 à 20 ans après l’expérience vécue). Enfin, quel a été le sens profond de cette expérience de création théâtrale pour ces jeunes à l’aube de la vie adulte? Ultimement, il s’agit de comprendre que l’essence de cet apprentissage puisse se situer du côté de l’être, de l’existence même.

EN :

In this article, Jacobson examines the ways in which the Trinity Pageant in Trinity, Newfoundland, Canada aims to animate local culture through a two-hour walking tour around the town’s historic sites that is largely predicated on a sense of realness. Using interviews with audience members and the pageant’s director Donna Butt as primary source material, Jacobson considers the perception and function of realness in the pageant’s re-enactment. She first uses theories of site-specificity, historical re-enactment, and theatrical time to consider the various forms of the “real” at work in the production. Jacobson then suggests the work that might be accomplished by such affectively real performance, as both a marker and maker of real identity, supported by the theories of Elin Diamond and Erin Hurley. Using concepts from Rebecca Schneider and Tracy C. Davis, Jacobson also argues that the affective time created by the pageant’s blending of past history and present-day performance creates a future imperative in which audience members are compelled to save the authentic culture they have just witnessed. Finally, she considers the implicitly conservative preservationist impulse that underscores the pageant’s re-enactment to trouble notions of inclusion, belonging, and community.

FR :

Dans cette contribution, Kelsey Jacobson examine comment le Trinity Pageant, un spectacle présenté à Terre-Neuve, cherche à illustrer la culture locale au moyen d’une visite à pied de deux heures des lieux historiques du village de Trinity qui repose en grande partie sur un sentiment de réalité. En se servant comme source primaire d’entretiens menés avec des membres du public et la metteure en scène du spectacle, Donna Butt, Jacobson s’intéresse à la perception et à la fonction du réel dans la reconstitution que propose le spectacle Trinity Pageant. S’appuyant dans un premier temps sur des théories liées à la spécificité au lieu, à la reconstitution historique et au temps théâtral, Jacobson examine les diverses formes du « réel » qui sont à l’œuvre dans cette production. À l’aide de théories formulées par Elin Diamond et Erin Hurley, elle fait ensuite ressortir le travail que peut accomplir un spectacle reposant sur l’affect de la réalité pour marquer et créer l’identité réelle. Des concepts empruntés à Rebecca Schneider et Tracy C. Davis permettent à Jacobson de faire valoir que le temps affectif créé par le spectacle en fusionnant l’histoire du passé à la représentation dans l’instant présent crée un impératif futur où les membres du public sont appelés à sauvegarder la culture authentique dont ils viennent de témoigner. Pour conclure, Jacobson s’intéresse à la pulsion de conservation qui sous-tend implicitement ce spectacle de reconstitution pour troubler les notions d’inclusion, d’appartenance et de communauté.

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For young artists and their educators, the adoption of documentary theatre practices can be deeply appealing given their seemingly privileged capacity to truthfully represent the multi-faceted realities of contemporary life. The often ubiquitous impulse, however, toward straightforward, narrative representations may in fact betray the reality (felt and lived) that young people seek to earnestly convey. This article, drawing on three different examples of youth engagement with documentary and oral history theatre techniques in the cities of Toronto (Canada) and Tainan (Taiwan), explores how young theatre-makers find themselves wrestling with the ethics of unsettling and/or reinforcing the performance and reception of real stories in “the right way.” The authors conclude by advocating for an uncynical praxis of failure that resists well-intentioned, normative performances of past “truths” and makes instead disruptive and often messy space for socio-political, pedagogical, and aesthetic possibilities.

FR :

Aux yeux des jeunes artistes et de ceux qui les forment, l’adoption de pratiques documentaires en théâtre peut être très attrayante étant donné leur aptitude apparente à représenter fidèlement les réalités complexes de la vie contemporaine. Or, le reflexe souvent omniprésent d’offrir de franches représentations narratives peut dans les faits trahir la réalité (sentie et vécue) que les jeunes cherchent à transmettre. Dans cet article, Gallagher, Mealey et Jacobson partent de trois exemples d’expériences vécues par des jeunes à Toronto (Canada) et à Tainan (Taïwan) où, devant des techniques théâtrales relevant du documentaire et de l’histoire orale, les jeunes participants ont eu à lutter avec des questions morales liées à la décision de « bien » troubler ou renforcer la performance et la réception d’histoires vraies. Les auteurs terminent en préconisent une pratique non-cyclique de l’échec qui résiste aux représentations bien intentionnées mais normatives des « vérités » du passé et qui permet de créer un espace déstabilisant et souvent chaotique pour explorer des possibilités sociopolitiques, pédagogiques et esthétiques.