Volume 41, numéro 2, 2020 Special Issue on Performance For/By/With Young People in Canada Numéro spécial sur la performance pour/par/avec les jeune dans un contexte canadien Sous la direction de Sandra Chamberlain-Snider et Heather Fitzsimmons Frey

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This special issue examines the advocacy for and significance of discussing performance for/by/with young people in Canada. It asks how thinking about young people as audience members, creators, and co-creators can expose ideas about who they are, what they want, and what adults believe is good for them. The nineteen writers who contributed full-length articles and forum essays to this special issue demonstrate how attentive consideration to young people complicates creation ethics, aesthetic choices, affective impacts, content decisions, approaches to training, working conditions, and ideas about risk in connection to the performing arts. As the authors discuss how young people imagine, witness, train, and perform, they are simultaneously advocating for the young people they write about, for the specific issues that concern them, and for these perspectives to expand and invigorate broad conversations about Canadian performance for all ages.

FR :

Ce numéro thématique examine l’importance des échanges sur la performance pour/par/avec les jeunes dans un contexte canadien et les efforts de sensibilisation menés à ce sujet. On y explore comment le fait de considérer les jeunes comme membres du public, comme créateurs ou co-créateurs peut dévoiler des idées sur qui sont ces jeunes personnes, ce qu’elles veulent et ce que les adultes pensent être bon pour elles. Les dix-neuf auteurs ayant signé les articles et alimenté le forum de ce numéro montrent comment le fait de prêter attention aux jeunes personnes complique l’éthique de création, les choix esthétiques, les impacts affectifs, les décisions relatives au contenu, les approches à la formation, les conditions de travail et les idées sur le risque en lien aux arts de la scène. En écrivant sur la manière dont les jeunes imaginent, sont témoins, sont formés et jouent sur scène, les personnes qui alimentent ce numéro défendent en même temps les intérêts des personnes sur qui elles écrivent et les enjeux qui les préoccupent et demandent que ces aspects alimentent et dynamisent les conversations plus vastes sur les spectacles destinés à tous les publics au Canada.

EN :

This article introduces a multi-year, multi-site ethnographic study undertaken with 250 young people in drama classrooms in Canada, England, India, Greece, and Taiwan between 2014 and 2019. The experience and findings of that research then became the basis of an original documentary play, Towards Youth, co-produced by Project: Humanity and Crow’s Theatre in Toronto in February 2019. This article elaborates on the relationship built between the lead researcher and the embedded playwright on the project, accounting for their shared vision for the work, their aesthetic and ethical principles in research and playmaking, and finally their efforts to understand how the documentary play and its surrounding pedagogies were apprehended by audience members.

FR :

Cet article de Kathleen Gallagher et Andrew Kushnir présente une étude ethnographique effectuée de 2014 à 2019 auprès de 250 élèves dans des salles d’art dramatique au Canada, en Angleterre, en Inde, en Grèce et à Taïwan. L’expérience et les résultats de la recherche ont servi de base à la pièce Towards Youth, un projet de théâtre documentaire coproduit par les compagnies torontoises Project: Humanity et Crow’s Theatre en février 2019. Cet article fait état du lien qui s’est construit entre la chercheuse en chef et le dramaturge ayant participé au projet. Ces derniers font état de leur vision commune de l’oeuvre, de leurs principes esthétiques et éthiques en ce qui a trait à la recherche et à la dramaturgie, ainsi que des efforts qu’ils ont déployés pour tenter de comprendre comment leur auditoire a reçu la pièce documentaire et les pédagogies qui y étaient associées.

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How should theatre talk to children about migration and its politics, about death and separation, about arrival and new hopes? What tone—when speaking of violence and torture, injustice and political manipulation, losing one’s family and language, seeking safety and new friends—should the artists take on? Should this conversation be educational, protective, cautious, neutral, or entertaining? How should artists shape their work for children of different ages to help them respond to the scope and complexity of the topic? Estelle Savasta’s play Traversée (2011) provides some responses to these questions. It engages with the pedagogical and artistic traditions of making “emancipatory theatre for children,” and it allows the conversation about war and migration to take place. Director Milena Buziak’s 2016 staging of Traversée presents an example of Theatre for Young Audiences (TYA) that takes on the responsibility of making its spectators politically aware and emotionally engaged, specifically when it comes to their understanding of social injustice today. By engaging with the most urgent political issues related to global migration, this article provides an example of making theatre for children political.

FR :

Comment le théâtre doit-il parler aux enfants de politiques d’immigration, de la mort, de la séparation, de l’arrivée dans un nouveau pays et de nouveaux espoirs? Quel ton doivent adopter les artistes pour parler de violence et de torture, d’injustice, de manipulation politique, ou pour dire la perte de sa famille et de sa langue, la quête de sécurité et la recherche de nouveaux amis? Cette conversation doit-elle être pédagogique, protectrice, prudente, neutre ou divertissante? Comment les artistes doivent-ils façonner leur oeuvre destinée à de jeunes publics pour les aider à saisir des sujets si complexes? La pièce Traversée (2011) d’Estelle Savasta fournit quelques pistes de réponse à toutes ces questions. Elle tient compte des traditions pédagogiques et artistiques du « théâtre de l’émancipation pour enfants » et favorise une conversation sur la guerre et la migration. La mise en scène par Milena Buziak de cette pièce en 2016 est un exemple de théâtre pour jeunes publics qui assume la responsabilité de conscientiser son auditoire aux réalités politiques, notamment en ce qui concerne des injustices sociales contemporaines. En abordant des questions politiques urgentes liées à la migration mondiale, Yana Meerzon montre comment on peut faire du théâtre jeunesse un instrument politique.

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Although expressions of aging and old age differ across other identity categories, they most often yoke aging to notions of deterioration and loss. Young audiences are exposed to this narrative of decline through wide-ranging cultural references in advertising, cartoons, fairy tales, children’s books, and theatre. However, various forms of theatre can also reimagine age narratives in positive ways. In this article, Henderson uses close performance analysis, analysis of archival video, and an interview with Vancouver theatre artist Chris McGregor to examine the Vancouver-based TYA puppet plays The Little Old Man by Theatre Bagger Arts Society and Somebody Loves You, Mr. Hatch by Axis Theatre. Both plays share a number of age-related themes and establish nuanced, positive messages about aging, older age, and intergenerational relations. By drawing on Steve Tillis’s theory of puppetry and Anne Davis Basting’s depth model of aging, Henderson argues that puppets can be used to interrupt negative age stereotypes and hostile age-related narrative tropes, and encourage children to reimagine old age, aging, and relationships with older people in complex and hopeful ways. In the case of these two plays, Henderson contends that they interrupt age stereotypes by portraying children and older characters as having agency, foregrounding positive intergenerational relations, and reimagining decline. They do this, Henderson argues, through their themes, aesthetics and performance styles, and the embodied performances of the handlers in conjunction with their animation of the puppets.

FR :

Les expressions du vieillissement et de la vieillesse varient en fonction de plusieurs catégories identitaires, mais le plus souvent, elles sont rattachées à des notions de détérioration et de perte. Les jeunes sont exposés à ce récit du déclin par des références culturelles très variées qui figurent dans la publicité, les dessins animés, les contes de fée, les livres pour enfants et au théâtre. Or, diverses formes de théâtre peuvent réimaginer les récits liés au vieillissement de manière positive. Dans cet article, Julia Henderson présente une analyse détaillée des performances et des vidéos d’archive des pièces The Little Old Man de la compagnie Theatre Bagger Arts Society et Somebody Loves You, Mr. Hatch de la compagnie Axis Theatre, deux spectacles de marionnettes pour jeunes publics présentés à Vancouver, de même qu’un entretien avec l’artiste de théâtre Chris McGregor de Vancouver. Les deux pièces partagent un certain nombre de thèmes liés au vieillissement et transmettent des messages nuancés et positifs sur le vieillissement, la vieillesse et les relations intergénérationnelles. Prenant appui sur les écrits de Steve Tillis sur la marionnette et le modèle d’appui du vieillissement d’Anne Davis Basting, Henderson fait valoir que les marionnettes peuvent aider à mettre fin aux stéréotypes négatifs et aux tropes narratifs hostiles liés au vieillissement et peuvent encourager les enfants à imaginer autrement la vieillesse, le vieillissement et les relations avec les personnes âgées, pour en faire des concepts complexes et pleins d’espoir. En examinant les deux pièces à l’étude, Henderson soutient qu’elles rompent avec les stéréotypes liés au vieillissement en montrant des enfants et des personnages plus âgés qui sont investis d’une certaine puissance, en mettant de l’avant des relations intergénérationnelles positives et en imaginant autrement le déclin. Selon Henderson, les deux pièces y arrivent grâce aux thèmes abordés, à l’esthétique et au style de jeu employés, aux performances incarnées des marionnettistes et à la manière dont les marionnettes sont animées.

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For Indigenous youth in Canada, times are challenging, but the challenges youth face do not define the wholeness of their lived realities. This article focuses on applied theatre engagement, drawing on three youth participatory action research projects with Indigenous youth in three diverse contexts: in a school setting, in a youth offender jail, and with a community-based organization serving street-involved youth. It explores the significance of applied theatre approaches to research with Indigenous youth to avoid reproducing one-dimensional damage-centred narratives in favour of inspiring processes for survivance and resurgence. The discussion emphasizes the ways in which research can offer support for youth to become empowered and for others to see the youths’ wisdom and hope alongside the struggles that together shape their realities.

FR :

Pour les jeunes Autochtones du Canada, cette époque a son lot de défis qui ne définissent pas pour autant l’ensemble de leurs réalités. Dans cet article, Diane Conrad s’intéresse au versant pratique de l’engagement théâtral en examinant trois projets de recherche-action participative auxquels ont participé des jeunes Autochtones dans trois contextes différents : en milieu scolaire, dans une prison pour jeunes délinquants et chez un organisme communautaire au service des jeunes de la rue. Elle explore l’importance d’une approche axée sur le théâtre appliqué pour les recherches menées auprès de jeunes Autochtones, faisant valoir qu’elle évite de reproduire des récits unidimensionnels centrés sur les dommages et permet d’ouvrir sur des processus inspirants pour la survie et la résurgence. Conrad met l’accent sur les façons dont la recherche peut aider les jeunes à s’autonomiser et amener les autres à voir la sagesse et l’espoir des jeunes en parallèle avec les luttes qui façonnent leurs réalités.

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This series of first-person reflections by emerging artists meditates on the future of theatre and performance. Written collectively by a past artistic director and recent participants of the AMY (Artist Mentoring Youth) Project, a Toronto-based arts organization providing free and accessible mentorship and creative opportunities to youth, the article offers specific visions from each contributor: how marginalized artists will disrupt systems of oppression to become part of the mainstream; that any possible future will need to draw from our past, pre-capitalism relationships to performance; and how community-centred approaches to performance will enable the professional sector to become meaningfully equitable.

FR :

Cette série de réflexions sur l’avenir du théâtre et de la performance est constituée de textes à la première personne écrits par une ancienne directrice artistique du projet AMY (Artist Mentoring Youth), un organisme artistique basé à Toronto qui offre gratuitement aux jeunes des services de mentorat et des activités créatives, et par trois artistes émergentes ayant participé au programme récemment. Chacune s’exprime sur une série de sujets : comment les artistes marginalisés réussissent à perturber les systèmes d’oppression pour se joindre au courant dominant; le fait qu’il faudra revenir sur notre rapport à la performance d’avant l’ère du capitalisme pour aller de l’avant; et comment une approche de la performance centrée sur la communauté permettra au secteur professionnel de devenir réellement équitable.

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“Coming of age” narratives in multicultural Canada often construct an ideal that is not attainable for many Black, Indigenous, and young people of colour growing up in the country. Often times, experiences of racialized young people are dismissed and cast aside. This article explores how Anita Majumdar’s The Fish Eyes Trilogy acts as a tactic of resistance to this reality. Tactics of resistance as argued by feminist media scholar Yasmin Jiwani help us to imagine different ways of seeing the world that is often presented to us. As a tactic of resistance, The Fish Eyes Trilogy uses parody, disrupts homogeneity of South Asian experiences in Canada, and reverses the dominant white gaze. This three-part play offers a curious site for reimagining how we can expand and critique discussions of race with young people in Canadian theatre.

FR :

Dans le contexte multiculturel du Canada, les récits sur le passage à l’âge adulte servent souvent à construire un idéal qui, pour bien des jeunes personnes autochtones, noires et de couleur qui y grandissent, reste inatteignable. Or, il arrive souvent que les expériences des jeunes personnes racisées soient écartées. Dans cet article, Alysha Bains explore comment les trois récits formant The Fish Eyes Trilogy d’Anita Majumdar servent de stratégie de résistance à cette réalité. Comme le fait valoir Yasmin Jiwani, spécialiste féministe des médias, les stratégies de résistance nous aident à imaginer de nouvelles façons de voir le monde tel qu’il nous est souvent présenté. Pour y résister, The Fish Eyes Trilogy emploie la parodie, brouille l’homogénéité des expériences sud-asiatiques au Canada, retourne le regard blanc qui domine. La pièce en trois parties est un lieu curieux à partir duquel on peut réimaginer comment élargir et critiquer les discussions avec les jeunes au sujet de la race dans le contexte du théâtre canadien.

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Still/Falling (2016) is a play for young audiences, written by Rachel Aberle, and produced by Green Thumb Theatre in Vancouver. This forum article critically examines the play’s role in local high-school curriculum through the lens of three topics: pedagogy, staging, and terminology. In particular, the article argues that a number of elements—including questions posed to students in the play’s study guide, symbols chosen to represent mental illness in the play, and mental health discourse surrounding the production—work against Green Thumb’s mandate to challenge stigma around mental illness. To combat stereotypes, a greater sense of ambiguity and complexity in these three areas is called for.

FR :

Still/Falling (2016) est une pièce jeune public écrite par Rachel Aberle et produite par la compagnie Green Thumb Theatre de Vancouver. Dans cette contribution au forum, Matthew Tomkinson propose un examen critique du rôle de la pièce au sein du curriculum d’une école secondaire en s’attardant à trois aspects : les défis d’ordre pédagogique, la représentation sur scène et la terminologie employée. Tomkison fait valoir qu’un certain nombre d’éléments — des questions qui figurent dans le guide pédagogique, des symboles employés pour représenter la maladie mentale dans la pièce, le métadiscours sur la santé mentale — vont à l’encontre de la mission de Green Thumb, qui est de lutter contre la stigmatisation des maladies mentales. Selon lui, il faudrait mieux nuancer et développer le propos afin de combattre les stéréotypes.

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La médiation culturelle est une intervention souvent proposée en complément de la sortie au théâtre pour le jeune public, particulièrement pour le public scolaire. Elle permet aux jeunes d’agir comme créateur ou interprète pour mieux s’approprier le spectacle, y réagir et y réfléchir. La médiation culturelle vécue par les élèves autour des spectacles vus permet aussi aux enseignants de réfléchir sur leur pratique, d’adopter de nouvelles pratiques pédagogiques en classe et de développer leur rôle de passeur culturel.

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Cultural mediation is often offered to young audiences as a complement to a trip to the theatre, particularly in a school setting. Such interventions allow young audience members to act as creators or performers in order to better understand the show, to react to it and to reflect on its messages. Such experiences also enable teachers to reflect on their practice, adopt new pedagogical practices, and develop their role as cultural intermediaries.

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This conversation explores the development and premiere production of Songs My Mother Never Sung Me, an American Sign Language (ASL)/English chamber opera written and composed by Dave Clarke and produced by Concrete Theatre in Edmonton, Alberta. Staging an opera for Deaf and hearing family audiences required building meaningful connections to Edmonton’s Deaf community, both through engaging a Deaf cultural consultant and through a partnership with SOUND OFF, Canada’s Deaf theatre festival. Prioritizing ASL, Deaf audiences, and casting a Deaf actor in the role of Mom were significant.

FR :

Cette conversation entre Caroline Howarth, Mieko Ouchi et Kelsie Acton porte sur l’expérience de la création et de la mise en scène de Songs My Mother Never Sung Me, un opéra en langue des signes américaine (ASL) avec orchestre de chambre écrit et composé par Dave Clarke et produit par la compagnie Concrete Theatre d’Edmonton, en Alberta. Mettre en scène un opéra destiné à un public malentendant et à des personnes entendantes exige que l’on tisse des liens étroits avec la communauté malentendante d’Edmonton. À cette fin, l’équipe a recruté un conseiller malentendant et a forgé un partenariat avec SOUND OFF, le festival canadien de théâtre pour malentendants. Elle a aussi accordé une priorité à l’ASL et au public malentendant et a choisi une actrice malentendante pour jouer le rôle de la mère.

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Moving beyond current discourses of increasing self-confidence, reduction of social anxiety, disengagement, and risky behaviour as positive outcomes of participation in youth theatre training, this article identifies volunteerism, entrepreneurship, and generativity as beneficial outcomes to youth participation in the Loose Moose Theatre Company (LMTC) community in Calgary, Alberta. This article also discusses the increased benefits of learning that occur as compensation for time spent volunteering versus learning in exchange for a monetary fee. Examples of successful and notable LMTC alumni are included.

FR :

S’inscrivant au-delà des discours contemporains voulant que la participation au théâtre jeunesse aurait pour effet d’accroître la confiance en soi et réduire l’anxiété sociale, le désengagement et les comportements à risque, Claire Carolan fait valoir dans cet article que le bénévolat, l’esprit d’entreprise et le souci de pérennité ont été des retombées bénéfiques d’une participation par les jeunes à la communauté formée par la compagnie Loose Moose Theatre de Calgary. Carolan fait également valoir que les jeunes ont appris davantage en participant aux activités à titre de bénévoles que s’ils avaient suivi des cours payants. Elle cite en exemple des anciens de la compagnie qui se sont distingués.

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This article discusses the challenges of being a professional artist and parent working in the performing arts industry and the measures being taken to create increased accessibility in the sector. It opens with an anecdote by the author recounting moments of exclusion from professional opportunities due to caregiving responsibilities. The article goes on to outline global initiatives created to support artist caregivers in the performing arts and then points to various media responding to this issue. The article introduces the national initiative Balancing Act being developed by Theatre Direct, which aims to support artist caregivers in Canada and concludes with a personal reflection from the author, herself a professional artist, scholar, and mother.

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Dans cet article, Lisa Marie DiLiberto s’attarde aux défis qu’entraine le fait d’être un artiste professionnel et un parent qui travaille dans les arts de la scène et traite des mesures prises en vue d’améliorer les conditions d’accès à ce secteur. Le texte s’ouvre sur un témoignage au sujet d’instances où DiLiberto s’est fait refuser des occasions professionnelles en raison de ses responsabilités parentales. Elle décrit ensuite des initiatives mises sur pied à l’échelle mondiale pour soutenir les artistes-aidants dans les arts du spectacle et cite différentes réactions à cette question parues dans les médias. Elle présente enfin le projet « Balancing Act », une initiative nationale mise sur pied par Theatre Direct visant à appuyer les artistes-aidants au Canada, et termine avec une réflexion personnelle, livrée à titre d’artiste professionnelle, chercheuse et mère.

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The iCreate Cape Breton pilot project sought to cultivate intergenerational networks of community artists and practitioners, with the long-term goal of empowering youth who face challenging economic or environmental circumstances. The three-year project began with recruitment of youth through established community organizations, followed by an initial phase of multidisciplinary creative exploration, during which youth worked closely with Cape Breton University faculty, as well as elders from their own communities. Phase One culminated in a public showcase of youth-led artistic projects, including theatre, music, film, and visual art, centred around the theme of slow violence. During Phase Two, young artists worked more independently, creating one feature film and two short documentaries. While the second-phase partnership model illuminated challenges around power dynamics, responsibilities, and expectations, it was more effective than the first-phase mentorship model with respect to empowering youth as research partners and facilitating long-term resiliency and social transformation.

FR :

Le projet pilote iCreate Cape Breton cherchait à cultiver des réseaux intergénérationnels d’artistes et de praticiens dans la communauté et avait pour objectif à long terme d’autonomiser les jeunes confrontés à des circonstances économiques ou environnementales difficiles. D’une durée de trois ans, le projet a commencé par le recrutement des jeunes en passant par des organismes communautaires reconnus. Cette démarche a été suivie d’une première exploration créative et interdisciplinaire au cours de laquelle des jeunes ont travaillé de près avec des professeurs de l’Université du Cap Breton, de même qu’avec des aînés de leur communauté. Cette première étape s’est conclue par une vitrine publique de projets menés par des jeunes en théâtre, en musique, en cinéma et en arts visuels sur le thème de la violence lente. Au cours de la deuxième étape du projet, les jeunes artistes ont travaillé de manière plus autonome pour créer un long métrage et deux documentaires courts. Si le modèle de partenariat employé à la deuxième étape du projet a mis en lumière des défis liés aux dynamiques de pouvoir, aux responsabilités et aux attentes, il s’est avéré plus efficace que le modèle de mentorat employé à la première étape du projet en ce qui concerne la responsabilisation des jeunes partenaires de recherche et la promotion de la résilience et de la transformation sociale à long terme.

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This article reflects on the way that young people with LGBTQ2S+ parents engaged in the writing of an original song as a form of gender and sexual diversity education during an applied theatre research project. The creative work was self-revelatory, deeply personal, and created a powerful space for both self-exploration and youth-led advocacy. Participants believed that queer is to be celebrated, embraced, and owned. Not as a marginal identity that needs to be questioned and explained, but as an embodied site of emergence and becoming. The song that was written during this workshop celebrates unique family formations while also suggesting that everyone is different in their own way. In doing so, songwriting as affective practice engaged participants in a subversive and empowering reordering of their world. The emergence of new possibilities materialized by centring the stories of, by, and for youth participants as we navigated the tensions between authorship, aesthetics, and pedagogy.

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Dans cet article, Pamela Baer examine comment des jeunes ayant des parents LGBTQ2S+ se sont engagés dans l’écriture d’une chanson inédite lors d’une formation à la diversité des genres et des sexes offerte dans le cadre d’un projet de recherche en théâtre appliqué. Le processus s’est avéré révélateur et très personnel et a permis de créer un espace puissant pour l’exploration de soi et l’élaboration d’un effort de sensibilisation mené par les jeunes. Les participants à la formation étaient d’avis qu’il faut célébrer, accepter et assumer l’identité queer. Qu’il ne s’agit pas d’une identité marginale que l’on doit remettre en question et expliquer, mais plutôt d’un lieu incarné d’où l’on peut émerger et devenir. La chanson composée dans le cadre de l’atelier célèbre les situations familiales uniques tout en laissant entendre que chaque personne est différente à sa manière. Ainsi, l’écriture de chansons comme pratique affective a amené les participants à réorganiser leur monde de manière subversive et autonomisante. L’émergence de possibilités nouvelles s’est matérialisée en plaçant au coeur du processus les histoires des jeunes participants qu’ils avaient eux-mêmes écrites et qui étaient destinés à leurs semblables, et ce, tout en naviguant les tensions liées à la paternité de l’oeuvre, l’esthétique et la pédagogie.