Volume 29, Number 2, 2008

EN:

What status does experimental and interdisciplinary performance currently have, and where might its future lie? Into what relationship(s) with various forms of institutionality has it settled, and what impact(s) might this have on its present and future development? Is its support by the Canada Council simply an entrenchment of its marginality? This paper is a meditation on these questions, using as a case study Toronto’s Free Fall Festival, one of the most recent additions to an expanding network of experimental and institutional festival venues across Canada. Tracing the dangers and the necessities of institutionalization in a contemporary economic and cultural landscape, Stedman attempts not to answer the aforementioned questions, but to bring this vital and under-represented discourse into greater focus.

FR:

Quel est le statut aujourd’hui de la performance expérimentale et interdisciplinaire? Quel avenir lui est réservé? Quel est son rapport avec diverses formes d’institutionnalisation, et quels effets cette situation peut-elle avoir sur son état actuel et futur? L’appui que lui accorde le Conseil des Arts du Canada ne fait-il que renforcer sa marginalité? Cet article est une réflexion sur toutes ces questions, à partir de l’exemple du Festival Free Fall de Toronto, l’un des plus récents ajouts à un réseau toujours en expansion de festivals expérimentaux et institutionnels au Canada. En soulignant les dangers et les besoins de l’institutionnalisation dans un paysage économique et culturel contemporain, Stedman cherche non pas à répondre à toutes ces questions, mais bien à mieux situer un discours essentiel et sousreprésenté.

EN:

This article examines the treatment of symbols in The Pope and Princess Di, a recent comic/satiric play by a renowned Newfoundland theatre artist, Berni Stapleton: their inherent organicism, their constant subjection to alteration and hybridization, and their destructive potential when viewed as sacrosanct. The essay examines crucial changes in the self-images of the play’s central characters, Bernadette and Diana, two women recently diagnosed with breast cancer. These changes arise from the reconfiguration and re-evaluation of deeply embraced religious, quasi-religious, and cultural symbols as the two women provide each other with new insights necessary for their emotional and spiritual healing. The article draws on Christian and radical feminist analyses of Christian religious symbols and the relationship between symbolism and idolatry and is informed by feminist endorsements of an organic rather than fixed relationship with cherished or otherwise powerful symbols. The article also draws on a vision of historical process articulated by Alfred North Whitehead. According to Whitehead, the dominance over others of particular models of understanding is historically inevitable but is also dangerous because of the high likelihood of a stifling or destructive resistance to crucial new input among those most invested in the status quo.Though change will arise in any case,it will be more humane and nourishing if both the necessity of the new knowledge and the best parts of the old are acknowledged.In accordance with a Whiteheadian vision of change at its best, Stapleton’s play challenges prevalent norms and symbols while keeping a critical eye on ways of understanding that would sweep in to replace them. In The Pope and Princess Di, the new symbolic order is tentative and rooted in the day-to-day perplexities of lived experience, rather than founded on elusive absolutes.

FR:

Cet article examine le traitement des symboles dans The Pope and Princess Di, une comédie satirique créée récemment par Berni Stapleton, un artiste de théâtre renommé originaire de Terre-Neuve. L’organicisme inhérent des symboles, leur assujettissement perpétuel au changement et à l’hybridation, leur potentiel destructif lorsqu’ils sont perçus comme étant sacro-saints, voilà autant de repères qui serviront à l’analyse de Fralic. Ce dernier se penche sur des changements importants dans la façon dont se perçoivent les deux person-nages principaux de la pièce, Bernadette et Diana, deux femmes qui viennent d’apprendre qu’elles sont atteintes d’un cancer du sein. Cette évolution découle d’une reconfiguration et d’une réévaluation d’importants symboles religieux, quasi-religieux et culturels qui ont lieu quand les deux femmes se proposent l’une à l’autre de nouvelles façons de voir nécessaires pour guérir sur les plans émotif et spirituel. Fralic s’inspire d’analyses féministes radicales et chrétiennes portant sur des symboles chrétiens et s’intéresse au rapport entre symbolisme et idolâtrie ainsi qu’à la perspective féministe privilégiant la relation organique plutôt que statuaire avec des symboles chéris ou puissants. Il s’appuie également sur le concept de processus historique tel que l’entend Alfred North Whitehead. Selon Whitehead, la dominance de certains modèles de compréhension sur d’autres est inévitable sur le plan historique mais dangereuse parce qu’elle risque d’entrainer une résistance passive ou destructive chez ceux et celles qui ont le plus investi dans le statu quo. Comme de toute façon des changements devront se produire, ce sera de façon plus humanitaire et enrichissante si l’on peut reconnaître la nécessité d’acquérir un nouveau savoir et retenir le meilleur des anciens acquis. Selon la vision qu’a Whitehead du changement idéal, la pièce de Stapleton défie les normes et les symboles répandus tout en jetant un regard critique sur les modes de compréhension qui viendraient les remplacer. Dans The Pope and Princess Di, le nouvel ordre symbolique est provisoire, ancré dans la complexité du vécu quotidien, plutôt que fondé sur des absolus insaisissables.

EN:

In the late nineteenth and early twentieth centuries, most towns in Canada boasted an "opera house." In fact, very little opera was put on the boards; the name was a euphemistic marker of the community’s cultural and economic maturity. The Westminster Opera House (1899-1926) is, like most other opera houses, long since gone and virtually forgotten. This article recounts for the first time the story of the venue and its unsuccessful efforts to become a viable cultural and economic enterprise. Several factors likely contributed to the theatre’s lack of success, not the least of which was the proximity of the younger, burgeoningVancouver. All in all, the Westminster Opera House failed to realize the hopes of its founders and must be counted amongst the city’s disappointments.

FR:

À la fin du dix-neuvième et au début du vingtième siècle, on trouvait un opéra dans pratiquement toutes les villes canadiennes. Dans les faits, il était rare que des œuvres d’opéra figurent au programme de ces établissements; leur nom servait à marquer par un euphémisme la maturité culturelle et économique des collectivités en question. Comme la plupart des autres établissements de son genre, la Westminster Opera House (1899-1926) a fermé ses portes depuis longtemps et a pratiquement été reléguée aux oubliettes. Barrington-Foote rappelle pour la première fois l’histoire de ce lieu et les efforts infructueux qui ont été déployés pour en faire une entreprise viable sur les plans culturel et économique. Plusieurs facteurs ont probablement contribué à cet échec, dont la proximité de Vancouver, une ville plus jeune et en plein essor. Somme toute, le rêve des fondateurs du Westminster Opera House n’a pas été réalisé, et leur projet compte parmi les grandes déceptions qu’a connues la ville.

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This paper considers two plays by Djanet Sears, Afrika Solo and Harlem Duet, under the rubric of feminist standpoint positioning. The situated knowledges of standpoint positioning avoid the "god trick," as Donna Haraway puts it, of the objectivist approach, but lead to other anxieties and limitations around subjectivity and agency. Both plays consider the performative and contextual nature of identity, but their spectatorial relationships offer different paths to agency and knowledge and challenge us to entertain certain epistemological shifts.

FR:

Cet article porte sur deux pièces écrites par Djanet Sears, Afrika Solo et Harlem Duet, en privilégiant la théorie de positionnement féministe. Le savoir acquis en situation qui caractérise la théorie de positionnement permet d’échapper au « stratagème divin » (god trick) comme l’appelle Donna Haraway, d’une approche objectiviste, mais entraîne d’autres questions quant à la subjectivité et au rôle d’agent. Les deux pièces examinent la nature performative et contextuelle de l’identité, mais la relation établie avec le spectateur dans chacun des cas débouche sur différentes présentations du rôle de l’agent et du savoir et nous propose d’examiner certains changements d’ordre épistémologique.

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Le théâtre produit à Ottawa entre 1870 et 1880 était varié, ce qui tenait à sa provenance (théâtre professionnel de tournée, venu des États-Unis, d’Angleterre et de France, ou théâtre amateur local) et à la communauté linguistique à laquelle il s’adressait. À cette époque, la censure ecclésiastique empêchait les femmes de jouer sur la seule scène francophone d’Ottawa, celle de l’Institut canadien-français, à moins qu’il ne s’agisse d’opérette. Malgré cette interdiction,le théâtre présenté en français a pu survivre et divertir un public qui en était friand.

EN:

Many different forms of theatre were produced in Ottawa in the 1870s, depending upon their provenance (professional touring companies from the USA., England, and France, as well as local amateur productions) and the linguistic community for which they were intended. At that time, Church censorship prevented women from appearing on Ottawa’s only francophone stage, that of the Institut canadien-français, except in the case of operettas. In spite of this ruling, francophone theatre survived and was welcomed by an appreciative public.

EN:

Peter Carnahan presents a personal memoir of Tyrone Guthrie’s second season as Director of the Stratford Shakespearean Festival of Canada, with observations on his directing techniques for The Taming of the Shrew and Oedipus Rex and other Guthrie productions of the period, and considerations of his contributions to the field of Shakespearean staging, particularly his use of "modern dress" costuming and his pioneering development, along with Tanya Moiseiwitsch, of the open stage for Shakespearean production. The article concludes with personal reminiscences of Tony and Judy Guthrie as they relaxed and enjoyed the life of a small Canadian town after the season opened.

FR:

Peter Carnahan présente un compte rendu personnel de Tyrone Guthrie et de sa deuxième saison à la direction artistique du Stratford Shakespearean Festival of Canada. On y trouve des observations sur les techniques de mise en scène employées pour The Taming of the Shrew, Oedipus Rex et d’autres pièces sur lesquelles Guthrie a travaillé à l’époque, ainsi que des réflexions sur la contribution de ce dernier à la mise en scène de l’œuvre shakespearienne, notamment son emploi de costumes « modernes », et son usage pion-nier, avec Tanya Moiseiwitsch, d’une scène ouverte. L’article conclut avec quelques détails que retiennent Tony et Judy Guthrie d’une vie paisible passée dans une petite ville canadienne une fois la saison de théâtre entamée.