Volume 71, 2010

EN :

This article is based on fieldwork in Tegallalang, a village in Bali, Indonesia, that mass produces and exports Native American dream catchers, Australian Aboriginal didgeridoo, African masks and other "ethnic" objects for the global marketplace. For most of the 20th century and beyond, Dutch colonials and Indonesian nationalists have urged the Balinese to stage cultural production, performance and a particular view of "authenticity" as a means of advancing specific colonial/national agendas. Bali has often been used as an example of a "last paradise" where tradition must be preserved while the rest of the Indonesian state modernizes its political and economic agendas. This article explores Tegallalang’s ethnic arts industry as a platform from which the Balinese have been able to counter the stereotypes of a province bound by unchanging aesthetic styles and cultural traditions. While Bali’s cultural tourism industry continues to rely heavily upon notions of a Hindu culture unaffected by global processes and modernizing economies, the ethnic arts industry allows local producers to assert more complex, cosmopolitan identities for themselves.

FR :

Cet article se base sur un travail de terrain à Tegallalang, un village de Bali, en Indonésie, qui produit et exporte massivement des « attrapeurs de rêve » amérindiens, des didgeridoos des Aborigènes australiens, des masques africains et autres objets « ethniques » destinés au marché mondial. Pendant la plus grande partie du XX^e siècle et par la suite, les colons hollandais et les nationalistes indonésiens ont incité les Balinais à mettre en scène des performances, des productions culturelles et une conception particulière de « l’authenticité » en tant que moyen de mettre de l’avant des programmes colonialistes ou nationalistes particuliers. Bali a souvent été citée comme exemple de « dernier paradis » où la tradition doit être préservée tandis que le reste de l’État indonésien se modernise sur les plans politique et économique. Cet article explore l’industrie des arts ethniques de Tegallagang en tant que plateforme à partir de laquelle les Balinais ont eu la possibilité de contrer les stéréotypes d’une province immobilisée dans des styles esthétiques et des traditions culturelles immuables. Tandis que l’industrie du tourisme culturel continue à Bali de se baser fortement sur la notion d’une culture hindoue non affectée par les processus de la mondialisation et des économies en voie de modernisation, l’industrie des arts ethniques permet aux producteurs locaux d’affirmer pour eux-mêmes des identités plus complexes et cosmopolites.

EN :

This paper explores the complexities and contradictions, as well as the progressive potential of industrial heritage tourism sites. It considers how industrial heritage sites may enable, if not foster, the communication of personal and collective stories and experiences of past crafts and ways of life, along with the oppression, exploitation and abandonment that often comes with industry. The focus of the essay is the ongoing recast into an industrial heritage tourism destination of a former mining village and complex in Portugal. Built and run by an English mining company during the mid 19th century, the mine operated until the 1960s. Three representations of the history of the S. Domingos mine and community are analyzed and confronted, namely two exhibitions prepared for the 150th anniversary of the founding of the mine, a painting, photography and multimedia exhibition, and a book written and self published by a former miner.

FR :

Cet article explore les complexités et les contradictions en même temps que le potentiel croissant du tourisme pour les sites du patrimoine industriel. Il examine la manière dont les sites de patrimoine industriel peuvent permettre, si ce n’est favoriser, la communication d’histoires personnelles et collectives et les expériences d’artisanat et de modes de vie du passé, en même temps que l’oppression, l’exploitation et l’abandon qui vont souvent de pair avec l’industrie. Cet essai se concentre sur la réaffectation continue d’une destination touristique de patrimoine industriel, celle d’un ancien village et complexe minier du Portugal. Dirigée par une compagnie minière anglaise au milieu du XIX^e siècle, la mine est restée en activité jusque dans les années 1960. Trois représentations de l’histoire de la mine et de la communauté de S. Domingo sont analysées et comparées, nommément deux expositions préparées pour le 150^e anniversaire de la fondation de la mine, une exposition de peinture, photographie et multimédia et un livre écrit et publié à compte d’auteur par un ancien mineur.

EN :

The late rise of the previously undervalued migrant trunk, or "koffort" within Icelandic-Canadian popular culture is easily linked to the proliferation of migration-focused visual heritage campaigns in Canada from 1967 onwards. This corresponding re-emergence in local art and museums, as well as in family homes, suggests that Icelandic-Canadians have simply adopted the static, celebratory image of migration history set forth by the state. However, by using interviews and photographs detailing the mnemonic uses of these objects in private, this article contends that the trunk is a hybrid object that offers families archives and points of contact for histories of trauma that also draw from traditional Icelandic notions of fatalism and matrilineal systems of identification. Despite its redemptive public image, the trunk is often the vehicle through which are revealed female-centred narratives of migrant trauma—spousal abuse, widowhood and infant mortality. Rather than delivering a cohesive vision of settler nationalism to Canadians, the migrant trunk has emerged as a powerful, but unsettling archive in popular practice.

FR :

L’engouement tardif pour ce qui était autrefois un objet dévalorisé, la malle de bois des migrants, ou «  koffort  », au sein de la culture populaire des Islandais du Canada peut se lier aisément à la prolifération des campagnes en faveur du patrimoine visuel centré sur la migration au Canada depuis 1967. Le fait que cet objet ait réapparu, de manière correspondante, dans les musées et les arts locaux, ainsi que dans les familles, laisse penser que les Islandais du Canada n’ont fait qu’adopter l’image commémorative statique de l’histoire telle qu’elle a été instaurée par l’État. Cependant, en se basant sur des entrevues et des photographies qui détaillent les usages mnémoniques de ces objets en privé, cet article permet au contraire d’avancer que la malle est un objet hybride qui présente des archives familiales et des points de contact pour des histoires traumatiques qui s’inspirent également des notions islandaises traditionnelles de fatalité et de systèmes d’identification matrilinéaires. Malgré son image publique rédemptrice, la malle est souvent le véhicule par lequel se révèlent les récits, centrés sur les femmes, des traumatismes vécus par les migrants – abus commis par le conjoint, veuvage et mortalité infantile. Plutôt que de donner aux Canadiens une image de cohésion nationale des colons, la malle des migrants est apparue comme un élément d’archive puissant mais dérangeant dans la pratique populaire.

EN :

How can material culture studies offer new perspectives on the study of late-19th-century art in France? How can the work of contemporary artists animate a collection of historical and locally specific objects? This paper takes up these questions by a close reading of an installation in Saint-Brieuc, along with the collections of two ecomuseums in Brittany and several other historical sites in terms of a politics of display and commemoration. It further engages the collections in a dialogue about historical sites, photographs and paintings of religious ritual in late-19th-century Brittany that focus upon everyday rituals of memory and mourning.

FR :

Comment les études en culture matérielle peuventelles offrir de nouvelles perspectives sur l’étude de l’art de la fin du XIX^e siècle en France ? Comment le travail d’artistes contemporains peut-il animer une collection d’objets historiques et particuliers à un lieu donné ? Cet article s’attaque à ces questions au moyen d’une lecture attentive d’une installation à Saint-Brieuc, de pair avec les collections de deux écomusées en Bretagne et de plusieurs autres sites historiques, sous l’angle des politiques de la présentation et de la commémoration. Il fait entrer plus intensément ces collections dans un dialogue au sujet des sites historiques, des photographies et des peintures des rituels religieux de la fin du XIX^e siècle en Bretagne, qui se concentrent sur les rituels quotidiens de la mémoire et du deuil.

EN :

This article illustrates the interplay of the local and global in the circulation of narratives that shape and inform memories of a place while also responding to and impacting its material culture. Tracing narratives of residents’ and tourists’ interpretations of an ancient, Italian cave-city (the Sassi of Matera) through media and action, the study shows how different groups engage the malleability of memory and site representation to reinforce identity constructions and political-economic goals.

FR :

Cet article illustre l’interaction du local et du global dans la circulation de récits qui donnent forme à la mémoire d’un lieu et l’inspirent, tout en répondant à sa culture matérielle et en ayant en retour un impact sur celle-ci. En retraçant les récits interprétatifs des résidents et des touristes au sujet du village troglodyte italien des Sassi di Matera, dans les médias et par le biais des actions, cette étude montre comment différents groupes abordent la malléabilité de la mémoire et de la représentation du site pour renforcer des constructions identitaires et des buts politico-économiques.

EN :

This paper examines the power of "the visual" in representations of culture and heritage tourism. While the visual is fundamental to the ways material culture is represented, the focus on objects and artifacts has obscured the very processes that animate and privilege them in the production of heritage. As a result, material culture is classified and categorized, placed in temporal sequences and variously interpreted without much thought as to its social and cultural contexts. In this paper, we seek to relocate "heritage" in relation to aesthetics and the inherent value of the object. We examine visuality as a key part of the process by which cultural heritage is produced and which, in turn, enables visual culture to be "read" as a narrative of identity, politics and power.

FR :

Cet article examine le pouvoir du « visuel » dans les représentations de la culture et du tourisme patrimonial. Bien que le visuel soit essentiel à la manière dont on représente la culture matérielle, la primauté donnée aux objets et aux artefacts a brouillé les processus eux-mêmes qui les animent et les privilégient dans la production du patrimoine. Cela a pour résultat que la culture matérielle est classifiée et catégorisée, placée dans des séquences temporelles et interprétée de diverses manières, sans que l’on pense beaucoup à ses contextes sociaux et culturels. Dans cet article, nous cherchons à replacer le « patrimoine » en relation avec l’esthétique et la valeur intrinsèque de l’objet. Nous considérons la visualité comme une partie essentielle du processus par lequel le patrimoine culturel est produit, ce qui, en retour, permet à la culture visuelle d’être « lue » comme un récit de l’identité, de la politique et du pouvoir.

EN :

In this essay we explore the exhibition The Afterlife of Buildings. Artists Nicolas Grospierre and Kobas Laksa craft a portrait of Warsaw’s near future through a manipulation of photographs of six buildings recently constructed in the city, playing upon its post-socialist material expressions of identity. The exhibition was presented in a fictitious "Hotel Polonia"—figuratively inviting viewers to gaze into Warsaw’s future while reflecting upon its history, memory and the precarious and transitioning quality of its present. And yet, in creating a vision of Warsaw’s future the artists have plugged the city into a global narrative on sustainability and the failure of ideological dreams.

FR :

Dans cet article, nous analysons l’exposition The Afterlife of Buildings. Les artistes Nicolas Grospierre et Kobas Laksa ont dressé le portrait de Varsovie dans un proche avenir, en manipulant les photographies de six bâtiments récemment construits et en jouant sur l’expression matérielle de l’identité postsocialiste de cette ville. L’exposition fut présentée dans un «  Hotel Polonia  » fictif, invitant figurativement le public à contempler l’avenir de Varsovie tout en réfléchissant à son histoire, sa mémoire et la qualité précaire et transitoire de son présent. Et pourtant, en créant cette vision de l’avenir de Varsovie, les artistes ont branché la ville sur le récit mondial du développement durable et de l’échec des rêves idéologiques.