Volume 51, 2024

EN :

Live music performance provides a source of income and opportunities for musicians to develop creative and performance skills as well as engage with peers. The Australian live music sector, however, was shuttered as part of the public health measures enacted during the global COVID-19 pandemic. Drawing on findings from a multi-year national study into the portfolio careers of Australian musicians (2016–2019), this article reports findings related to live music performance and considers them in relation to the sector’s shuttering. It argues for the consideration of the role and nuance of performance as we re-emerge in a post-pandemic world so that the diversity of formats and opportunities are sustained.

FR :

Les concerts sont pour les musiciens une source de revenus et d’opportunités de développer leurs compétences créatives et performatives, autant que de rencontrer leurs pairs. Cependant, le secteur australien des représentations musicales sur scène a fermé lors des mesures de santé publiques promulguées durant la pandémie mondiale de Covid-19. Se basant sur les données établies sur plusieurs années dans le cadre d’une étude nationale des dossiers professionnels de musiciens australiens (2016-2019), cet article expose les découvertes liées aux performances musicales sur scène et les envisage en relation avec la fermeture du secteur. Il plaide en faveur d’une meilleure considération du rôle et des nuances des performances au moment où nous réémergeons dans un monde postpandémie afin que la diversité des formats et des opportunités se maintienne.

EN :

Busking can produce positive atmospheres in public spaces through diverse social relations that, in addition to the music itself, can contribute to a sense of wellbeing among the urban populace. The COVID-19 pandemic highlighted the value of music and live performances in terms of their positive impact on well-being. This article analyzes the situation of buskers during the pandemic and gives insight into their subjective realities. Using the example of New York musician Colin Huggins, known as “the piano man of Washington Square Park,” the author highlights buskers’ dependence on governmental and societal support to sustain both well-being and music cultures in public spaces.

FR :

La musique de rue a la capacité de conférer une atmosphère agréable aux endroits publics grâce aux diverses relations sociales qui, en plus de la musique ellemême, peuvent contribuer au sentiment de bien-être de la population urbaine. La pandémie de Covid-19 a mis en lumière que la musique et les performances « live » peuvent contribuer positivement au bien-être. Cet article analyse la situation des usiciens de rue durant la pandémie et donne un aperçu de leurs réalités subjectives. À partir de l’exemple du musicien new-yorkais Colin Huggins, connu sous le nom de « pianiste de Washington Square Park », l’auteur souligne la dépendance desmusiciens de rue envers le soutien gouvernemental et sociétal, qui permet au bienêtre autant qu’aux cultures musicales de se perpétuer dans les lieux publics.

EN :

The purpose of this study was to examine the effect of arts engagement during the onset of the COVID-19 pandemic via virtual delivery of music workshops for military-connected people. Twenty participants completed an online survey before and after participation that included two validated surveys measuring sense of community and social support, ten questions assessing motivators for participation, and open-ended ethnographic qualitative questions examining intended and fulfilled participation goals. Despite the social distancing challenges of COVID-19, our participants’ sense of community and social support did not decline over time, likely because of their engagement in the workshops. Participants’ achieved goals included learning how to play the ukulele, songs, joining with others and making connections, praising the leaders and community, and feeling that their voice was incorporated in the workshops.

FR :

Cette étude avait pour objectif d’examiner les effets de l’intérêt pour les arts au début de la pandémie de Covid-19 au moyen d’ateliers de musique virtuels s’adressant aux personnes du secteur militaire. Vingt participants ont répondu à un sondage en ligne avant et après leur participation, qui comprenait deux enquêtes validées évaluant le sentiment d’appartenir à une communauté et d’avoir son soutien social, dix questions évaluant les motivations à la participation, et des questions qualitatives ouvertes, de nature ethnographique, examinant l’atteinte ou non des objectifs de la participation. Malgré les difficultés causées par la distanciation sociale de la Covid-19, le sentiment de faire partie d’une communauté et d’avoir son soutien social ne s’est pas amoindri avec le temps chez nos participants, probablement en raison de leur engagement dans les ateliers. Parmi les objectifs atteints par les participants, on compte l’apprentissage du ukulele, de chansons, le fait de se joindre aux autres et de créer des liens, l’éloge de la communauté et de ses chefs, et le sentiment que leur voix a été incorporée dans les ateliers.

EN :

Etniko Bandido is an autonomous community resource center and infoshop in Manila where locals and visitors gather to discuss ideas and issues and organize cultural events. During the COVID-19 lockdowns, Etniko’s network of local musicians, artists, and activists repurposed the infoshop’s physical space and its political mission of mutual aid to address the needs of the community by, for instance, distributing food and medical supplies. In this context, the local response to the pandemic can be more widely contextualized in the Philippines’ “culture of disaster” and indigenous articulations of mutual aid, which provided an alternative to the dominant consumer society.

FR :

Etniko Bandido est un centre communautaire autonome de ressources et de documentation, à Manille, où les gens du coin et les visiteurs se rassemblent pour discuter d’idées et de problèmes et pour organiser des évènements culturels. Durant le confinement de la Covid-19, le réseau de musiciens, d’artistes et d’activistes locaux d’Etniko a réaffecté l’espace physique de l’échoppe de documentation, ainsi que sa mission politique d’entraide, pour répondre aux besoins de la communauté, par exemple en distribuant de la nourriture et des fournitures médicales. Dans ce contexte, la réponse locale à la pandémie peut être contextualisée plus largement dans la « culture du désastre » des Philippines et les articulations autochtones d’entraide, qui procurent une alternative à la société de consommation dominante.

EN :

This ethnographic study introduces Asian American taiko group Mu Daiko (now Ensō Daiko) through a look at three members and their original compositions. The group is well known for their emphasis on movement and theatricality and developed their own unique style in the American Midwest. This case study explores how Mu Daiko continues the tradition of Asian American taiko drumming while simultaneously innovating and pushing the art form in new directions. Furthermore, I examine how Mu Daiko operates within the larger North American taiko community, their social justice mission, and how the art form engages with, and is informed by, the larger Asian American movement.

FR :

Cette étude ethnographique aborde le groupe de taiko asio-américain Mu Daiko (à présent Ensō Daiko) en examinant trois de ses membres et leurs compositions originales. Le groupe est réputé pour l’accent qu’il met sur le mouvement et la théâtralité, et pour avoir élaboré son propre style dans le Midwest américain. Cette étude de cas se penche sur la façon dont Mu Daiko perpétue la tradition du tambour taiko asio-américain tout en étant en même temps novateur et en poussant cette forme d’art dans de nouvelles directions. En outre, j’examine la façon dont Mu Daiko fonctionne au sein de la communauté élargie du taiko américain, sa mission de justice sociale et la façon dont cette forme d’art s’inscrit dans un mouvement asio-américain plus large et s’en inspire.

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Helen Creighton (1899–1989) was one of Canada’s foremost folk song collectors and folklorists. Her fieldwork, which spanned the late 1920s to the mid- 1960s, centred on her home province of Nova Scotia. This article critically examines Helen Creighton’s 1967 recording project in African Nova Scotian communities, particularly in the historic settlement of Africville during its notorious displacement by the city government of Halifax. Despite receiving little attention in the half-century since, the 1967 project offers considerable insight into the place of race and racialization in Creighton’s influential conception of Nova Scotian folk culture. I argue that Creighton observed a double standard around the authenticity of the African Nova Scotian songs she collected vis-à-vis those collected in white communities, and that this inequitable treatment was intrinsically connected to the rhetorical and physical displacement of African Nova Scotians that underwrote her project.

FR :

Helen Creighton (1899-1989) fut l’une des plus importantes folkloristes du Canada par son collationnement des chansons populaires. Ses travaux de terrain, qui ont duré de la fin des années 1920 au milieu des années 1960, se concentraient sur la Nouvelle-Écosse, sa province natale. Cet article analyse le projet de 1967 d’Helen Creighton d’enregistrements dans les communautés afro-néo-écossaises, en particulier dans le village historique d’Africville au moment de son tristement célèbre déplacement par les autorités municipales d’Halifax. Bien que ce projet de 1967 ait peu attiré l’attention dans le demi-siècle qui a suivi, il nous offre un grand angle de vue sur la place de la race et de la racialisation dans la conception influente qu’avait Creighton de la culture populaire en Nouvelle-Écosse. J’avance que Creighton appliquait à l’authenticité des chansons afro-néo-écossaises qu’elle collectait un critère différent de celui qu’elle appliquait au sein des communautés blanches, et que ce traitement inéquitable était intrinsèquement lié au déplacement tant rhétorique que physique des Afro-néo-écossais qui faisaient l’objet de son projet.

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This article aims to theorize the concept of “lyricapitalism” to spark a dialogue around the constellation of antinomies that popular music in Nigeria, especially hip-hop, navigates, grapples with, and articulates. By lyricapitalism, I mean lyrical representations of capitalist ideologies, most notably obsession with money, sleeplessness, and cyber-scam culture. I situate lyricapitalism in relation toJonathan Crary’s framework of 24/7 capitalism and Cedric Robinson’s idea of racial capitalism. I argue that Nigerian hip-hop’s lyricapitalism must be interrogated and deconstructed in the context of local and global power relations that marginalize most Nigerian youths and colonially configure them for disposability. I conclude that a new subculture of Nigerian hip-hop is emerging that represents counterculture as authenticity, aesthetics, resistance, and subversion.

FR :

Cet article se donne pour objectif de théoriser le concept de « lyricapitalisme » afin d’instaurer un dialogue sur la constellation d’antinomies dans laquelle la musique populaire du Nigeria, en particulier le hip hop, se fraie un chemin, lutte et s’exprime. Par « lyricapitalisme », j’entends les représentations lyriques des idéologies capitalistes, plus spécifiquement l’obsession de l’argent, l’insomnie et la culture des cyber-arnaques. Je situe le lyricapitalisme en relation avec la définition du capitalisme 24/7 de Jonathan Crary et la conception du capitalisme racial de Cedric Robinson. J’avance que le lyricapitalisme du hip hop nigérian doit êtreinterrogé et déconstruit dans le contexte des relations de pouvoir locales et globales qui marginalisent la plupart des jeunes Nigérians et les rendent, de façon coloniale, « jetables ». Je conclue qu’une nouvelle subculture du hip hop nigérian est en traind’apparaître et que celle-ci représente la contre-culture comme étant authentique, esthétique, résistante et contestataire.