Volume 52, 2025

EN :

Since 2009–2010, practioner-custodians from Wanjina-Wunggurr First Nations in the Kimberley region of northwestern Australia have drawn upon archival materials relating to the multimodal performance-storytelling form Junba to renourish the practice and strengthen social and emotional well-being of young people in their communities. Numerous dance-songs that have not been performed for many years, some as long ago as the 1930s, others the 1960s, have re-entered the local canon. What has unfolded is a process of rematriating Junba (a process of reclaiming authority and agency over how Junba is held) from the archives of collecting institutions to the dynamic archives of knowledge in people and Country: dirna arrun (in Ungarinyin, “we hold it”). This article provides a written version of a lecture-recital presented and prepared by practitioner-custodians of Junba, O’Connor, Divilli, and Charles, together with collaborating ethnomusicologist, Treloyn, who are collectively engaged in this process of rematriation.

FR :

Depuis 2009-2010, les praticiens-conservateurs de la Première nation Wanjina-Wunggurr, dans la région de Kimberley, au nord-ouest de l’Australie, se sont inspirés de documents d’archives portant sur le junba, narrations d’histoires sous forme de performances multimodales, pour revivifier cette pratique et renforcer le bien-être social et émotionnel des jeunes dans leurs communautés. De nombreuses danses chantées, qui n’étaient plus pratiquées depuis de nombreuses années, certaines depuis aussi longtemps que les années 1930, d’autres depuis les années 1960, ont réintégré le canon local. Il s’en est suivi un processus de rematriation (un processus de revendication d’autorité et d’agentivité sur la façon dont doit se tenir le junba), partant des archives des collections institutionnelles jusqu’aux archives dynamiques du savoir des gens de la région : dirna arrun (« nous le détenons », en ungarinyin. Cet article représente la version écrite d’une conférence-récital conçue et présentée par les praticiens conservateurs du junba, O’Connor, Divilli et Charles, avec la collaboration de l’ethnomusicologie Treloyn, qui se sont engagés collectivement dansce processus de rematriation.

EN :

This article describes the musical reinterpretation of Arab music, originally recorded one hundred years ago for a transnational industry of Arab, Arab American, and international record labels and recently released into the public domain. Inspired by colleagues at the Loeb Library at Harvard University, who highlight the recent American Music Modernization Act, the writers are university-based directors of Arab music ensembles who delve into this musical public domain to research, transcribe, study, practise and perform covers of these “golden oldies.” This article narrates the process and evaluates the work of re/animating musical archives.

FR :

Cet article décrit la réinterprétation musicale de musiques arabes, enregistrées à l’origine il y a une centaine d’années pour une industrie transnationale de labels de disques arabes, arabo-américains et internationaux, qui sont récemment tombées dans le domaine public. S’inspirant de collègues de la Loeb Library à l’Université Harvard, qui ont mis en exergue la récente Loi (américaine) sur la modernisation de la musique, les auteurs sont des chefs d’orchestre d’ensembles universitaires de musique arabe qui approfondissent ce domaine public de la musique pour rechercher, transcrire, étudier, pratiquer et interpréter les reprises de ces classiques d’autrefois. Cet article relate ce processus et évalue le travail d’animation, ou de réanimation, de ces archives musicales.

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As governments and funding agencies increasingly embrace Open Science and FAIR data principles, both qualitative and quantitative researchers are encouraged to deposit and share their data via institutional repositories. How suitable are repositories and data sharing for ethnomusicologists? This article chronicles a pilot project using the Canadian institutional data repository Borealis focused on digital ethnomusicological research data related to the defunct Toronto punk and metal venue Coalition TO. The article includes recommendations relating to digital ethnomusicological research data management and considerations for those contemplating storing and sharing their digital research data collections, whether via institutional repositories or other means.

FR :

Tandis que les gouvernements et les organismes subventionnaires adoptent de plus en plus les principes de la science ouverte (Open science) et de FAIR pour la conservation des données, les chercheurs, tant qualitatifs que quantitatifs, sont incités à déposer et partager leurs données dans des dépôts institutionnels. Jusqu’à quel point ces dépôts et ces partages de données conviennent-ils aux ethnomusicologues ? Cet article fait la chronique d’un projet pilote, utilisant le dépôt institutionnel canadien Borealis, qui porte sur les données de recherche numériques ethnomusicologiques liées à la salle de concert punk et métal Coalition TO de Toronto, à présent disparue. L’article comprend des recommandations quant à la gestion des données de recherche numériques en ethnomusicologie, et d’autres considérations pour les ethnomusicologues envisageant d’entreposer et de partager leurs données de recherches dans des dépôts numériques, qu’ils soient institutionnels ou non.

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This article examines the Daymbalipu Mununggurr Collection of Yolngu music, made in northern Australia in the late 1970s and early 1980s and lodged at the Australian Institute of Aboriginal and Torres Strait Islander Studies (AIATSIS), as an example of the intersection of partially incommensurable systems of knowledge. When Indigenous recordists and collectors do not share with archives and archivists fundamental premises about the nature of sound recordings and their associated management practices, this can result in diminished or problematic access to their collections but also can suggest new possibilities for archive-community co-management.

FR :

Cet article se penche sur la collection Daymbalipu Mununggurr de musique yolngu, constituée au nord de l’Australie à la fin des années 1970 et au début des années 1980, qui est abritée par l’Institut australien des études des Aborigènes et des Îliens du détroit de Torres (Australian Institute of Aboriginal and Torres Strait Islander Studies - AIATSIS), car elle constitue un exemple de l’intersection de systèmes de savoir que l’on pourrait dire incommensurables. Lorsque les collectionneurs et les Autochtones qui font ces enregistrements ne partagent pas avec les fonds d’archives et les archivistes les prémisses fondamentales au sujet de la nature des enregistrements audio et des pratiques de gestion qui leur sont associées, cela peut provoquer une accessibilité amoindrie ou problématique aux collections, mais suggérer aussi de nouvelles possibilités de cogestion communautaire des archives.

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Hugh Tracey’s classification and codification strategies have laid the foundation for enhanced access to archived living heritage in the International Library of African Music (ILAM). This article considers how Tracey’s episteme in developing these organizing principles, introduced as epistemologies of access, enables stakeholders access to accurate information with fidelity to its context of origin. The ethical dimensions of enhanced access are contextualized within South Africa’s transition to a constitutional democracy. Translating catalogue entries into source languages and, in turn, translating the metadata, which is derived from those catalogue entries, into source languages and making it accessible online is suggested as an ethically responsible action and a practical measure toward enhancing access for stakeholders.

FR :

Le schéma directeur de la classification et de la codification élaboré par Hugh Tracey a posé les fondations d’une meilleure accessibilité du patrimoine vivant archivé à l’International Library of African Music (ILAM). Cet article examine la façon dont l’épistémè de Tracey au moment où il définissait ces principes directeurs, qu’il présentait comme une épistémologie de l’accessibilité, a permis aux parties prenantes d’accéder à des informations exactes et soucieuses des contextes d’origine. Les dimensions éthiques de la meilleure accessibilité sont conceptualisées dans le cadre de la transition de l’Afrique du Sud vers une démocratie constitutionnelle. Nous pointons le fait que la traduction des entrées de catalogues vers les langues sources et, en retour, la traduction des métadonnées issues de ces entrées de catalogue et le fait de rendre celles-ci accessibles en ligne constituent une action responsable sur le plan éthique et une mesure pratique d’amélioration de l’accessibilité pour les parties prenantes.

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The Cultures of Sound Network is an international alliance of cultural institutions that develops public engagement projects around music and sound. Since its inception in 2018, the network has used collaborative inquiry to mobilize music and sound knowledge across North America and beyond, serve diverse communities, including Indigenous ones, and bridge divides between museums, universities, cultural organizations, and publics. This article discusses examples of the network’s modus operandi and examines the value, significance, and prospects for sound initiatives of this kind in the 2020s.

FR :

Le réseau des Cultures of Sound est un regroupement international d’institutions culturelles qui conçoivent des projets publics autour de la musique et du son. Depuis ses débuts en 2018, ce réseau a eu recours à des investigations en collaboration pour mobiliser le savoir relatif à la musique et au son à travers toute l’Amérique du Nord et au-delà, au service de diverses communautés, y compris des communautés autochtones, en créant des ponts entre les musées, les universités, les associations culturelles et les publics. Cet article expose des exemples du modus operandi du réseau et examine la valeur, la signification et les perspectives d’avenir pour les initiatives sonores de ce type dans les années 2020.

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What remains in the archive when its material objects are constructed with the aim of destruction? Scholarly approaches to the “self-destructive archive” have emphasized ways to manipulate the archive to circumvent its inevitable drive toward loss. The Falles Festival of València, Spain, offers a different perspective: through the burning of the monumental artworks that give the festival its name, an “intangible archive” of behaviours, feelings, and beliefs comes into being, one that structures and is structured by social life during and beyond the festival. This archive affords ethnomusicologists a means to reconceptualize the material nature of ephemeral phenomena like sound.

FR :

Que reste-t-il dans les archives lorsque leurs objets matériels ont été conçus avec leur destruction en vue ? Les approches universitaires des « archives autodestructrices » ont indiqué des façons de manipuler les archives pour circonvenir la trajectoire inéluctable de leur perte. La fête populaire des Fallas de Valence, en Espagne, propose une autre possibilité : le fait de mettre le feu aux oeuvres d’art monumentales qui donnent son nom à cette fête provoque la naissance des « archives immatérielles » des comportements, des sentiments et des croyances qui structurent et sont structurés par la vie sociale au cours de la fête et au-delà. Ces archives confèrent aux ethnomusicologues le moyen de reconceptualiser la nature matérielle des phénomènes éphémères tels que le son.

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This talk explores the evolving landscape of Canadian music studies in the context of intensifying cross-border cultural and political pressures. Drawing upon historical reflections and contemporary developments, the presentation examines how Canadian music scholarship navigates questions of national identity, academic autonomy, and cultural preservation. It considers the influence of dominant U.S.-based institutions and academic societies on Canadian music studies and reflects on the challenges posed by shifting geopolitical dynamics, including threats to Canadian sovereignty and academic freedom. The talk highlights the resilience and diversity of Canadian musical traditions and underscores the importance of sustaining a distinct Canadian musical identity. Through case studies, historical parallels, and current responses from artists and scholars, the talk invites a broader conversation about the role music studies might play in affirming cultural sovereignty and fostering inclusive, forward-looking scholarship.

FR :

Cette présentation explore l’évolution du paysage des études musicales canadiennes dans un contexte de pressions culturelles et politiques transfrontalières de plus en plus intenses. S’appuyant sur des réflexions historiques et des développements contemporains, elle examine comment la recherche musicale canadienne aborde les questions d’identité nationale, d’autonomie académique et de préservation culturelle. Elle considère l’influence des institutions et sociétés savantes dominantes basées aux États-Unis sur les études musicales canadiennes, tout en réfléchissant aux défis posés par les dynamiques géopolitiques changeantes, notamment les menaces à la souveraineté canadienne et à la liberté académique. La présentation met en lumière la résilience et la diversité des traditions musicales canadiennes, et souligne l’importance de maintenir une identité musicale canadienne distincte. À travers des études de cas, des parallèles historiques et les réponses actuelles d’artistes et de chercheurs, elle invite à une réflexion plus large sur le rôle que peuvent jouer les études musicales dans l’affirmation de la souveraineté culturelle et la promotion d’une recherche inclusive et tournée vers l’avenir.

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This article examines the mobile and participatory aspects of rot hae รถ แห่, a musical performance on a moving vehicle, such as a truck or a cart. Despite its popularity, rot hae is criticized for instigating alcohol consumption and sexually provocative dance moves in public, particularly during Buddhist ordination parades. I argue that the mobility and participatory nature of rot hae performances allows it to challenge the established social order and their participants to seek otherwise prohibited sensual pleasures. Such encounters reveal the vernacular practices of Buddhism that cannot be easily mapped onto the sacred-secular dichotomy.

FR :

Cet article se penche sur les aspects de mobilité et de participation du rot hae รถแห่, performance musicale réalisée sur un véhicule en marche tel qu’un camion ou une charrette. Malgré sa popularité, le rot hae est accusé d’inciter à la consommation d’alcool et aux mouvements de danse provocants en public, en particulier durant les processions d’ordination bouddhistes. J’avance que la nature mobile et participative des performances de rot hae permet à celui-ci de contester l’ordre social conventionnel et aux participants de rechercher des plaisirs sensuels prohibés par ailleurs. De telles collisions révèlent des pratiques vernaculaires du bouddhisme que l’on ne peut pas aisément placer sur la carte des dichotomies entre sacré et profane.

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In this article, we outline an emergent community-engaged research-creation (CE-RC) methodology that builds on principles from performative ethnography, community engagement, and care-full improvisation. CE-RC was developed through the Resonance Project (2020-23), in which we tested, reflected on, and refined our ideas in collaboration with musicians from marginalized communities. Drawing on both ethnographic data and analysis of collaborative artistic creations, we argue that CE-RC has high potential as a participatory applied methodology through which researchers and community collaborators together can advocate for positive social change.

FR :

Dans cet article nous présentons la méthodologie des débuts d’un projet de création-recherche communautaire (community-engaged research-creation, CE-RC), qui se fonde sur les principes de l’ethnographie performative, l’engagement communautaire et l’improvisation attentive (care-full). Le CE-RC a été élaboré dans le cadre du Resonance Project (2020-2023) lors duquel nous avions testé, pensé et affiné nos idées en collaboration avec des musiciens de communautés marginalisées. À partir des données ethnographiques autant que des analyses des créations artistiques collaboratives, nous avançons que le CE-RC présente un grand potentiel de méthodologie participative appliquée à travers laquelle les chercheurs et leurs collaborateurs des communautés peuvent ensemble plaider en faveur d’un changement social positif.

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This article examines the influence of power and positionality in music research. I use key ethnographic moments of music making in Jamaican Maroon communities, the insights of a range of scholars, and my intersecting perspectives to investigate the following questions: How is access to cultural knowledge predicated on who we are, and who we are not? What does power sound like, and with whom and in what contexts does it reside? In what ways do histories of colonial domination and legacies of resistance reverberate through music and performance traditions, and how are those histories felt and heard in the present day?

FR :

Cet article examine l’influence du pouvoir et de la positionnalité dans la recherche musicale. Je renvoie à des moments ethnographiques marquants de la création musicale dans les communautés de Marrons de la Jamaïque, aux aperçus d’un certain nombre de chercheurs et à ma propre perspective qui les recoupe pour répondre aux questions suivantes : en quoi l’accès au savoir culturel est-il fondé sur ce que nous sommes et ce que nous ne sommes pas? Quel son le pouvoir émet-il et dans quels contextes réside-t-il, et avec qui? De quelle façon les histoires de la domination coloniale et les héritages de la résistance se reflètent-ils dans la musique et les traditions performatives, et comment ces histoires sont-elles entendues et ressenties aujourd’hui?