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RésuméEn 1982, le film Sans soleil, de Chris Marker, préfigurait les possibilités multimédiatiques d'oeuvres subséquentes — le film Level Five (1996) et le CD-ROM Immemory (1997). Marker y « invente », par le moyen du cinéma, un ordinateur personnel dont la visée est aussi utopique — au sens positif du terme — que mémorielle. La « zone » (ainsi nommée en hommage à Andreï Tarkovski) permet de transfigurer des images tournées à travers le monde ; elle est la seule à pouvoir rendre compte de la mémoire comme de la fin d'un monde. Marker y dévoile la fonction rituelle du cinéma, alors que l'histoire se construit à force de catastrophes et de pertes. L'imaginaire de la fin se lie ici à la transformation matérielle et technologique des médiations. Ce double souci — celui d'une conscience de la perte et celui d'une espérance technologique — caractérise tout particulièrement ce film charnière dans l'oeuvre de Marker.

RésuméSi fort, si présent dans les années 1970 au Québec, le discours féministe trouve-t-il des échos dans les textes littéraires contemporains, tant masculins que féminins ? Marque-t-il les oeuvres des plus jeunes auteurs — trop jeunes à l'époque — pour qui il subsiste seulement à l'état de référence historique ? Les idéaux féministes auraient-ils réussi à influencer les textes littéraires actuels au point d'être parties prenantes du discours romanesque ou servent-ils encore seulement de repoussoir ? À partir de certaines oeuvres ciblées dont Le chemin des dames (1977) de Madeleine Ferron, Scrapbook (2004) de Nadine Bismuth et Chercher le vent (2002) de Guillaume Vigneault, on verra que c'est sous le mode ludique, essentiellement, que se détecte l'influence du féminisme.

Le présent article porte sur les personnages lesbiens de quatre « morceaux choisis » du théâtre de la grande période féministe québécoise (1976-1985) : les deux « Marcelle » dans La nef des sorcières, « Les vaches de nuit » dans Triptyque lesbien et La lumière blanche. L'influence de ces personnages est analysée à la lumière de deux idéologies lesbiennes distinctes, toutes deux tributaires des écrits féministes de l'époque et centrées sur les problèmes de la maternité et du genre sexuel. Après une présentation de ces deux courants théoriques, cette étude des personnages souligne aussi les innovations théâtrales qu'ils incarnent en distinguant deux courants esthétiques majeurs : « l'esthétique du combat » (Pelletier) et celle de l'intimité féminine (Marchessault), qui, malgré leur dissemblance, fusionnent souvent de façon originale en enrichissant ainsi le théâtre au féminin de cette période.

L'autrice examine l'héritage littéraire convoqué dans le roman Angéline de Montbrun à travers le prisme des études sur l'œuvre de Charlotte Brontë. Cette perspective lui permet de reconsidérer l'étiquette de pionnière attribuée à Laure Conan en raffinant encore le système de référence et en isolant des éléments véritablement structurants de cet héritage pour ainsi relever des enjeux particuliers à la pratique de l'écriture des femmes. La critique conanienne s'est beaucoup intéressée à l'intertextualité d'Angéline de Montbrun, mais l'héritage anglais n'a pas encore été examiné en détail. L'utilisation des études brontiennes permet, entre autres, de relever le potentiel métadiscursif de certains éléments du récit à l'égard des conditions d'écriture des femmes, notamment par des structures et des stratégies narratives issues du gothique de Barbe bleue (Bluebeard Gothic). Ce concept montre comment, dans des œuvres écrites par des femmes au xixe siècle, des éléments gothiques sont couplés à des références au conte de Charles Perrault et permet d'ouvrir la question du legs dans l'œuvre de Laure Conan.

Mots-clés : Angéline de Montbrun, écriture des femmes, Charlotte Brontë, Laure Conan, Jane Eyre

Notre étude considère la personne âgée en tant que représentante d’une époque révolue qui demeure encore perceptible dans son environnement intime. Trente ans après le décès de sa grand-mère, l’auteur reconsidère ses objets acquis au fil des années, ses habitudes de vie et élabore le portrait d’une femme altruiste de condition modeste. L’auteur reconnaît qu’elle a forgé sa propre personnalité et l’a préparé à affronter les aléas de l’existence. Il se situe dès lors dans son héritage.

La présente contribution vise à observer les modalités d’appropriation littéraire de l’espace institutionnel dans six récits dédiés à la vieillesse en établissement : Le Long Séjour de Régine Detambel (1991), Rhésus d’Héléna Marienské (2006), On n’est pas là pour disparaître d’Olivia Rosenthal (2007), Nous vieillirons ensemble de Camille de Peretti (2008), Les Gratitudes de Delphine de Vigan (2019) et Le Tiers Temps de Maylis Besserie (2020). Du point de vue lexical, ces romans sont travaillés par la nécessité de faire état d’un vocabulaire spécifique, cependant révélateur d’une appropriation distancée. Du point de vue narratif et descriptif, toutes les tensions et dissensions qui animent l’établissement d’hébergement dédié à la dépendance sont exploitées : entre sécurité et liberté, intimité et promiscuité, individuel et collectif, soignants et soignés. Cela passe par une attention à la façon dont on fait entendre la voix et l’expérience des résidents en question.

Alors que l'achat d'un billet marque l'engagement de l'amateur de théâtre à consommer une comédie musicale de Broadway, l'expérience de la performance en direct ne marque pas la fin de la consommation de ladite comédie musicale ou de la marque Broadway. Après le spectacle, grâce au bouche à oreille, le spectateur va communiquer ses souvenirs et ses impressions sur la comédie musicale, ce qui constitue de la publicité gratuite pour les producteurs. Cet article retrace l'évolution des stratégies de marketing du théâtre musical déployées depuis les années 1960 pour montrer comment et pourquoi les spectateurs choisissent de consommer des comédies musicales. En passant par l'analyse des campagnes de marketing, par des études sur la démographie des auditoires menées par des producteurs de Broadway et par certains documents d'archives, cet article présente le spectateur de la comédie musicale comme un enjeu et un acteur important de l'économie du théâtre musical.

Cet article formule l'hypothèse que certaines pratiques théâtrales issues de la tradition peuvent offrir un contexte favorable à l'innovation et au développement de nouvelles formes scéniques. Dans cette perspective, son auteur met en regard deux traditions culturelles, la Wielka Reforma ou la Grande Réforme, qui a largement influence les arts scéniques en Europe au XXe siècle et en particulier l'art de la mise en scène, et les arts martiaux chinois. Cet examen aide à mieux saisir les conditions où l'innovation artistique résulte d'une fréquentation de la tradition et de l'assimilation de ses principes régulateurs.

RésuméDans les départements des langues modernes européennes des universités nigérianes, les cours de traduction font partie intégrante du programme d'études mais sont limités à l'orientation français-anglais-français ou bien allemand-anglais-allemand. La traduction pratique du français-langue maternelle-français ne se conçoit guère à cause de notre tradition éducative coloniale. Ce travail aura ainsi pour tâche de traduire les voix françaises en igbo, une des trois principales langues du Nigeria, tout en soulevant les problèmes de traduction qui se posent et en proposant les solutions qui s'imposent.