Volume 25, Number 1, 2015 Contenir le sonore : les nouveaux profils de la notation Guest-edited by Isabelle Panneton and Marie-Pierre Brasset

FR:

Cet article est un bref panorama des principales étapes techniques d’impression de la longue histoire de l’édition musicale depuis l’écriture manuscrite et avant la révolution informatique. Chaque époque peut être représentée par un outil caractéristique, améliorant et accélérant le travail de reproduction mécanique des partitions : du burin à la machine à écrire en passant par le poinçon, cet article ravive la mémoire de gestes et de procédés de fabrication aujourd’hui souvent oubliés.

EN:

This article gives a brief overview of the main technical steps involved in printing throughout the long history of music publishing, from the earliest days of handwritten manuscripts until the information revolution. Each age is characterized by a particular tool that improved and expedited the task of mechanically reproducing musical scores, from the chisel to the typewriter by way of the steel punch. The article evokes memories of techniques and manufacturing processes that are often forgotten today.

FR:

Le timbre instrumental peut être défini à différents niveaux qui interagissent entre eux : quel instrument est joué, par quel interprète, suivant quels modes de jeu et dans quelles conditions de diffusion. Sur la partition, dans la tradition occidentale, on peut préciser le timbre, notamment par l’entremise des modes de jeu. La notation du timbre désiré (l’effet) passe alors par la notation du geste qui permet de le produire (la cause). La spécification du timbre peut aussi s’effectuer par l’entremise de descripteurs verbaux (tels que chaud, rond, brillant, métallique, etc.) faisant appel à des métaphores sensorielles multimodales. Ainsi, la notation se situe à différents niveaux, en amont ou en aval de la relation geste-son : le compositeur peut choisir de noter la cause (le geste, le doigté), l’effet sonore à produire (type d’attaque, rondeur du son) ou spécifier son impact sur l’auditeur (le caractère).

EN:

Instrumental timbre can be thought of on many intertwined levels: the instrument itself, the musician playing, the interpretational style, the link with the listener. In the western tradition, musical scores often specify certain techniques (causes) in order to achieve particular timbres (effects). Timbral specifications can also be direct – warm, round, brilliant, metallic, and so on – calling on multimodal sensory metaphors. Thus, notation occupies many levels, both up- and downstream of the relationship between technique and sound: composers can specify the cause (techniques, fingerings), the desired sonic effect (type of attack, phrasing), or the desired emotional effect on the listener.

FR:

Partant de la pratique de la transcription dans l’analyse des musiques électroacoustiques, cet article pose les fondements d’une nouvelle forme de représentation. Inscrite au coeur même des méthodes d’analyse musicale, la représentation analytique permet de tisser un ensemble de formes symboliques dans des visualisations complexes associant des données acoustiques et musicales sur les oeuvres. Son caractère modulaire et ouvert en fait un outil très intéressant pour la recherche musicale, que ce soit dans le domaine de l’analyse musicale ou de la création artistique.

EN:

Based on the practice of transcription in the analysis of electroacoustic music, this article lays the foundation for a new form of musical representation. Starting at the very heart of musical analysis methodology, analytical representation allows us to construct a symbolic system within complex visualizations that represent a work’s acoustic and musical properties. The system’s modular and open character makes it a very flexible tool, both for analysis of existing works and for composition.

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Cet article présente, dans les grandes lignes, le système de notation utilisé par Helmut Lachenmann dans Pression pour spécifier les actions que doit accomplir l’interprète sur les différentes parties du violoncelle (cordes, table d’harmonie, chevalet, cordier) mais aussi sur l’archet. Après avoir décrit succinctement les principales différences entre les deux éditions de l’oeuvre (1972 vs 2012), nous en expliquons cinq passages en montrant systématiquement les deux versions de la partition et en indiquant les minutages correspondant aux enregistrements vidéo de Lauren Radnofsky et David Stromberg. Ainsi le lecteur pourra apprécier la précision et l’évolution du système de notation, visualiser les gestes que réalisent les interprètes tout en suivant la partition et entrer ainsi pleinement dans l’univers sonore profondément inouï de cette oeuvre devenue un « classique » du répertoire pour violoncelle seul.

EN:

This artical presents, in broad terms, the scoring systems used by Helmut Lachenmann in Pression to indicate the techniques required of the performer in manipulating various elements of the cello (strings, soundboard, bridge, and tailpiece) as well as the bow. After briefly describing the main differences between the two editions of the work (1972 and 2012), we focus on five excerpts, specifying their time cues in video recordings by Lauren Radnofsky and David Stromberg. Thus, score excerpts in hand, the reader can appreciate the precision and development of Lachenmann’s notational system as they observe the performers’ actions, gaining a fuller understanding of the profoundly inventive sonic landscape of this work, which has become a classic of the solo cello repertoire.