Volume 33, numéro 2, 2013 Musical Perspectives, People, and Places: Essays in Honour of Carl Morey Sous la direction de Gordon E. Smith

EN :

In this article the author reflects on musical life in Canada, drawing on experiential perspectives while growing up in Toronto and his career for three decades as a faculty member in musicology at the Faculty of Music at the University of Toronto. References to pivotal musical institutions (Canadian League of Composers, CBC, Canadian Music Centre, among others) and historical documents such as Ernest MacMillan’s Music in Canada, Marshall McLuhan’s Gutenberg Galaxy, and George Grant’s Lament for a Nation provide contextual frameworks for these perspectives.

FR :

Cet article présente une réflexion sur la vie musicale canadienne, basée sur l’expérience de l’auteur en tant que torontois et musicologue membre de la Faculté de musique de l’Université de Toronto depuis trois décennies. Cette réflexion fait référence aux principales institutions musicales canadiennes (Ligue canadienne des compositeurs, Société Radio-Canada, Centre de musique canadienne, etc.) et s’appuie sur les études historiques d’Ernest McMillan (Music in Canada), de Marshall McLuhan (Gutenberg Galaxy) et de George Grant (Lament for a Nation).

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Richard Wagner’s Der fliegende Holländer is unusual among the composer’s mature operas for the brevity and relative unfamiliarity of its source material. Since the legend of the Flying Dutchman was relatively unknown, both Heine and Wagner contextualize the Dutchman by relating him to better-known figures: Heine refers to the Dutchman as the Wandering Jew, and Wagner, through hunting music, connects him to the Wild Hunter. This article addresses the significance of these associations by examining the meanings of all three legends and demonstrating how they are used by Wagner to provide dramatic and musical structure in the opera.

FR :

L’opéra de Richard Wagner, Le Vaisseau Fantôme, est une oeuvre inhabituelle en comparaison avec ses autres opéras de la même période, en raison de sa brièveté et du fait que ses sources sont moins familières pour le public. Étant donné que la légende du Hollandais volant était moins connue, Heine et Wagner l’ont mise en lien avec deux autres figures mieux connues : Heine présente le Hollandais comme le Juif errant, et Wagner, en donnant à sa musique un caractère de musique de chasse, le rapproche du Chasseur sauvage. Cet article examine les significations de ces associations en analysant les trois légendes et en montrant comment Wagner les utilise pour construire la structure dramatique et musicale de son opéra.

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Oskar Morawetz and John Weinzweig were colleagues of Carl Morey at the Faculty of Music, University of Toronto. Each composed considerable piano music throughout his compositional career. In this article, the author examines the late piano compositions of Morawetz and Weinzweig, comparing approaches to the instrument, and how those approaches were reflected musically in this group of late compositions. Because Morawetz based his approach on the late Romantic piano compositions with which he was familiar, pianists do not encounter extended techniques in his works. Weinzweig, on the other hand, makes new demands upon the performer to bring across his “disparate gestic/phonetic shapes.”

FR :

Oskar Morawetz et John Weinzweig étaient des collègues de Carl Morey à la Faculté de musique de l’Université de Toronto. Tout deux ont composé un nombre considérable d’oeuvres pour piano pendant leur carrière de compositeurs. Dans cet article, l’auteur examine les dernières compositions pour piano de Morawetz et Weinzweig en les comparant du point de vue de leur approche de l’instrument et des conséquences musicales de ces approches. Puisque l’approche de Morawetz est basée sur sa connaissance de la musique romantique pour piano, les pianistes ne rencontrent pas dans son oeuvre de grands défis techniques. En comparaison, la musique de Weinzweig amène les pianistes à innover au niveau technique afin de réaliser ses formes sonores liées à une « gestuelle erratique ».

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“Where Porpora is concerned, misfortune is bound to ensue. Beware, in faith, of having anything to do with his company.” Metastasio’s damning indictment of Nicola Porpora in a letter published in his Opere (the offending passage omitted from Charles Burney’s English translation) is put into the context of the “Palchetti Wars” in Rome in 1732/33 and a court case against the impresario Francesco Cavanna of the Teatro della Dame. The court case was filed by a group of musicians, presumably led by Porpora, after the cancellation of the premiere of his Issipile during the spring of 1732 as a result of the closing of the theatres by the pope due to the controversy between the ambassadors of France and Austria over their boxes (palchetti) at the opera. In the court case between two of his old friends, Metastasio took the cause of the impresario over the composer because the case resulted in the bankruptcy of Cavanna and the closure of the della Dame. Although arrangements were made for the premiere of Porpora’s Issipile the following year at an alternate venue, the Teatro Pioli—which got around the theatrical ban by replacing its palchetti with a large balcony or palchettone, the della Dame, preserving its celebrated five tiers of palchetti—remained closed until 1738. This was probably part of the strategy of the directors of the delle Dame in dealing with the twists and turns of the palchetti controversy.

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« Là où est impliqué Porpora, le malheur suit. Méfiez-vous, en vérité, d’avoir affaire avec lui ». Les accusations accablantes que porte Métastase à l’endroit de Nicola Porpora dans une lettre incluse dans son Opere (le passage ayant été omis par Charles Burney dans sa traduction anglaise) peuvent être mises en lien avec la “Guerre des loges” se déroulant à Rome en 1732–33 et un procès contre l’imprésario Francesco Cavanna du Teatro della Dame. La cause avait été présentée par un groupe de musiciens, sans doute mené par Porpara, suite à l’annulation, au printemps 1732, de la première de l’opéra de ce dernier, Issipile. Cette annulation était due à la fermeture des théâtres par le pape en raison du conflit entre les ambassadeurs de France et d’Autriche au sujet de leur loge à l’Opéra. En effet, dans cette polémique, Métastase prit le parti de l’imprésario, au dépend du compositeur, parce qu’elle avait entraîné la faillite de Cavanna et la fermeture du Treatro della Dame. Bien qu’une entente ait été conclue pour que la première de l’Issipile de Porpora ait lieu l’année suivante dans un théâtre différent, le Teatro Pioli — qui avait transformé ses loges en un grand balcon — le Teatro della Dame, lui, a gardé ses cinq niveaux de loges et est demeuré fermé jusqu’en 1738. Cette décision du Teatro della Dame peut être considérée comme une stratégie délibérée face à la controverse de la “Guerre des loges”.

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This article traces the rich Canadian legacy of the twentieth-century French musical legend Nadia Boulanger (1887–1979). Through teaching her more than seventy Canadian students, both French- and English-speaking, the renowned French pedagogue played a crucial role in the development of concert art music in this country from the 1920s, notably in Montreal and Toronto. Her numerous Canadian students went on to distinguish themselves as composers, teachers, performers, musicologists, theorists, administrators, and radio producers. Drawing on extensive archival and primary research, this study demonstrates the decisive impact Boulanger had on the development of musical styles and compositional practices in Canada in the last century.

FR :

Cet article retrace le riche héritage canadien de la grande personnalité de la musique française du XX^e siècle qu’était Nadia Boulanger (1887–1979). À travers son enseignement auprès d’une soixantaine d’élèves canadiens, tant francophones qu’anglophones, la célèbre pédagogue française a joué un rôle important dans le développement de la musique de concert au Canada à partir des années 1920, en particulier à Montréal et à Toronto. Ses nombreux étudiants canadiens ont continué de se démarquer en tant que compositeurs, enseignants, artistes, musicologues, théoriciens, administrateurs, et producteurs de radio. En se basant sur une longue recherche dans les archives et les sources de première main, l’auteur démontre l’impact décisif qu’a eu Nadia Boulanger sur le développement de styles musicaux et de pratiques compositionnelles au Canada au cours du siècle dernier.

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The “opera fantasy” Oppenheimer by Istvan Anhalt (1919–2012) survives as a draft libretto and 1,100 pages of musical sketches, on which the composer concentrated from mid-1988 to late 1991, partly with the collaboration of the playwright John Murrell. Prolonged negotiations with the Canadian Opera Company eventually collapsed and the work was abandoned. Using prior research by Peter Laki and archival documents (especially the composer’s previously inaccessible “diary” of the opera’s progress), this article traces Oppenheimer’s compositional development and the COC production talks, compares it to the 2005 opera Doctor Atomic by John Adams and Peter Sellars (both works deal with J. Robert Oppenheimer’s role in creating the first atomic bomb), and speculates on possible affinities between the existing sketches and other Anhalt compositions of the same period.

FR :

Une version de travail du livret d’opéra pour l’opéra-fantasie Oppenheimer d’Istvan Anhalt (1919–2012) est conservée ainsi que 1 100 pages d’esquisses musicales (Bibliothèque et Archives Canada, Fonds Anhalt, MUS 164). Le compositeur a travaillé principalement sur cette oeuvre de mi-1987 à fin 1991, parfois avec la collaboration du dramaturge John Murrell. De longues négociations avec la Canadian Opera Company ont finalement mené à un échec et le projet a été abandonné. Sur la base des recherches de Peter Laki et des documents d’archives (en particulier le journal de projet du compositeur, jusqu’à maintenant inaccessible), cet article retrace le développement compositionnel d’Oppenheimer ainsi que les négociations avec la COC, en comparaison avec l’opéra de John Adams et Peter Sellars, Doctor Atomic (2005), les deux opéras traitant du rôle du physicien J. Robert Oppenheimer dans le développement de la bombe atomique en 1945. L’examen des esquisses amène également à considérer les affinités entre elles et avec d’autres oeuvres d’Anhalt de la même période.

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This article focuses on the content, intent, and historical context of an unpublished review of a concert performed by Glenn Gould and the Detroit Symphony Orchestra in Detroit, Michigan, on 13 October 1960. The review is preserved at the Library and Archives Canada and was written by Graham Steed (1913–1999). This respected British-Canadian organist and scholar served as the Windsor Star’s music critic from 1959 to 1965. Interestingly, Steed’s American colleagues reviewed Gould’s performance favourably. In contrast, Steed’s own highly controversial critique was deemed unfit for public consumption by the editor of the Windsor Star.

FR :

Cet article se concentre sur le contenu, les intentions et le contexte historique d’une critique inédite d’un concert donné à Détroit (Michigan) par Glenn Gould et l’Orchestre symphonique de Détroit, le 13 octobre 1960. Cette critique, dont l’auteur est Graham Steed (1913–1999) est conservée à la Bibliothèque et Archives Canada. Canadien d’origine britannique, Steed était un organiste et chercheur réputé et a été le critque musical du Windsor Star de 1959 à 1965. Il est intéressant de constater que des collègues américains de Steed ont publié des critiques très favorables du concert donné par Gould. En revanche, la critique de Steed était si polémique que le rédacteur en chef du Windsor Star a jugé qu’il était impossible de la rendre publique.

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This article examines neglected orchestral works by six Canadian composers: Rodolphe Mathieu, Colin McPhee, John Weinzweig, Harry Somers, Istvan Anhalt, and R. Murray Schafer. Despite the considerable professional accomplishments and career achievements of these composers, each has at least one orchestral work in his catalogue that failed to make a good impression with the musical public or has never been heard in live performance. The article attempts to find why these compositions did not win a place in the repertoire and also considers how these works illustrate broader issues relating to the Canadian orchestral repertoire.

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Cet article examine une série d’oeuvres orchestrales de six compositeurs canadiens : Rodolphe Mathieu, Colin McPhee, John Weinzweig, Harry Somers, Istvan Anhalt, et R. Murray Schafer. Malgré les réalisations professionnelles considérables et les carrières remarquables de ces compositeurs, chacun d’entre eux a composé au moins une oeuvre orchestrale qui n’a pas emporté l’adhésion du public ou qui n’a même jamais été créée en concert. Dans cet article, on tente de compendre pourquoi ces compositions ne se sont pas taillé une place dans le répertoire, ce qui soulève des questions plus générales au sujet du répertoire orchestral canadien.

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Claude Vivier’s Chants is considered by many to be his first significant musical composition, yet very little exploration has been undertaken to determine what techniques and ideas flow from this work into his mature musical style. This article provides an in-depth analysis of Chants’ pitch organization and the influence of the principal melody on the work as a whole, followed by an analysis of the manipulation of musical layers and the use of processes as signals for formal change in the work. These qualities bear strong similarities to Vivier’s later works, demonstrating that Chants was pivotal in his development as a composer.

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L’oeuvre de Claude Vivier intitulée Chants est considérée par beaucoup comme étant sa première oeuvre importante. Toutefois, très peu d’études ont tenté de déterminer quelles techniques et quelles idées se sont transmises de cette oeuvre à ses compositions plus tardives. Cet article présente une analyse approfondie de Chants du point de vue de l’organisation des hauteurs et de l’importance de la mélodie principale dans toute la composition. Cette analyse est suivie d’un examen de la manipulation des différentes couches musicales ainsi que de l’utilisation de certains procédés musicaux pour annoncer les changements formels de l’oeuvre. L’auteur avance que ces caractéristiques se retrouvent de façon importante dans les oeuvres ultérieures de Vivier, ce qui montre que Chants a bien été une oeuvre cruciale dans le développement du compositeur.

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This article is a reflection on how narratives of Canadian music scholarship have shifted since the late 1980s, generally moving toward an array of “diversity narratives.” It questions how government policy, academic institution building, increased interdisciplinarity, new configurations of individual and collective experience, and new regional or nationalist discourses have played a role in this shift. It suggests that Canadians may be particularly well poised to lead in the study of how multiple narratives and “sovereign aesthetics” can coexist.

FR :

Cet article propose une réflexion sur les transformations des récits des chercheurs en musique canadienne au cours des années 1980, transformations qui ont généralement mené à un récit davantage centré sur les diversités. On y examine comment les politiques gouvernementales, la construction d’institutions universitaires, l’augmentation de l’interdisciplinarité, les nouveaux modèles d’expérience individuelle et collective et de nouveaux discours identitaires régionaux et nationaux ont joué un rôle dans ces transformations. On avance que les Canadiens sont sans doute particulièrement bien placés pour montrer la voie dans l’étude de la façon dont plusieurs récits et « esthétiques souveraines » peuvent coexister.