Circuit
All articles in this journal are selected through a peer review process.
Musiques contemporaines
Volume 34, Number 2, 2024 Création musicale participative Guest-edited by Terri Hron
Table of contents (13 articles)
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Introduction. Terrains de jeux – les musiques de création participative
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La création participative : une aire d’écoute et de jeu
Emmanuelle Lizère
pp. 11–23
AbstractFR:
Proposer des espaces de création musicale participative et accompagner différents publics dans l’émergence de leur propre expression est un engagement social important pour/dans la communauté. La mise en place de tels projets implique la prise en considération de différents paramètres artistiques et relationnels ayant un impact sur les participants.
En s’appuyant sur différentes expériences et plusieurs contextes artistiques, nous proposons d’analyser les enjeux inhérents à la réalisation de tels projets, au niveau de la question de l’écoute, de l’identité sonore et du concept d’espace de créativité.
EN:
Providing spaces for participatory musical creation and supporting different audiences in the emergence of their own expression is an important social commitment for and in the community. The implementation of such large projects implies the consideration of various artistic and relational parameters that have an impact on the participants.
In drawing on different experiences and artistic contexts, we suggest analysing the issues inherent in the realization of such projects, focusing on the question of attentiveness, sound identity and the concept of creative space.
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Réimaginer la scène Zoom en tant qu’espace crip
Colleen Renihan and Julia Brook
pp. 25–33
AbstractFR:
L’intérêt croissant porté à la question de l’espace dans les études sur le théâtre et la performance a montré que ce même espace est inhéremment politique. Comme nous le rappelle Kim Solga, « il organise nos relations ; il structure nos relations de pouvoir (économique, politique, genré, etc.) » (2019 : 2). L’âge et les capacités ne sont pas mentionnés ici, bien qu’ils soient profondément et de manière critique affectés par la dynamique des espaces, les espaces de performance en particulier. Dans cet article, nous nous concentrons sur les besoins complexes et variés des personnes âgées – une population hétérogène qui ne reçoit souvent pas la considération nuancée qu’elle mérite. Cela est particulièrement vrai en ce qui concerne leur représentation et les possibilités qui leur sont offertes dans les espaces de spectacle. Le spectacle, en particulier dans des genres comme le théâtre musical et l’opéra où les artistes pratiquent plusieurs formes d’art à la fois (chanter et danser, chanter et jouer, etc.), peut être particulièrement excluant pour les corps et les esprits handicapés. En nous appuyant sur des recherches récentes dans le domaine des études sur le handicap et de la voix, nous présentons une approche potentielle pour « décadrer » la scène, en nous basant sur une vaste étude canadienne pluriannuelle qui explore un programme de musique et de théâtre en ligne (basé sur Zoom) pour les adultes plus âgés. En utilisant notre étude de cas, nous examinons cet espace hybride (en direct et hors site) à travers le prisme de l’esthétique du handicap et nous examinons comment ce programme de théâtre musical en ligne pour les adultes plus âgés nous a permis de reconsidérer l’espace handicapé qu’est la performance musicale d’une manière qui a facilité l’accès aux opportunités de création et de performance pour les personnes âgées.
EN:
The spatial turn in theatre and performance studies has shown that space is political. As Kim Solga reminds us, “it organizes our relationships; it structures our relations of power (economic, political, gendered, and more)” (2019: 2). Age and ability are not mentioned here, though they are deeply and critically affected by the dynamics of spaces, performance spaces in particular. In this article, we focus on the complex and varied needs of older adults—a heterogeneous population that is often not given the nuanced consideration they deserve. This is particularly true of their representation and opportunities in performing arts spaces. Performance, especially in genres like music theatre and opera where performers are engaged in more than one art form at a time (singing and dancing; singing and acting, etc.), can be especially excluding of differently abled bodies and minds. Drawing on recent research in disability studies and voice studies, we present one potential approach to “cripping” the stage, drawing on a large, multi-year Canadian study that explores an online (Zoom-based) music and theatre program for older adults. Using ours as a case study, we examine this hybrid (live and off-site) space through the lens of disability aesthetics and consider ways that this online music theatre program for older adults allowed us to reconsider the ableist space that is music performance in a way that facilitated increased access to creative and performance opportunities for those in the community for whom these opportunities had hitherto been inaccessible.
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Community-based music making and music-based community making: The case of the We Are All Musicians (waam) project
Jesse Stewart
pp. 35–50
AbstractEN:
In this essay, percussionist and community arts worker Jesse Stewart discusses his work in the field of participatory creative music through We Are All Musicians (waam), an organization and ongoing research-creation project he started in 2012. waam is dedicated to making music as broadly accessible as possible, particularly among communities that have experienced barriers to making music, notably children and adults living in low-income situations, individuals with disabilities of various kinds, and the elderly. Stewart discusses several participatory creative projects that have resulted from partnerships between waam and community organizations including Regina Street Alternative School (formerly Regina Street Public School) in Ottawa; Being Studio (formerly H’Art of Ottawa); the Alzheimer’s Society of Ottawa, Artswell, the Bruyère Continuing Care Centre in Ottawa, and the National Arts Centre. He goes on to discuss several interactive music/sound installations that he has set up in public spaces to facilitate interactive improvisatory musical interaction across various forms of difference. The essay concludes with a discussion of some waam initiatives that took place online during the covid-19 pandemic, using networked improvisation to facilitate musical interaction and community formation across both difference and distance.
FR:
Dans cet article, le percussionniste et artiste communautaire Jesse Stewart évoque son travail dans le domaine de la musique créative participative par le biais de We Are All Musicians (waam), une organisation et un projet de recherche-création qu’il a lancée en 2012. waam se consacre à rendre la musique aussi largement accessible que possible, en particulier au sein des communautés qui ont rencontré des obstacles pour faire de la musique, notamment les enfants et les adultes vivant dans des situations de faible revenu, les personnes souffrant de divers types de handicaps et les personnes âgées. Stewart évoque plusieurs projets créatifs participatifs issus de partenariats entre le waam et des organismes communautaires, notamment la Regina Street Alternative School (anciennement Regina Street Public School) à Ottawa, Being Studio (anciennement H’Art of Ottawa), la Société Alzheimer d’Ottawa, Artswell, le Centre de soins continus de la Bruyère à Ottawa et le Centre national des Arts. Il revient ensuite sur plusieurs installations musicales et sonores interactives qu’il a mises en place dans des espaces publics pour faciliter l’interaction musicale improvisée au travers des différences de chacun. L’essai se termine par une discussion sur certaines initiatives waam qui ont eu lieu en ligne pendant la pandémie de covid-19, utilisant l’improvisation en réseau pour faciliter l’interaction musicale et la formation de communautés au-delà des différences et de la distance.
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Vers une « pluriversité » inspirée de la musique participative
Lukas Pairon
pp. 51–57
AbstractFR:
Cet article présente la nécessité de développer des recherches critiques sur la pratique musicale participative, à travers une présentation des initiatives dont l’auteur est fondateur : le réseau international de chercheurs simm, ainsi que la Chaire Jonet de l’Université de Gand. Il adopte dans cet article la notion de « pluriversité » – décrite par l’anthropologue américano-colombien Arturo Escobar – et développe à partir de quelques exemples comment les bâtisseurs de ponts que sont les facilitateurs de projets participatifs de musique pourront nous aider à imaginer la réalisation d’un monde composé d’une multiversité de mondes.
EN:
This article outlines the need for a critical research-based approach to participatory musical practice by presenting the initiatives the author has founded: the simm international network of researchers, and the Jonet Chair at Ghent University. In this article, the author adopts the notion of ’pluriversity’, as described by the American-Colombian anthropologist Arturo Escobar, and gives examples of how bridge-building facilitators of participatory creative music projects, can help us imagine the creation of a world made up of a multiversity of inner worlds.
Dossier Fonofone
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Fonofone, transmettre au suivant
Yves Daoust
pp. 59–65
AbstractFR:
Lors de son séjour au Groupe de musique expérimentale de Bourges (gmeb), Yves Daoust a eu l’occasion d’assister aux ateliers de création donnés par les médiateurs du groupe auprès de jeunes écoliers. Plusieurs années plus tard, c’est en se remémorant cette expérience qui l’avait marqué que le compositeur accepta avec enthousiasme l’invitation de la smcq à développer une lutherie permettant d’ouvrir les jeunes aux musiques de création. Avec ses collaborateurs, il inventera d’abord un instrument hardware nommé « musicolateur », puis développera une version software pour la tablette iPad, le « Fonofone ». Sans totalement renoncer à la composition pure, Yves Daoust, souhaitant voir s’instaurer une nouvelle approche de la musique à l’école fondée sur la créativité, consacre depuis 20 ans l’essentiel de son travail à concevoir en parallèle aux outils des propositions d’activités ouvertes de création que les jeunes s’approprient, et à propager auprès des enseignant.es cette nouvelle approche de la musique à l’école.
EN:
During his stay at the Groupe de musique expérimentale de Bourges (gmeb), Yves Daoust had the opportunity to attend creative workshops given by the Groupe’s mediators to young students. Fond of that experience, many years later, he accepted the smcq’s invitation to develop a lutherie that would help open young people up to music creation. With his collaborators, he invented a hardware instrument known as the “Musicolator,” then a software version for iPad called the “Fonofone.” However, Daoust didn’t abandon ’pure’ composition entirely and commits to propose a new creative-based approach to music in schools. He has been focusing most of his time for the past 20 years to the development, alongside the tools, of open creative activities that young students and teachers can adopt.
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En lueur : lorsque créer ensemble permet de dévoiler l’unicité de nos reflets
Véronique Girard
pp. 66–74
AbstractFR:
Dans ce texte, Véronique Girard explore son processus de création et de médiation autour de Fonofone. Elle met en lumière son approche sensorielle et participative de la musique, cherchant à créer des liens entre les individus et le son. L’utilisation de Fonofone comme instrument et outil de création lui permet d’intégrer le mouvement et la voix dans ses compositions, favorisant ainsi une expression intuitive et authentique. Elle insiste sur l’importance tant de la connexion que de la communication dans la cocréation, utilisant l’application comme un moyen de synchronisation et de partage d’idées. L’autrice présente également différentes manifestations de son travail avec Fonofone, allant de performances collectives à des créations spatiales et visuelles, reflétant ainsi sa vision d’une création participative et inclusive célébrant l’expérience partagée à travers le son.
EN:
In this text, Véronique Girard explores the process of creation and mediation around Fonofone. She highlights her sensory and participatory approach towards music as she seeks links between individuals and sound. Using Fonofone as an instrument and creative tool allows her to integrate movement and voice into her compositions, encouraging intuitive and authentic expression. She stresses the importance of both connection and communication in co-creation, using the application as a way of synchronizing and sharing ideas. The author also presents various manifestations of her work with Fonofone, from collective performances to spatial and visual creations, that reflect her vision of a participative and inclusive creation that celebrates shared experience through sound.
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Autre chose
Benoît Côté
pp. 75–79
AbstractFR:
Texte en forme de plaidoyer pour une réforme en profondeur de la pédagogie musicale, surtout pour ce qui a trait à la création sonore. L’auteur décrit ce qu’il juge être l’inactualité et l’aspect désuet du cursus traditionnel de la pédagogie musicale et comment l’observation de ces manquements fût une source de motivation importante pour le développement de l’outil numérique d’initiation à la création sonore Fonofone. S’en suit une description de l’approche de Fonofone, de sa mission et de comment l’application peut contribuer à une bonification de la pédagogie musicale.
EN:
A text in the form of a plea for an in-depth reform of music pedagogy, especially in terms of sound creation. The author describes what he considers to be the inactivity and outdatedness of the traditional music pedagogy curriculum and how the observation of these shortcomings is a major source of motivation for the development of the Fonofone digital tool for initiation into sound creation. This is followed by a description of Fonofone’s approach, its mission and how the application can contribute to improving music education.
