FR:

Les orchestres professionnels sont devenus des boucs émissaires dans les critiques postcoloniales de l’iniquité dans l’écosystème artistique canadien. L’orchestre, plus que toute autre structure de musique classique occidentale, garde le sens de la domination eurocentrique continue de la forme (y compris du comportement) et le coût fiscal corollaire nécessaire à son maintien. D’un point de vue perceptif, la forme et le coût des orchestres – lorsqu’ils sont comparés à des structures non occidentales – existent aux dépens d’autres pratiques musicales, une situation problématique compte tenu de la démographie ethnoculturelle canadienne actuelle.

Dans cet article, l’auteure revient sur le rapport d’équité 2019 qu’elle a coécrit pour Orchestres Canada. Elle utilise l’autoréflexion pour se situer en tant que bénéficiaire du système orchestral, en tant que Canadienne racialisée et en tant que critique culturelle. Elle s’appuie ensuite sur cette multivalence pour analyser les questions sociales et éthiques qui préoccupent actuellement les orchestres canadiens, soit la résurgence autochtone et la prise en compte des colons, les différentes relations avec la colonialité et la problématique de la valeur culturelle dans le cadre du multiculturalisme légal et de la démocratie libérale.

EN:

Professional orchestras have become scapegoats in postcolonial critiques of inequity in the Canadian arts ecosystem, with the orchestra, more than any other Western classical music structure, signifying continued Eurocentric dominance of both form (including behaviour) and the corollary fiscal cost required to maintain it. Perceptually, the form and cost of orchestras—when weighed against the non-Western—exist at the expense of other musical practices. This is problematic given current Canadian ethnocultural demographics.

In this article, the author revisits the 2019 equity report she co-wrote for Orchestras Canada. She uses self-reflection to situate herself—as beneficiary of the orchestral system, as a racialised Canadian, and as a cultural critic. She then draws on this multivalence to parse social and ethical issues currently troubling Canadian orchestras: Indigenous resurgence and settler reckoning; differing relationships to coloniality; and the problematics of cultural value within the framework of legal multiculturalism and liberal democracy.

FR:

La domination est le plus souvent comprise du point de vue du dominant plutôt que de celui du dominé . Le système occidental eurocentrique et sa narratocratie, à partir desquels la composition contemporaine a évolué, nécessitent un changement significatif. Ce basculement vers la décolonisation est essentiel si l’on veut favoriser une vision du monde plus inclusive et transformer la narratocratie existante. La transformation des institutions exige un virage profond vers la décolonisation et l’indigénisation. Cette réorientation, soutenue par une nouvelle vision du monde, est cruciale dans la promotion de l’inclusivité et l’opposition de la narratocratie actuelle. Les pratiques artistiques, y compris les compositions contemporaines, sont enracinées dans les traditions et normes du passé. Cela peut se justifier en ce qui concerne les méthodes et pratiques, mais ne peut s’appliquer aux traditions socioculturelles et aux préoccupations actuelles visant à contrer les biais culturels dominants, comme la décolonisation.

Le Conseil consultatif autochtone (CAA) du Centre de musique canadienne est une organisation qui cherche à réconcilier les oeuvres ignorant les protocoles autochtones et portant préjudice aux peuples par des représentations erronées. Par ces actions, le CAA vise à offrir des perspectives sur des méthodes décolonisées pour engager les cultures autochtones de manière respectueuse et réciproque. Les traditions musicales occidentales, fondées sur l’exploitation des chants populaires pour l’expression créative, ont permis à des compositeurs tels que Léo-Pol Morin, John Jacob Weinzweig, et Edward MacDowell, entre autres, de s’approprier et d’utiliser des chants autochtones sans se soucier des effets sur les peuples autochtones et leur culture. Les enregistrements ethnographiques et l’absence de collaboration avec les autochtones lorsqu’il est question de leur culture et leur musique illustrent ces pratiques extractives historiques. Ces méthodes persistent encore aujourd’hui, augmentant un catalogue de compositions basées sur des thèmes autochtones qui continuent de causer du tort aux peuples autochtones.

En tant que compositeurs, nous pouvons représenter le changement par des actions menées indépendamment des institutions. Accepter les points de vue exprimés par les peuples autochtones dans la société contemporaine offre un moyen de renoncer au contrôle systémique sur l’expression artistique en musique. Les moyens d’y parvenir reposent largement sur l’adoption de méthodologies cycliques basées sur les modes de connaissance et de pratique autochtones. L’inspiration ne doit plus être tirée de la musique autochtone elle-même, mais d’une compréhension de la coexistence et de l’harmonie avec les peuples autochtones.

EN:

Dominance is most often understood from the dominant’s perspective rather than that of the dominated. The Eurocentric Western system’s narratocracy, from which contemporary composition has evolved, is in need of a significant shift. This shift towards decolonization is crucial in fostering a more inclusive worldview and transforming the existing narratocracy. The transformation of institutions necessitates a profound shift towards decolonization and indigenization. This reorientation, fostered by an altered worldview, is crucial in promoting inclusivity and countering the existing narratocracy. Artistic practices, which include contemporary compositions, are rooted in the traditions and norms of the past. This is understandable regarding method and practice but can not apply to sociocultural traditions and present-day concerns that aim to counteract dominant cultural biases such as decolonization.

The Canadian Music Centre’s Indigenous Advisory Council (IAC) is one such organization that aims to reconcile works that ignore Indigenous protocols and cause harm to the people through misrepresentation. Through these actions, the IAC aims to provide insight into decolonized methods for engaging Indigenous cultures in a respectful and reciprocal manner. Since Western musical traditions are built on the method of mining their folk songs for creative expression, composers such as Leo-Pol Morin, John Jacob Weinzweig, and Edward MacDowell et al. felt free to appropriate and use Indigenous songs with no regard for the effects it had on the Indigenous people and their culture. Ethnographic recordings and failure to collaborate with Indigenous people regarding their culture and music. These historical extractive methods and practices are still in place today, resulting in a growing catalogue of compositions based on Indigenous themes that are causing continued harm to Indigenous people. As composers, we can represent change through action as independent institutions. Accepting the stated views of Indigenous people in contemporary society provides a means of relinquishing systemic control over artistic expression in music. The means of achieving this resides heavily in adopting cyclical methodologies based on Indigenous ways of knowing and doing. Through this inspiration is no longer derived from Indigenous music but from an understanding of living with and in harmony with Indigenous people.

EN:

Aleppo is a concerto for the sanxian and Chinese orchestra, by Singaporean composer Wang Chenwei. The work uses Chinese instruments but is written with modes and metrical concepts borrowed from Arabic music and programmatic content based on Aleppo and the Syrian war. While the timbre of the instruments is distinctly Chinese, the composer combines these instruments masterfully and draws on various orchestration techniques to create sounds that evoke the Middle East and the Arabic world such that one almost forgets that none of the instruments are actually Arabic instruments. In a close reading of this piece, combined with spectral analyses of a recording, I endeavour to illustrate how the composer creates the illusion of Arabic music through skillful selection and masterful orchestration techniques.

FR:

Aleppo est un concerto pour sanxian et orchestre chinois du compositeur singapourien Wang Chenwei. L’oeuvre utilise des instruments chinois mais est écrite avec des modes et des concepts métriques empruntés à la musique arabe et un contenu programmatique conçu autour d’Alep et de la guerre syrienne. Bien que le timbre des instruments soit distinctement chinois, le compositeur combine ces instruments de manière magistrale et fait appel à diverses techniques d’orchestration pour créer des sons qui évoquent le Moyen-Orient et le monde arabe, à tel point que l’on en oublierait presque qu’aucun des instruments n’est en fait un instrument arabe. Dans une lecture attentive de cette pièce, combinée à des analyses spectrales d’un enregistrement, l’auteur cherche à illustrer comment le compositeur crée l’illusion de la musique arabe grâce à une sélection habile et à des techniques d’orchestration magistrales.

EN:

This article presents a framework for classifying instrumental timbres, addressing the expanding sonic possibilities in contemporary orchestration and musical practice. As composers move beyond pitch-centered traditions, integrating noise-based effects and extended techniques—new analytical tools become necessary. This study introduces the concepts of metatimbre and paratimbre, structuring and applying them through Metatimbre Classes (MetCs) to categorize timbres based on perceptual similarity rather than instrumental origin or technique. MetCs encompass single-instrument, multi-instrument, or hybrid sources, grouping timbres under musical archetypes such as “flute-like” or “breath-like.” Analyses of György Ligeti’s Kammerkonzert and Helmut Lachenmann’s temA illustrate the framework’s applicability. By shifting the focus from individual instruments and their techniques to broader timbral groupings, this framework provides a structured approach for analyzing and conceptualizing timbre and its functional role in orchestration.

FR:

Cet article présente un cadre de classification des timbres instrumentaux, qui tient compte des possibilités sonores croissantes de l’orchestration et de la pratique musicale contemporaines. À mesure que les compositeurs dépassent les traditions centrées sur la hauteur – en intégrant des effets sonores et des techniques étendues –, de nouveaux outils d’analyse deviennent nécessaires. Cette étude présente les concepts de métatimbre et de paratimbre, les structurant et les appliquant par le biais de classes de métatimbre (MetCs) afin de classer les timbres en fonction de leur similarité perceptive plutôt que de leur origine instrumentale ou de la technique utilisée. Les MetCs englobent des sources mono-instrumentales, multi-instrumentales ou hybrides, regroupant les timbres sous des archétypes musicaux tels que « flûte » ou « souffle ». Les analyses du Kammerkonzert de György Ligeti et de temA d’Helmut Lachenmann illustrent l’applicabilité du cadre. En déplaçant l’attention des instruments et de leurs techniques vers des groupes timbriques plus larges, ce cadre permet une approche structurée pour l’analyse et la conceptualisation du timbre et de son rôle fonctionnel dans l’orchestration.