Volume 50, numéro 1, 2024 Special Issue- Indigenous Perspectives and Art Education/Research/Practice

EN :

Three art educators come together to respond to the work of Sonny Assu, Ligwilda’xw of the Kwakwaka’wakw Nations, who was invited as an artist-in-residence to a graduate seminar on Indigenous visual expression as pedagogy. Engaging with the concepts of Indigenous métissage, diffraction, and a/r/tography, we weave together our personal stories, identities, and practices. We discuss ways to engage in anti-colonial teaching practices that provide openings for students to retrace, reimagine, and reconcile their understandings of Indigenous-settler relations in Canada. Our call to action asks art educators to consider Indigenous métissage as an important diffractive research practice and pedagogical praxis.

FR :

Trois éducatrices en arts se réunissent pour réagir à l’oeuvre de Sonny Assu, Ligwilda’xw du groupe de Nations Kwakwaka’wakw, invité à titre d’artiste-résident à un symposium du cycle supérieur sur l’expression visuelle autochtone en tant que pédagogie. Intégrant les concepts de métissage autochtone, de diffraction et d’a/r/tographie, nous entremêlons nos récits personnels, nos identités et nos pratiques. Nous discutons des modes de mise en oeuvre de pratiques pédagogiques anticoloniales pour offrir aux étudiant.e.s la possibilité de retracer, de réimaginer et de réconcilier leurs perceptions des relations autochtones-colons au Canada. Notre appel à l’action encourage les éducateurs et éducatrices en arts à considérer le métissage autochtone comme une pratique de recherche diffractive importante et comme une praxie pédagogique.

EN :

This paper reflects on an elementary school hoop dance project organized by a white music teacher, taught by an Indigenous hoop dancer, and guided by the Anishinabek goodlife teachings. It suggests that the hoop dance project, and specifically the hoop dancer’s teaching approach, allowed students to experience new, unique, and beneficial learning that engaged the first goodlife teaching: Zaagi’idiwin (love). Furthermore, the experience was a valuable example of Indigenous educational practice, centering relationship and participation. The research argues that current educational realities can impede these best practices and run counter to healthy, holistic and culturally based learning.

FR :

Cet article porte sur un projet de danse du cerceau au primaire conçu par un enseignant de race blanche, enseigné par un danseur du cerceau autochtone et fondé sur les enseignements de vie saine des Anishinabes. Il donne à penser que le projet de danse au cerceau, et plus particulièrement l’approche pédagogique du danseur du cerceau, a permis aux étudiantes et étudiants de découvrir un nouvel apprentissage bénéfique et unique en son genre, faisant appel au tout premier enseignement d’une vie saine : Zaagi’idiwin (amour). Par ailleurs, cette expérience fut un exemple précieux de pratique pédagogique autochtone, axée sur les relations et la participation. La recherche allègue que les réalités pédagogiques actuelles peuvent nuire à ces meilleures pratiques et aller à l’encontre d’un apprentissage sain et holistique, fondée sur la culture.

EN :

Increased professionalism, a powerful art market, and the technological revolution are begging for an overhaul in arts education and museum programming. This paper provides insights into alternative approaches that have emerged over the last fifty years and hints at the urgency for future iterations. During my time as an art professor, I implemented alternatives to today's art schools, such as field schools, free schools, and ek-stitutions. From fourteen years working in Mexico, I learned of social and cultural movements like rural boarding schools, the Free School of Sculpture, and the Intercultural Documentation Centre. Back in Canada, when I was working as a museum educator, my programs were influenced by concepts such as educational turns, participatory programs, museum hacking, and the social work of museums. This paper presents transformative movements in arts education and programming, each with the goal of creating artist citizens ready to participate in a global society.

FR :

Le professionnalisme croissant, un marché de l’art dynamique et la révolution technologique appellent une refonte de l’éducation artistique et de la programmation muséale. Cet article donne un aperçu des approches de rechange qui ont émergé au cours des 50 dernières années et de l’urgence de nouvelles itérations. En tant que professeure d’art, j’ai fait la promotion d’autres types d’école d’art, notamment des stages sur le terrain, des écoles libres et des ekstitutions (désinstitutions). C’est au cours de mes quatorze ans de travail au Mexique que j’ai découvert certains mouvements culturels tels que les internats en zone rurale, l’École de sculpture libre et le Centre de documentation interculturel. De retour au Canada, dans mes fonctions d’éducatrice en milieu muséal, mes programmes furent influencés par des concepts tels que virages pédagogiques, programmes participatifs, hacking muséal et le travail social muséal. Cet article introduit des mouvements transformatifs d’éducation artistique et de programmation ayant pour but de former des citoyennes et citoyens artistes, désireux de contribuer à une société planétaire.

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For five years, Montreal’s Place des Arts has offered an aesthetic education camp in Montreal, in partnership with New York’s Lincoln Center Education, for artists, teachers, and presenters to support their cultural mediation efforts with students. This article reports on a study conducted on this innovative initiative. The results attest to the positive repercussions for the professional practices of the participants. Training in multidisciplinary teams led to the development of a shared vocabulary and the emergence of a community of practice. The findings indicate that cultural initiatives can have a positive impact on both cultural workers and those in education.

FR :

La Place des Arts de Montréal a tenu pendant cinq ans un camp de formation en éducation esthétique, en collaboration avec le Lincoln Center Education de New-York, au profit des artistes, du personnel enseignant et des présentateur.trice.s, afin d’appuyer leurs initiatives de médiation culturelle auprès des étudiant.e.s. Le présent article table sur une étude menée sur cette initiative novatrice. Les résultats confirment les impacts positifs sur les pratiques professionnelles des participant.e.s. La formation au sein d’équipes multidisciplinaires a abouti au développement d’un vocabulaire commun et à l’émergence d’une communauté de pratique. Les résultats démontrent que les initiatives culturelles peuvent avoir un impact positif tant sur les travailleuses et travailleurs culturels que ceux et celles du milieu pédagogique.

FR :

Les résultats d’analyse d’entretiens menés avec des enseignant.e.s en arts visuels, en danse, en musique et en art dramatique ont permis de mieux comprendre leurs perceptions concernant la culture des jeunes et les stratégies pour l’intégrer à leur enseignement. Parmi ces stratégies figurent la pédagogie négociée, le recours à des repères culturels ancrés dans la culture non formelle des élèves et l’aménagement d’espaces de rencontre entre cette culture et la culture transmise à l’école. Cette recherche permet d’enrichir la pratique enseignante de spécialistes en arts du secondaire souhaitant s’actualiser et rejoindre leurs élèves dans la complexité de leurs univers culturels.

EN :

This paper explores the role of artmaking and tactile materials in learning and overcoming “stuckness” (Hage, 2009; Cangia, 2021), a state of discomfort caused by mobility constraints through an autobiographical approach. I explore how the tactile material artmaking processes can generate educational sites, and serve as a pathway to process trauma. The findings of this paper can empower learners to harness the therapeutic potential of artmaking, fostering resilience and growth through the creative process.