EN :

This article uses the CN Tower and Calgary Tower to explore how the architectural form of the tower possesses a number of characteristics we typically associate with media technologies. To appreciate what we call “tower-mediality,” we start first with a brief discussion of the scholarly literature on towers, highlighting that while much is said about towers’ symbolic value, little attention has been devoted to thinking of these forms in material and infrastructural terms. Then we turn to the Canadian towers themselves, asking, first, why they have received so little scholarly attention, before suggesting some points of intersection between architecture and communication research. Finally, we offer three registers—ritual, perspective, and spectacle—by which to explore the mediality of the CN and Calgary Towers. In undertaking this analysis, we attempt to expand the vocabulary available for understanding how towers are platforms that mediate the temporal and spatial elements of civic culture and to invite further considerations of the mediating and communicative work that occurs along the vertical axis.

FR :

Cet article examine la tour du CN et la tour de Calgary afin d'explorer comment la forme architecturale de la tour présente un certain nombre de caractéristiques que nous associons généralement aux technologies des médias. Pour apprécier ce que nous appelons "tour-médialité" nous commençons par une brève discussion de la littérature sur les tours, et nous soulignons que si beaucoup de choses sont dites sur la valeur symbolique des tours, peu d'attention a été consacrée à la pensée de ces formes en termes matériels et infrastructurels. Ensuite, nous nous tournons vers les tours canadiennes elles-mêmes, en nous demandant, premièrement, pourquoi elles ont reçu si peu d'attention de la part des chercheurs, avant de suggérer quelques points d'intersection entre la recherche en architecture et en communication. Enfin, nous offrons trois thèmes—rituel, perspective et spectacle—pour explorer la médialité des tours du CN et de Calgary. Nous essayons d'élargir le vocabulaire disponible pour comprendre comment les tours sont des plates-formes qui servent d’intermédiaires entre les éléments temporels et spatiaux de la culture civique et pour inviter d'autres considérations du travail de médiation et de communication qui se produit le long de l'axe vertical.

EN :

Terraforming, or planetary engineering, is a speculative domain of activity entertaining colonial solutions to extreme disaster and systemic crises in the age of spatial exploration. Since the 1940s, terraforming has provided an extremely fertile playground for science fiction writers, whose terraformed worlds have blown up to planetary dimensions the historical and narrative contours of a novelistic tradition born at the beginning of the eighteenth century on Robinson Crusoe’s island. It is my contention that the speculative existence of terraformed worlds is always already informed by a cultural memory of oikos—the inhabited world. No less experimental in tone and intent than terraforming itself, this paper seeks to transform terraforming into a critical tool in visual culture: a mode of handling texts and images whose temporal parameters exceed that of traditional historiography.

FR :

La biosphérisation, ou terraformation, désigne le domaine d’activité scientifique qui se donne comme objectif d’imaginer des solutions coloniales à des désastres extrêmes et à des crises systémiques à l’âge de l’exploration spatiale. Depuis les années 1940, les mondes terraformés sont au cœur >de l’écriture de science-fiction, où ils donnent une nouvelle dimension à cette histoire du roman initiée au début du dix-septième siècle sur l’île de Robinson Crusoé sous les traits d’un projet colonial. En ce sens, l’existence des mondes terraformés, bien que spéculative, est toujours déjà enrichie d’une mémoire culturelle de l’oikos—le monde habité. L’argument poursuivi dans cet article, lui-même de forme expérimentale, cherche à transformer la notion de biosphérisation en un outil critique qui servira à approcher et assembler un ensemble de textes et d’images dont les ramifications temporelles excèdent leurs cadres historiques.

EN :

“This is me” we tend to say about photographs of ourselves—which is remarkable given that the image with which we identify is a two-dimensional visual taken from a very specific moment in our past. And yet the image is interpreted as an icon or an index of our present being. The problem of seeing similarity where there is difference seems to be increasing with the rise of hobby models—a niche demographic made up of mostly women between the age of 16 and 40, who enjoy posing for the camera even if they aren’t getting paid for it. This paper investigates the social and psychological motivations behind hobby modelling in the German-speaking context.

FR :

«C’est moi», tendance à dire à propos des photographies de nous-mêmes, ce qui est étonnant étant donné que l'image n'est qu'une version à deux dimensions prise à un moment précis de notre passé. Et pourtant, l'image est interprétée comme une icône ou une référence de notre présent. Le problème du rapport à l'image semble s'accentuer avec la montée en puissance des modèles-photo qui s'exercent comme hobby – principalement pour des femmes âgées de 16 à 40 ans, qui aiment poser pour la caméra même si elles ne sont pas rémunérées. Cet article examine les motivations sociales et psychologiques du passe-temps de mannequin dans le contexte germanophone.

EN :

Originating in the late 19th century, the airbrush spray gun was widely used in the mid-20th century as a photo retouch tool in advertising, while it contributed to the introduction of Photorealism in the early 1970s. The “LA scene” of the same decade popularized airbrush art through masterful illustrations. Using a variety of different representations, the 1980s airbrush art became the distinctive postmodern popular style of the decade, especially through the publication and distribution of posters and postcards, as well as in advertising. Although the 1990s saw its decline, in the late 2000s the 1980s airbrush art seems to be resurgent thanks to the Internet, providing an escapist narrative for the post-2007-2008 financial crisis landscape.

FR :

Apparu à l’origine vers la fin du XIXe siècle, l’aérographe a été largement utilisé au milieu du XXe siècle comme un outil de retouche photo dans la publicité, tout en contribuant à l’introduction du Photoréalisme au début des années 1970. Dans la même décennie, la “scène L.A.” a popularisé l’art de l’aérographie au travers d’illustrations magistrales qui ont déployé divers thèmes artistiques. À l’aide d’une variété de représentations différentes, l’art aérographe des années 1980 est devenu le style populaire postmoderne distinctif de la décennie. Notamment, on le reconnaît dans la publication et la distribution d’affiches ou de cartes postales, ainsi que dans la publicité. Bien que les années 1990 aient été témoins de son déclin, l’art de l’aérographie des années 1980 semble maintenant resurgir de l’oubli grâce à Internet, fournissant un lieu d’évasion dans le paysage de crise financière post-2007-2008.

EN :

This paper explores the biopolitics both implicit and explicit in Mamoru Oshii’s film duology Ghost in the Shell. The prostheticization of life for Major Motoko Kusanagi is based upon an objectification of a cyborg self enabled and literalized through technology that is also a (mis)representation that conflates the biological self and technological self, and Oshii further problematizes this representation with the complication of the commodification and trafficking of posthuman lives, explicitly examined in more critical detail in the second film, Ghost in the Shell 2: Innocence. In other words, Oshii arguably imagines the extreme end of biopower in a posthuman world as human trafficking structured by a globalized political economy.

FR :

Cet article explore la biopolitique implicite et explicite dans la duologie de films de Mamoru Oshii Ghost in the Shell. La prothésisation de la vie pour le Major Motoko Kusanagi est basée sur une objectivation d'un cyborg habilité et littéraire à travers la technologie qui est aussi une présentation déformée qui confond le soi biologique et technologique, et Oshii probématise encore cette représentation avec la complication de la marchandisation et le trafic de vie posthumaines, examinés explicitement dans des détails plus critiques dans le deuxième film, Ghost in the Shell 2: Innocence. En d'autres termes, on peut avancer que Oshii imagine la fin extrême du biopouvoir dans un monde posthumain comme un trafic humain structuré par une économie politique mondialisée.

EN :

This article addresses the intersections of water, extraction, and environmental justice through a consideration of sound in contemporary artworks by Ruth Beer, Rebecca Belmore, and Mia Feuer. Qualities of sound have been tied to environmental studies and assessment for decades, but these artists consider audio-visual and immersive situations that foster the ability to listen amidst ecological complexity.

FR :

Cet article examinera l’intersection des questions de l’eau, de l’extraction et de la justice environnementale à travers l’étude du son dans les créations artistiques contemporaines de Ruth Beer, Rebecca Belmore et Mia. Feuer. Depuis des décennies, les qualités du son ont été liées aux études et mesures environnementales, mais ces artistes s’intéressent à des situations audio-visuelles et immersives qui fournissent la capacité d’écouter dans un contexte écologique complexe.

EN :

Susan B. Anthony declared in 1896 that the bicycle “has done more to emancipate women than anything else in the world.” The comparative study of Whale Rider (2002) and Wadjda (2012) demonstrates that this liberating effect of the basic tool of transportation is being reinforced in the new millennium. The analysis further situates two contemporary women filmmakers, Niki Caro from New Zealand and Haifaa Al Mansour from Saudi Arabia, within the growing global network Patricia White identifies, in Women’s Cinema, World Cinema (2015), as crucial for the improvement of female directors’ conditions in a global film industry.

FR :

Susan B. Anthony a déclaré en 1896 que la bicyclette « a fait plus pour émanciper les femmes que toute autre chose dans le monde ». L’étude comparative de Whale Rider (2002) and Wadjda (2012) démontre que cet effet libérateur de l’outil de base des transports se renforce au cours du nouveau millénaire. De plus, l’analyse situe deux cinéastes contemporaines, Niki Caro de Nouvelle-Zélande et Haifaa Al Mansour d’Arabie Saoudite, au sein du réseau mondial en croissance que Patricia White identifie, dans Women’s Cinema, World Cinema (2015), comme crucial pour l’amélioration des conditions des réalisatrices dans une industrie cinématographique mondiale.

EN :

This article confronts mainstream discourses about poverty and inner city poor neighbourhoods. It argues that the ways that poverty and poor inner city neighbourhoods are made publicly known in writing and through visual representations present problems such as overpowering structural causes of health and illness, reifying false dichotomy of us and them, and normalizing people living in poverty or working poor people as de facto vulnerable. This can happen when the social relations that govern poverty and sustain human suffering eschew the social relations that produce these experiences. Taking these relations as the objects of analysis, this article focuses sociologically on the Dundas/Sherbourne neighbourhood in Toronto, Canada, as the terrain of inquiry. The aim here is to contribute to analyses of the political, social, and economic determinants of health as well as to critiques of bad-neighbourhood and bad decision discourses. To do this, it bridges visual practice with critical social analysis: drawing together the authors’ individual practices as visual artists, marshaling their social positions as residents of the adjacent St. James Town neighbourhood, and sharing their experiences of the Dundas/Sherbourne area. They employ insights from sensory ethnography and street photography to offer an alternative source of knowledge about the poor inner city that contrasts and contests mainstream ways of knowing these same spaces.

FR :

Cet article conteste les discours populaires sur la pauvreté et les quartiers défavorisés. Il estime que la manière dont la pauvreté et les quartiers désavantagés sont rendus publics par écrit et dans les représentations visuelles est problématique car ces perspectives font disparaitre les déterminants structuraux de la santé et de la maladie, renforcent l’altérité et normalisent les personnes défavorisées comme étant vulnérables. C’est notamment le cas lorsque les relations sociales qui régissent la pauvreté et entretiennent la souffrance humaine sont laissées de côté. En prenant ces relations comme l’objet d’analyse, cet article se concentre, d’un point de vue sociologique, sur le quartier Dundas/Sherbourne à Toronto au Canada comme terrain d’enquête. L’objectif est d’apporter notre contribution aux analyses des déterminants politiques, sociaux et économiques de la santé et aussi aux critiques des axes de réflexion du style mauvaise décision et mauvais quartier. Pour ce faire, l’article relie la pratique visuelle à l’analyse sociale critique : en unissant les pratiques individuelles de ses auteures en tant qu’artistes visuelles, en mettant à profit les positions sociales de ces dernières en tant que résidentes du quartier voisin de St James Town et en partageant les expériences de la vie du quartier Dundas/Sherbourne de ses auteures. L’analyse s’est constituée à l’aide de l’ethnographie des senses et de photographies de rue, et offre une source de connaissance alternative sur les quartiers défavorisés qui contraste et qui conteste les manières traditionnelles de connaitre ces mêmes espaces.