Volume 23, Number 2, Fall 2022 Résonances actuelles

FR:

Hits for HIIT est un projet novateur à travers lequel ses deux concepteurs, à la fois professeur·es-chercheur·ses-créateur·trices en musique et sportif·ves, offrent des musiques spécialement conçues pour l’entraînement par intervalles à haute intensité, communément appelé le HIIT (High Intensity Interval Training). Dans cette forme d’entraînement, la musique occupe une place importante : la majorité des études visant à identifier ce qui accroît les bénéfices de l’entraînement par intervalles ont démontré que les pratiquant·es étaient plus performant·es en écoutant de la musique, avec ou sans paroles (Sanchez et collab. 2013), notamment parce qu’elle motive et génère des émotions positives (Karageorghis 2017; Laukka/Quick 2011). Les recherches jusqu’ici réalisées dans les relations entre musique et sport ont été principalement menées dans le domaine de la psychologie du sport (Stork et collab. 2015; Terry/Karageorghis 2011). Elles ont mis de l’avant que le fait d’écouter de la musique pendant l’exercice augmente l’affect positif, réduit l’effort perçu, retarde la fatigue, améliore la motivation, permet de maintenir le rythme cardiaque au maximum et conduit à une productivité accrue (Stork et collab. 2015; Terry/Karageorghis 2011). Pour identifier les mécanismes utilisés permettant d’expliquer, d’un point de vue psychologique, les avantages de la musique lors de l’exercice, les kinésiologues ont mis en évidence les qualités rythmiques, mélodiques et extra-musicales (ce qu’elles évoquent) de ces musiques (Karageorghis et collab. 1999), sans toutefois considérer d’autres paramètres tout aussi importants qui nécessiteraient une analyse, cette fois, musicologique : mélodie, harmonie, performances instrumentales et vocales (le cas échéant), paramètres technologiques tels que le niveau sonore et la sonie (loudness), la réverbération, l’écho, ou encore la modification du timbre (Lacasse 2010a, 152-155). À l’heure actuelle, ces musiques, toutes sélectionnées par les pratiquant·es pour leur effet sur leur propre état émotionnel, ne permettent pas de donner une suite logique et évolutive aux différentes phases d’un HIIT. Nous proposons de combler cette lacune à travers Hits for HIIT.

EN:

Hits for HIIT is an innovative project developed by two musicologists who are also active athletes. It offers original music compositions specifically designed for High Intensity Interval Training (HIIT). Music plays a crucial role in enhancing performance during HIIT by boosting motivation and creating positive emotional states. While most studies on the relationship between music and sports stem from sport psychology, this project proposes a musicological approach to better understand and design music adapted to the various phases of HIIT sessions. The research integrates rhythmic, melodic, harmonic, and technological parameters to produce tailor-made tracks that evolve progressively and support the physical and emotional rhythm of the workout. Hits for HIIT also aims to fill a gap in the current music offer for athletic training by producing stylistic pastiches that can be used freely, with built-in sound signals marking activity and rest intervals. Ultimately, the project combines music creation, athlete feedback, and perceptual analysis to optimize training experiences through music.

FR:

Cet article présente une analyse du rythme aksak dans l’opéra Svadba (Mariage) pour six voix de femmes a cappella, de la compositrice montréalaise Ana Sokolović. Composé en 2011, Svadba dépeint les origines serbes de la compositrice à travers l’influence du folklore balkanique, exprimé par la richesse des couleurs et la complexité des rythmes, dont le rythme aksak, un élément distinctif de la musique balkanique. Après une mise en contexte de la genèse de l’opéra, les différentes propriétés du rythme aksak sont démontrées à l’aide de terminologies et de théorisations tirées de la littérature antérieure sur le sujet, notamment par Béla Bartók (1981 [1938]), Constantin Brăiloiu (1951), Jérôme Cler (1994, 1997) et Simha Arom (2004), et sont illustrées par des représentations visuelles inspirées des travaux de Godfried Toussaint (2019). L’article examine comment Sokolović revisite ce rythme issu de la musique traditionnelle dans un contexte de musique contemporaine, par exemple en utilisant des transformations sérielles fréquemment employées avec les hauteurs de notes. L’analyse aborde plus spécifiquement les manières dont Svadba incorpore le rythme aksak dans des passages tirés de la scène 1, « Girlfriends sing to Milica », et dans la section « Dance » de la troisième scène, « Love Suit ». L’irrégularité rythmique est observée à la fois dans des tempos lents et rapides, ce qui montre que le rythme aksak conserve ses qualités asymétriques dans différents contextes, ce qui est sujet à débat dans la littérature scientifique. Dans cet article, l’autrice se penche également sur les effets musicaux et expressifs occasionnés par l’utilisation du rythme aksak dans des scènes spécifiques de l’opéra, ainsi que sur l’interaction entre musique traditionnelle et musique contemporaine.

EN:

This article presents an analysis of the aksak rhythm in the opera Svadba (wedding) for six women’s voices a cappella, by the Montreal composer Ana Sokolović. Composed in 2011, Svadba depicts the composer’s Serbian origins through the influence of Balkan folklore, expressed in the richness of colors and complexity of rhythms, particularly the aksak rhythm, a distinctive element of Balkan music. Following a contextualization of the opera’s genesis, the various properties of the aksak rhythm are demonstrated using terminologies and theorizations drawn from previous literature on the subject, including by Béla Bartók (1981 [1938]), Constantin Brăiloiu (1951), Jérôme Cler (1994, 1997) and Simha Arom (2004), and are illustrated with visual representations inspired by the work of Godfried Toussaint (2019). The article examines how Sokolović revisits this rhythm derived from traditional music in a contemporary music context, for example by using serial transformations frequently employed in pitch analysis. More specifically, the analysis demonstrates how Svadba incorporates the aksak rhythm in passages taken from scene 1, “Girlfriends sing to Milica”, and in the “Dance” section of the third scene, “Love Suit”. Rhythmic irregularity is observed in both slow and fast tempos, showing that the aksak rhythm retains its asymmetrical qualities in different contexts, a point of debate in the scientific literature. In this article, the author also examines the musical and expressive effects of using the aksak rhythm in specific operatic scenes, as well as the interaction between traditional and contemporary music

FR:

Soutenu par une atmosphère languissante, le mal être prégnant sur lequel se focalise la musique de PNL découlerait d’un détachement collectif qu’induirait le sentiment de marginalisation des membres du groupe. Leur esthétique rapologique se construit à partir d’un imaginaire des bas-fonds issu d’un contexte hexagonal contemporain. Le médium artistique inédit que compose le rap se forme à partir d’une triple dimension : discursive, musicale et littéraire. Faisant partie intégrante de son oeuvre et dépendant de son identité, l’ethos du rappeur oriente son discours et l’affirme face à un ou des adversaires. Par l’élaboration du « je » rapologique, la représentation de l’espace, l’intertextualité et la forme langagière, PNL produit une énonciation empreinte d’une oralité forte et tributaire d’un « nous » contre un « eux ». Du fait de cette dynamique agonistique, les textes du groupe traduiraient la quête émancipatrice des sujets confrontés à un état de misère socioculturel duquel ils tentent de s’expurger. La posture autarcique prise par les rappeurs serait le témoignage le plus probant de la recherche de cette souveraineté.

EN:

PNL focuses on a pervasive sense of malaise as well as individual and collective detachment, supported by a languid atmosphere. Their rap aesthetics is built from an underworld imaginary rooted in a contemporary French context. The unique artistic medium that is rap takes shape through a threefold dimension: discursive, musical, and literary. As an integral part of their work and dependent on their identity, the rappers’ ethos shapes and asserts their discourse against one or more adversaries. Through the construction of the rapological “I,” space, intertextuality, and linguistic form, PNL produces an enunciation marked by a strong sense of orality, one which relies on a “we” vs “them” opposition. The cultural struggle towards which the main components of their work converge reflects its agonistic dynamic.

FR:

Partant du constat initial d’une inégale programmation de compositeurs et compositrices de musique classique et contemporaine sur les scènes nationales françaises, cet article s’attache à interroger les raisons de l’éviction encore tenace des compositrices des sphères professionnelles de promotion de leurs oeuvres.

Il emprunte aux féministes matérialistes françaises la méthodologie d’analyse des rapports de pouvoir entre les sexes à l’aune des caractéristiques du secteur culturel et présente ainsi plusieurs hypothèses permettant d’appréhender les raisons de la quasi-absence des compositrices des programmations culturelles françaises au cours de la dernière décennie ; articulant ainsi la pensée matérialiste et les analyses des sociologues de la musique. Considérant dans un premier temps la prégnance statistique des violences sexistes et sexuelles dont les femmes sont les principales victimes, y compris dans le cadre conjugal, il est question de mesurer l’incidence inévitable de ces violences sur la construction des carrières de compositrices, postulant que les conséquences psychotraumatiques des violences subies entravent inévitablement les trajectoires professionnelles des femmes et demeurent aujourd’hui encore un angle mort de la littérature scientifique concernant les compositrices. Enfin, à rebours des discours de sens commun, cet article soutient que la prégnance de stéréotypes sexistes ou encore les lacunes en matière d’éducation ne peuvent à elles seules suffire à expliquer l’inertie dans laquelle se trouvent les compositrices contemporaines aujourd’hui en France.

EN:

Noticing the uneven line-up of male and female classical and contemporary music composers on the french national stages, this article questions the stubborn exclusion of female composers from the professional spheres and the promotion of their work. This paper draws from the French materialist feminists their analysis of the balance of power between the sexes in the light of the cultural area’s characteristics, and presents hypotheses to explain the near absence of female composers in the cultural line-up of the last decade in France; therefore bringing together both materialist ideas and musical sociologists’ analysis.

Considering first the statistical weight of sexist and sexual violence against women, including domestic violence, the goal is to determine the inevitable repercussions of theses violences on female composers’ carreers, supposing that the psychotraumatological repercussions unavoidably hinder women’s professional carreers, and are still a dead angle of female composers literature. Finally, in reverse to common sense discourses, this article argues that the force of sexist stereotypes, or the lack of education, are not enough to explain the inertia of the current situation for female composers in France.

FR:

L’article analyse la structure narrative et musicale du film Dragons de DreamWorks, en mettant en lumière les mécanismes favorisant sa cohérence interne. L’hypothèse principale repose sur l’idée que cette cohérence structurelle renforce la prévisibilité et la mémorisation de l’oeuvre par le public. À travers une approche intégrant la neuroscience, l’étude examine en particulier le thème central du vol et de l’amitié, dont le traitement par le compositeur John Powell assure une parfaite synergie entre musique et narration. L’analyse des scènes clés, telles que « Test Drive » et « Forbidden Friendship », révèle une organisation musicale qui soutient et intensifie le récit. Les résultats suggèrent que Dragons s’appuie sur des principes structurels solides, garantissant une unification du discours narratif et musical.

EN:

The article analyzes the narrative and musical structure of DreamWorks’ How to Train Your Dragon, highlighting the mechanisms that foster its internal coherence. The main hypothesis is based on the idea that this structural coherence enhances the work’s predictability and memorability for the audience. Through an approach that integrates neuroscience, the study specifically examines the central theme of flight and friendship, whose treatment by John Powell ensures a perfect synergy between music and narrative. The analysis of key scenes, such as Test Drive and Forbidden Friendship, reveals a musical organization that supports and intensifies the story. The results suggest that How to Train Your Dragon relies on solid structural principles, ensuring the unification of both narrative and musical discourse.