Number 62, Fall 2017 L’informe théâtral Guest-edited by Sylvain Lavoie and Anne-Marie Ouellet

FR:

L’idée d’informe que développe Georges Bataille dans les années 1920, en marge du mouvement surréaliste et en lien avec lui, relève de ce qu’on pourrait assimiler à une poétique de l’inexprimé. Il n’existe pas d’illustrations satisfaisantes ni de définition claire de l’informe chez Bataille, mais les questions qu’il soulève sont fondamentales et touchent au coeur même des processus de création. L’une des hypothèses que défend « De l’informe de Bataille à l’excommunication de Galloway : perspectives intermédiales sur le théâtre du Long XX^e siècle » est que cette quête de l’informe pourrait être un des facteurs qui provoquent les dynamiques de remédiation décrites par Bolter et Grusin (1999). Toutefois, les ultimes avancées en intermédialité et, plus largement, dans le champ de la pensée de la médiation, ouvrent d’autres perspectives, qui transcendent la logique communicationnelle traditionnelle. L’informe relèverait donc plutôt de ce que Galloway (2013) appelle l’excommunication.

EN:

The idea of inform, developed by Georges Bataille in the 1920s on the fringes of the surrealist movement and linked with it, is based on what might be assimilated into a poetics of the unexpressed. Bataille’s work contains neither satisfactory illustrations nor a specific definition of inform, but the issues he raises are fundamental and go to the very heart of the creative process. One of the hypotheses put forth in « De l’informe de Bataille à l’excommunication de Galloway : perspectives intermédiales sur le théâtre du Long XX^e siècle » is that this quest for inform could be one of the factors that provoke the remediation dynamics described by Bolter and Grusin (1999). However, the latest advances in intermediality and, more broadly, the field of mediation thought, open up other perspectives that transcend traditional communication logic. Bataille’s inform would thus be more a matter of what Galloway (2013) calls excommunication.

FR:

Daniel Danis et Dany Boudreault placent une singulière activité poétique au coeur de leurs recherches théâtrales. Elle se déploie tant dans leurs écritures que sur les scènes qu’ils investissent dans La trilogie des flous, spectacle écrit, mis en scène et interprété par Danis en 2008, et dans (e), écrit, mis en scène et interprété par Boudreault en 2013. Cette activité poétique valorise les processus de création, tout en les partageant de façon accrue avec lecteurs et spectateurs. Ces expériences théâtrales sont étudiées selon une approche intermédiale pour être saisies dans le mouvement qui les caractérise et qui rend leur dimension informe si fertile.

EN:

Daniel Danis and Dany Boudreault place a singular poetic activity at the heart of their theatrical practice. This activity is observed in their writings and when they perform on stage, especially in their dramatic works La trilogie des flous, which was written, staged and performed by Danis in 2008, and (e), written, staged and performed by Boudreault in 2013. Their poetic activity enhances the creative processes, which are shared more intensively with readers and spectators. This article uses an intermedial approach to examine these theatrical experiments in order to understand the underlying movement that characterizes them and renders their inform components so productive.

FR:

En 2015, Johanna Bienaise, danseuse contemporaine, et Anne-Sophie Rouleau, metteure en scène de théâtre, entreprenaient un processus d’exploration en studio qui appellerait au métissage de leur champ de pratique. Dans cet article, elles reviennent sur leur expérience en analysant comment leur dynamique de travail s’est inscrite dans ce qu’elles nomment une « poïétique du pli ». Invoquant tour à tour les écrits de Gilles Deleuze, Michel Bernard, Aurore Després ou encore Henri Meschonnic, elles examinent comment, en pliant, dépliant et repliant de façon quasi obsessive une même matière, elles ont pu apprivoiser une forme toujours inachevée et en devenir, venant brouiller les frontières de leurs disciplines respectives. Des plis de la matière au déplié du sens, jusqu’à la fluence du pli, la fluidité propre à une poïétique du pli invite ici à entrer dans un labyrinthe du continu dansethéâtre.

EN:

In 2015, Johanna Bienaise, contemporary dancer, and Anne-Sophie Rouleau, theater director, initiated a creation process in their studio aimed at mixing their fields of practice. In this article, they revisit their experience by analyzing how their work dynamic entailed what they call a poïétique du pli (poietic of fold). Invoking, in turn, Gilles Deleuze, Michel Bernard, Aurore Després and Henri Meschonnic, they examine how, by folding, unfolding and refolding the same material almost obsessively, the notion of fold enabled them to master a perpetually unfinished shape in constant evolution, thereby blurring the boundaries of their respective disciplines. From the folds of the material to the unfolding of meaning, the fluidity unique to a poietic of fold invites us into the labyrinth of the dancetheatre continuum.

FR:

Consacré à l’énonciation actoriale dans le théâtre québécois contemporain, cet article vise à mettre en question la tendance actuelle à encourager un rapport flexible, ouvert et variable du comédien à sa partition. Selon les auteurs-metteurs en scène Daniel Danis et Christian Lapointe, l’acteur doit se prémunir contre une mémoire fixant tous les mots du texte. Nous chercherons ainsi à cerner comment les théories et pratiques de l’énonciation de ces créateurs appellent une relation informe – au sens d’indéterminée – du comédien au texte à apprendre et interrogerons, en ce sens, les moyens qu’ils proposent pour l’amener à conserver une mobilité énonciative une fois sur scène. À terme, nous espérons éclairer ce que cette valorisation de l’informe vient transformer dans la conception du travail énonciatif des acteurs.

EN:

Focused on actorial enunciation in contemporary Quebec theatre, this article questions the current trend of encouraging a performer’s flexible, open and changing relationship to his or her play script. Quebec author-directors Daniel Danis and Christian Lapointe claim that actors must guard against memorizing all the words of a text. We will thus attempt to highlight how these creators’ enunciation theories and practices call for an inform (i.e., indeterminate) relationship between actor and text and, in this sense, examine their methods for helping actors maintain enunciative mobility on stage. Our aim is to shed light on how this appreciation of inform transforms the conception of actors’ enunciative work.

FR:

Cet article propose d’observer comment certains créateurs de la scène contemporaine travaillent à maintenir leur oeuvre dans un informe, un « à venir » (Blanchot, 1959), qui ouvre un champ illimité de constructions fictionnelles. Selon l’hypothèse défendue, par le recours au procédé de minoration (Deleuze, 1979), qui consiste à affaiblir ou à retirer volontairement un ou des éléments constituants de l’oeuvre, les trois oeuvres étudiées appelleraient une participation plus active du spectateur dans sa réception. Blind Cinema (2015), de Britt Hatzius, s’appuie sur un principe de masquage. The Pyre (2013), de Gisèle Vienne, retire le texte de la représentation pour enfouir la fiction dans les corps des interprètes. La chambre sonore de la maladie de la mort (2018), de L’eau du bain, parie sur une écriture scénique au conditionnel qui s’interdit d’affirmer un récit.

EN:

This article proposes to demonstrate how certain creators in contemporary theatre aim for an inform, a sense of à venir (“to come”) in their work (Blanchot, 1959), which opens a boundless field of fictional constructions. Our hypothesis is rooted in the minoration (reductive) process (Deleuze, 1979), which involves voluntarily weakening or removing one or more of the inherent elements of a work. In keeping with this, the three works examined call for more active participation on the part of the viewer. Blind Cinema (2015) by Britt Hatzius relies on the principle of masking. Gisèle Vienne’s The Pyre (2013) removes text from the performance in order to enshroud fiction in the bodies of the performers. La chambre sonore de la maladie de la mort (2018) by L’eau du bain is committed to a scenic writing in conditional that prohibits the affirmation of a narrative.

FR:

C’est à travers les nouvelles capacités d’expérimentation de la scène actuelle que nous voudrions aborder la question de l’informe au théâtre, et montrer qu’au-delà d’un temps d’exploration, le concept de l’informe pourrait représenter une possibilité dramaturgique pour concevoir une forme théâtrale qui assume sa faillibilité et sa valeur critique. Nous nous appuierons sur la réflexion de Georges Didi-Huberman, qui rattache à l’informe la notion d’esthétique symptomale et la dynamique du montage exposant les apories comme les désordres entre des formes antithétiques. Enfin, nous révèlerons la voie sonore de cette dramaturgie de l’informe à travers la pièce Les oiseaux mécaniques du Bureau de l’APA et une recherche-création de la Chaire de recherche du Canada pour une dramaturgie sonore au théâtre, Liaisons sonores.

EN:

This article examines the new experimental capabilities of the contemporary stage to address the issue of inform in theatre and show that beyond a time for exploration, the concept of inform could represent a dramaturgical possibility for designing a theatrical form that assumes its fallibility and critical value. We rely on the thought of Georges Didi-Huberman, who relates inform to the notion of symptomal aesthetics and the dynamics of montage, exposing aporias as disorders between antithetical forms. Finally, we reveal the acoustics of this dramaturgy of inform through the play Les oiseaux mécaniques by Bureau de l’APA and a research-creation of the Canada Research Chair in Creation of a Dramaturgy of Sound in Theatre, Liaisons sonores.

FR:

Le présent texte interroge les nouvelles technologies sur la scène en regard du paradigme posthumain. Dans un premier temps, en nous référant au concept du postmodernisme d’après Lyotard, nous démontrons que le posthumanisme est une extrême-variante du postmodernisme. Au regard de cet examen, la continuité technologique de ces deux paradigmes induit leur mise en rapport avec notre corpus d’étude. Dans un deuxième temps, nous analysons plusieurs spectacles montréalais et européens, tels qu’Inferno et Versus, où les dispositifs occupent une place fondamentale. L’hypothèse qui sous-entend cette étude est que l’utilisation des dispositifs scéniques complexes conduit à une autre forme de coprésence, laquelle s’inscrit dans la fusion des technologies et de l’humain. En dernier lieu, nous développons un cadre conceptuel qui aspire à la légitimité théorique des tendances théâtrales analysées dans l’article.

EN:

This text examines new stage technologies from the perspective of the posthumanist paradigm. First, we demonstrate, based on Lyotard’s concept of postmodernism, that posthumanism is an extreme offshoot of postmodernism. In light of this examination, the technological continuity of these two paradigms fosters their connection with the body of work under study. Second, we analyze several shows performed in Montreal and Europe, including Inferno and Versus, in which devices occupy a fundamental place. We thus argue that the use of complex scenic devices leads to another form of copresence, which lies within the context of human-technology fusion. Finally, we develop a conceptual framework that aspires to the theoretical legitimacy of the theatrical trends analyzed in the article.

FR:

Le présent article se penche sur la violence dans le langage comme modalité de négociation avec le réel dans la pièce Rouge gueule d’Étienne Lepage (2009). Inscrivant notre démarche à la croisée des études littéraires et théâtrales, à la suite des travaux de Marion Chénetier-Alev sur l’oralité au théâtre (2010), nous exposons à la fois la violence faite au dispositif théâtral et aux lecteurs-spectateurs dans l’espace du théâtre rendu possible par la cruauté du langage. Notre réflexion se pose également dans une visée plus large, interrogeant l’inscription du théâtre in-yer-face britannique (dont Sarah Kane est emblématique) et de ses répercussions dans le théâtre québécois contemporain, en soulignant la connaissance de la dramaturgie québécoise dont fait preuve la pièce. En ce sens, le langage inventé par Lepage offre le contrepoint à un certain cynisme contemporain et impose un langage riche et conscient de son histoire.

EN:

This article focuses on violence in language as a modality for negotiating with the real in Étienne Lepage’s play Rouge gueule (2009). Situating our approach at the crossroads of literary and theatre studies subsequent to the work of Marion Chénetier-Alev on orality in theatre (2010), we address the violence done to both the theatrical device and reader-viewers within the theatrical space, which is made possible by the language’s cruelty. Our reflexion also expands to investigate British in-yer-face theatre (of which Sarah Kane is emblematic) and its impacts on contemporary Quebec theatre, while emphasizing the knowledge of Quebec dramaturgy that is evident in the play. In this sense, the language invented by Lepage forms a counterpoint to a certain contemporary cynicism and imposes a language that is rich and conscious of its filiations and history.