FR:

Prenant comme point de départ le contexte de publication du double poème d’Okot p’Bitek, Song of Lawino (1966) et Song of Ocol (1967), et sa réception, cet article s’intéresse à la genèse du poème et à la position particulière qu’occupe alors Okot dans l’espace littéraire anglophone est-africain. Il s’agit de présenter la façon dont le travail de traduction de l’acholi à l’anglais entrepris par Okot modifie la forme même du poème, et ainsi de mettre en lumière la manière dont les influences et transferts – entre langues et entre littérature et anthropologie – permettent de déconstruire le label d’« authenticité » appliqué au poème lors de sa réception. Enfin, il s’agit de mesurer le rôle que joua le poème dans la déconstruction du sujet-écrivain africain construit par l’institution universitaire notamment, et de revenir sur la révolution culturelle prônée par Okot.

EN:

Focusing on the context in which Okot p’Bitek’s double poem, Song of Lawino (1966) and Song of Ocol (1967), was written, published and received, this paper analyses how Okot’s particular position within the Anglophone literary space of East Africa and his own translations moulded the formal aspects of the poem. It seeks to shed light on the various influences and transfers – between languages, but also between the fields of literature and anthropology – that invite us to go beyond the original readings of the poem as an example of « authentically African » poetry. In doing so, the article aims to reflect on the role played by the poem in Okot’s call for a « cultural revolution » and its legacy in deconstructing the figure of the African writer as it was built through and by the University in the region.

FR:

Les Peuls, population de pasteurs, nomades à l’origine, se sont répandus dans toute la zone sahélienne, en Afrique. Au Mali, dans la région du Massina, « nombril » du monde peul, sont pratiqués plusieurs genres poétiques dont les deux plus importants – parce que correspondant aux deux principaux lieux d’ancrage identitaire (l’élevage de bovins et l’islam) – sont les jammooje na’i, les « louanges aux bovins » et une poésie d’inspiration religieuse et mystique. Si cette dernière obéit aux règles strictes d’une mise en forme fixe empruntée à la poésie arabe classique (métrique, rime, scansion), celle des jeunes bergers obéit à un autre type de règles stylistiques tout aussi contraignantes, mais reposant sur des critères liés, eux, à la signification socioculturelle foncière que revêt la performance publique de leur création poétique lors des fêtes de transhumance.

EN:

The Fula are pastoralists, originally a nomadic people, who have settled across the whole of the Sahel in Africa. In Mali, in the Massina area, the « omphalos » of Fula culture, several poetic genres are to be found, among which two stand out more prominently – because they correspond to the two main elements which define Fula identity, cattle breeding and Islam : jammooje na’i, or « cattle praise-singing », and a mystical poetry inspired by religion. The latter obeys strict rules and follows a fixed form borrowed from classical Arabic poetry, whether in terms of prosody, metrics or rhymes. But the former also obeys another type of stylistic rules which are just as constraining : the criteria they rely on are linked this time to the deep socio-cultural significance of their poetic creations which are performed before audiences during transhumance festivals.

FR:

Jacques Rabemananjara, tout en pratiquant à l’occasion le verset et le vers libre, s’est emparé du sonnet pour en faire le véhicule de sa redéfinition d’une identité malgache. Loin d’une opposition simpliste entre des formes occidentales et d’autres qui seraient proprement malgaches, l’auteur semble en effet distinguer une poésie politique plus « libre » et une poésie amoureuse régulée par la métrique occidentale. L’examen d’un recueil en vers libres (Antsa) et d’un recueil de sonnets (Les Ordalies) permet de redéfinir le parcours d’un poète qui renégocie sans cesse sa relation à la forme.

EN:

While writing occasional poems in verses and free verse, Jacques Rabemananjara has used the sonnet to express his view of Malagasy identity, of which he offers a new definition. His position is not at all one which bluntly opposes Western forms of poetry and other forms that would be more specific to Madagascar : rather, the poet seems to alternate between political poems, whose form would be more « free », and love poems, which follow Western rules of prosody. The analysis of a collection of free verse – Antsa – and a collection of sonnets –Les Ordalies – intends to trace and shed new light on the evolution in the poet’s writing, as he constantly renegotiates his relation to form.

FR:

« J’ai choisi le verset des fleuves, des vents et des forêts / L’assonance des plaines et des rivières, choisi le rythme / de sang de mon corps dépouillé / Choisi la trémulsion des balafongs et l’accord des cordes et des cuivres […] choisi / le swing le swing oui le swing ! » C’est en ces termes que le poète sénégalais signe l’originalité de sa poétique qui, malgré l’influence qu’il a reçue de la forme fixe baudelairienne comme du verset claudélien et persien, s’inspire considérablement de l’oralité africaine. Il s’agira de montrer qu’au moyen de cette réadaptation du verset « blanc », le poète signe sa revanche devant l’histoire où « le noir était considéré comme l’enfant sombre du péché, le descendant maudit de Cham, l’incarnation de l’ange déchu » (Jacques Rabemananjara). Cet article vise également à montrer comment la libération de ces contraintes esthétiques contribue à formuler une nouvelle poétique chez le poète de la Négritude.

EN:

« I have chosen the verset of the rivers, the winds and the forests / The assonance of the plains and rivers, chosen the blood rhythm of my stripped body / Chosen the tremulous echo of the balafongs, and the chord of strings and brasses […] chosen / Swing swing yes swing ! » . Thus does the Senegalese poet Léopold Sédar Senghor define the originality of his poetry ; despite the influence exerted upon him by Baudelaire and his use of fixed forms, as by Paul Claudel and Saint-John Perse with respect to their use of verset : it is fundamentally inspired by African orality. This article shall show how, through this re-adaptation of the « blank » verset, Senghor takes his revenge on history in which « black men were seen as the dark children of sin, Cham’s cursed offspring, the embodiment of the fallen angel » (Jacques Rabemananjara), and how, freed from the aesthetic constraints of the verset, he articulates a new poetic form.

FR:

Dans Native Guard, Natasha Trethewey (née en 1966) dépeint la Guerre de Sécession depuis le point de vue d’esclaves affranchis et enrôlés dans l’armée de l’Union, de manière à interroger la nature de cette liberté nouvelle, qui n’efface aucunement les préjudices anciens et reflète les rapports de domination tels qu’ils existent encore aux États-Unis. Elle emploie pour ce faire une version assouplie de la couronne de sonnets, ce qui lui permet de constituer une trame narrative rassemblant des fragments subjectifs, tout en s’appropriant un héritage mixte, à la fois spécifiquement noir et résolument nord-américain.

EN:

In Native Guard, Natasha Trethewey (born 1966) depicts the American Civil War from the point of view of emancipated slaves fighting for the Union. She thus questions this new freedom, which does not cancel old prejudice and perpetuates a domination inherited from slavery and still ongoing nowadays in the United States. The Black poet uses a flexible sonnet crown, a form which provides a narrative progression constituted of subjective fragments while claiming the European form of the sonnet in order to explore a shared past, both specifically Black and resolutely American.

FR:

La poésie de Countee Cullen (1903-1946) – le poète le plus conservateur de la Renaissance de Harlem – révèle constamment un écart entre une préoccupation militante pour la « cause noire » et un usage revendiqué des formes et du langage poétiques britanniques du xix^e siècle. Même s’il se préoccupe du sort de « son » peuple, Cullen refuse d’être considéré comme un poète « noir » et choisit un idiome et des cadres formels très éloignés de ceux qui sont défendus par les partisans d’une nationalisation de la culture américaine à la même époque. Il n’y a donc aucune revendication identitaire chez lui et dès lors aucune revendication d’une forme afro-américaine en tant que telle, même si ses préoccupations sont essentiellement raciales. Ce paradoxe l’a éloigné de la majorité des lecteurs noirs.

EN:

The poetry of Countee Cullen (1903-1946) – the most conservative poet of the Harlem Renaissance – constantly reveals a gap between a militant concern for the « black cause » and a deliberate use of 19^th-century British poetic forms and language. Even if he is concerned with the fate of « his » people, Cullen refuses to be considered a « black » poet and chooses an idiom and formal frameworks far removed from those defended by the advocates of a nationalization of American culture at the same period. There is thus no claim to identity on his part and therefore no claim to an African-American form as such, even if his concerns are overwhelmingly racial. This paradox estranged him the majority of black readers.

FR:

La poétique de Bernard Zadi Zaourou, d’inspiration diverse, s’est nourrie aussi bien à la négritude, notamment au style césairien, qu’à l’orature traditionnelle du terroir bété dont il est originaire. Dans Les Quatrains du dégoût (2008), la violation formelle de son registre poétique usuel suggère la désillusion du poète quant à l’espérance en l’homme noir en particulier et en l’humanité en général. Cet article analyse le choix stylistique d’une forme contraignante – le quatrain – en porte-à-faux avec la poétique habituelle de l’auteur et ses relations avec la question de l’identité noire. Il en ressort un paradoxe structurel, non seulement dans l’usage d’une forme fixe, longtemps tenu pour une gageure au regard du rythme de l’oralité négro-africaine, mais aussi dans l’expression d’une forme de blâme au sujet de l’homme noir, accompagné d’un implicite coup d’oeil accusateur contre l’Occident corrupteur.

EN:

Bernard Zadi Zaourou’s poetry, with its many varied themes, has been nurtured as much by the Négritude movement, in particular by Césaire’s style, as by the traditional oral poetry of the Bété, the area he comes from. The major departure from his usual poetic style In Les Quatrains du dégoût (2008) suggests the poet’s disillusion regarding his faith in black men in particular and mankind in general. This article shows how the choice of a constraining form, the quatrain, differs stylistically from the poet’s usual work as well as reflects a change in the way he considers the issue of black identity. What comes out of this analysis is a structural paradox, given not only the use of fixed form, long considered an impossible feat with regard to the rhythm of negro-African orality, but also the way in which the poet voices a form of disapproval of black men, together with a condemnation of the West, which is seen as a corrupting force.

FR:

Dans leurs dernières publications, Véronique Tadjo et Paule Constant racontent une réalité épidémique en recourant à une esthétique qui renvoie à la tradition orale et aux contes. Bien que la matière et le style soient apparemment les mêmes, les narrations livrées présentent de nombreuses différences, toutes en lien avec les productions antérieures des deux écrivaines.

EN:

In their latest publications Véronique Tadjo and Paule Constant tell an epidemic story using an aesthetic that refers to oral tradition and tales. Although the subject and the narrative style look similar, the two narrations present many differences that can be explained by Tadjo’s and Constant’s previous work.

FR:

Cet article propose une lecture du roman Machin la Hernie de Sony Labou Tansi à partir du concept de « littérature mineure » proposé par Gilles Deleuze et Félix Guattari dans Kafka : pour une littérature mineure. L’enjeu est de dégager une description clinique de la corporalité postcoloniale à partir des procédés énonciatifs du texte. L’étude du texte ainsi que de sa performance énonciative s’attache aussi à préciser les enjeux anthropologiques de l’écriture et à tracer une figure tératologique d’un chef qui aurait « l’État au ventre ».

EN:

This article offers a reading of the novel Machin la Hernie by Sony Labou Tansi based on the concept of « minor literature » as defined by Gilles Deleuze and Félix Guattari in Kafka : pour une littérature mineure. The challenge is to analyse the enunciative processes of the text so as to provide a clinical description of postcolonial corporeality. The study of the text and of its enunciative performance also endeavours to clarify the anthropological issues raised by the text and to delineate the teratological figure of a leader who would have « the State in his belly ».

FR:

Cet article analyse la réécriture du mythe de l’exode dans La Saison de l’ombre de Léonora Miano, qui interroge la présence / absence d’une mémoire de la traite et de l’esclavage au sein des imaginaires subsahariens. Les Mulongo sont comparés aux Israélites, et les figures de Moïse et de la reine Pokou informent la caractérisation des personnages féminins d’Emene et d’Eyabe. Ce dialogue entre les mythes bibliques et africains permet de forger une (post)mémoire de la traite, qui semble confirmer le potentiel thérapeutique du mythe. À la triade exodique : terre, mémoire, culture, l’autrice ajoute l’Atlantique, et érige ainsi La Saison de l’ombre en lieu de (post)mémoire transatlantique. Nouveau Moïse, l’ethos du roman guide symboliquement les imaginaires subsahariens vers la terre promise que constitue la mémoire de la résistance africaine face à la traite et à l’esclavage.

EN:

This article analyzes the rewriting of the Exodus myth in La Saison de l’ombre by Léonora Miano, who questions the presence / absence of a memory of the slave trade and slavery within sub-Saharan imaginaries. The Mulongo are compared to the Israelites, and the figures of Moses and Queen Abraha Pokou inform the characterization of two female characters, Emene and Eyabe. This dialogue between Biblical and African myths makes it possible to create a postmemory of the slave trade, which seems to confirm the therapeutic potential of myth. The author adds the Atlantic to the exodic triad, land, memory, culture, and turns La Saison de l’ombre into a site of transatlantic (post)memory. As a new Moses, the ethos of the novel symbolically leads sub-Saharan imaginaries to the promised land of memory and remembrance of African resistance to the slave trade and enslavement.

FR:

Cet article propose une analyse du deuxième roman de l’auteur mauricien Barlen Pyamootoo, Le Tour de Babylone, qui examine comment une voix narrative double projette deux visions disparates de la ville de Bagdad. D’une part, Bagdad devient un lieu de visite qui attire l’attention du voyageur occidental ; mais, d’autre part, le protagoniste résiste à ce regard touristique et explore la ville avec une sensibilité qui se rapproche de celle du flâneur baudelairien. Notre interprétation de cette oeuvre met au jour le pouvoir de l’imaginaire du flâneur transnational qui permet au héros, tout comme à son auteur, de superposer le lieu de son enfance africain à cette terre étrangère.

EN:

This article offers an analysis of Mauritian author Barlen Pyamootoo’s second novel, Le Tour de Babylone, which examines how a dual narrative voice projects two distinct visions of the city of Bagdad. On the one hand, Bagdad is completely transformed into a tourist attraction, specifically reimagined to entice the Western visitor. On the other hand, the protagonist is able to resist this touristic perspective and explores the city with a sensibility similar to that of Baudelaire’s flâneur. In the end, it is the strength of the transnational flâneur’s imagination that allows both Pyamootoo and his hero to superimpose their African homeland onto Iraq.