FR:

L’ethnomusicologie a longtemps abordé les musiques du monde selon une perspective essentialiste dont on trouve les prémisses chez Platon. Mais force est de constater que les musiques de l’oralité font actuellement l’objet de transformations aussi rapides et radicales que les sociétés dont elles émanent. Certaines sont en train de disparaître, tandis que d’autres sont confrontées aux défis de la mondialisation et en particulier aux divers processus de métropolisation, d’interculturalité et de mise en spectacle qu’elle implique. Face à cette situation, un courant de patrimonialisation visant à la sauvegarde de pratiques musicales menacées se développe, notamment sous l’égide d’organisations comme l’UNESCO. Entre les deux pôles que représentent aujourd’hui l’« ethnomusicologie d’urgence » et l’ethnomusicology of change, cet article propose quelques réflexions sur les nouveaux enjeux auxquels est soumise la discipline et les questions déontologiques qui en résultent pour le chercheur.

EN:

For a long time ethnomusicology has approached musics of the world from an essentializing perspective with roots that can be traced back to Plato. But one cannot escape the conclusion that oral traditions are now subject to changes that are just as rapid and abrupt as those of the societies from which they emerge. Some traditions are on the verge of disappearance, whereas others are confronted by the challenges of globalization, and in particular the various processes of urbanization, intercultural mixture, and exhibition-as-spectacle that have ensued. In light of this situation, a movement to protect musical patrimonies whose existence is threatened has arisen, especially under the auspices of an organization such as UNESCO. Between two extremes—“emergency ethnomusicology” and an ethnomusicology of change—this article offers some thoughts on what is newly at stake in the discipline as well as on the resulting deontological issues confronting the researcher.

EN:

This paper explores the extent to which one can participate in community without having to sacrifice aspects of one’s identity, through examination of the relation that female musicians in improvising musical ensembles have to their gender identity. I concentrate on the views expressed within a particular interview setting—a roundtable event organized as part of an academic conference on improvisatory communities. This event merits attention because it was organized specifically to discuss the extent to which gender is an obstacle, a topic the invited speakers decided they did not want to address publicly. I look at their resistance to gender identification and pose questions about whether identifying as female—or as feminist—has implications for their ability to succeed in the world of improvised music, and about the extent to which we might see their refusals as fear-based or as principled resistance to a difference that ought not to matter.

FR:

Cet article explore dans quelle mesure quelqu’un peut participer à une communauté sans avoir à sacrifier les aspects de son identité, et cela à travers l’étude des relations que les femmes musiciennes des ensembles musicaux d’improvisation entretiennent avec leur identité sexuelle. Je me concentre sur les visions exprimées lors d’entrevues réalisées dans un cadre particulier, soit une table ronde organisée en tant que partie d’une conférence sur les communautés d’improvisation. Cet événement mérite une attention particulière puisqu’il a précisément été organisé dans le but de discuter dans quelle mesure l’identité sexuelle est un obstacle, un sujet que les panélistes ont décidé de ne pas traiter publiquement. Je regarde leur résistance à l’identification sexuelle et formule des questions à propos des conséquences existantes ou non à obtenir du succès dans ce monde de la musique improvisée lorsqu’elles s’identifient comme femmes, voire comme féministes. Aussi, dans quelle mesure peut-on comprendre leurs refus en tant que peur ou en tant que résistance de principe à une différence qui leur importe finalement peu.

FR:

La musique est un objet difficilement saisissable d’un point de vue philosophique. D’où le choix fait par l’auteur d’analyser les traces d’une réflexion de quelques écrivains sur la pratique de la musique durant le XX^e siècle. L’événement de la Shoah fut historiquement au centre de la réflexion sur l’éthique, s’il n’en constitua pas l’origine. L’auteur s’intéresse à des oeuvres qui ont été élaborées sur la place centrale qu’occupa la musique dans la vie quotidienne au camp : de Pascal Quignard, La haine de la musique et quelques autres oeuvres connexes, puis d’Anthony Burgess, A Clockwork Orange et la version filmique qu’en tira Stanley Kubrick. Enfin, quelques références sont faites à des témoignages de la Shoah et à des ouvrages de pensée critique sur l’espace public qu’occupe la musique dans la société actuelle.

EN:

From a philosophical point of view, music is an object difficult to grasp. Hence, the author’s choice to analyse the traces of what some writers have thought about twentieth-century musical practice. The Holocaust has historically been situated at the centre of reflections on ethics, if not even seen as the origin of these. The author focuses on works that describe the central place that music occupied in the life of the concentration camp: Pascal Quignard’s La Haine de la musique, and some related works, and then Anthony Burgess’s A Clockwork Orange, and its film adaptation by Stanley Kubrick. The article concludes with discussion of Holocaust testimonies and of some critical studies on the public space occupied by today’s music.

EN:

Few operas foreground ethics as clearly as Beethoven’s Fidelio. Yet the heroic tale of liberation from political oppression resists narrowly historical interpretations, availing itself equally to revolutionary and reactionary interpretations. Allegory theory offers a new approach to the ethical meanings of Fidelio. Allegory, in which characters embody moral qualities, preserved a hierarchical and theocentric view of society, in opposition to the humanistic outlook of Enlightenment mimesis. Allegory and mimesis coexist in Fidelio, whose title character traces a lineage to the Christian morality play. This essay compares the 1805 original of Beethoven’s opera (Leonore) with the 1814 version (Fidelio), concentrating on the final scene and the character of Marzelline. I argue that the 1814 version enhances the allegorical dimension, simplifying the characters and reducing moral complexities. Fidelio models the traditional “consensus society” of pre-Revolutionary Europe, offering a vision congenial to Congress of Vienna audiences.

FR:

Peu d’opéras priorisent aussi clairement l’éthique que le Fidelio de Beethoven. Pourtant, le récit héroïque de la libération de l’oppression politique résiste difficilement aux interprétations historiques, utilisant lui aussi les interprétations de types révolutionnaire et réactionnaire. La théorie de l’allégorie offre une nouvelle approche des significations éthiques de Fidelio. L’allégorie, à travers laquelle les personnages incarnent des qualités morales, conserve une vision hiérarchique et théocentrique de la société, en opposition à la perspective humaniste de la mimésis des Lumières. L’allégorie et la mimésis cohabitent néanmoins dans Fidelio, dont le protagoniste à la base du titre trace une origine avec le jeu moral chrétien. Cet article compare la version originale de 1805 de l’opéra de Beethoven (Leonore) avec la version de 1814 (Fidelio) tout en se concentrant sur la scène finale et le personnage de Marzelline. Je défends l’idée que la version de 1814 rehausse la dimension allégorique, simplifiant ainsi les personnages et réduisant les complexités morales. Fidelio se moule au modèle du traditionnel « consensus social » de l’Europe prérévolutionnaire, offrant ainsi une vision coextensive du public du congrès de Vienne.

FR:

Dans les contextes d’affrontement suscités par les avant-gardes, les acteurs font face à des incertitudes récurrentes quant à comment construire ce qu’on appelle un syllogisme pratique, c’est-à-dire un syllogisme dont la conclusion est non pas une vérité mais une action. Que ce soit pour défendre la validité de ces oeuvres ou pour la mettre en cause, les uns et les autres doivent répondre, face à l’expérience d’une musique véritablement inouïe, à la question pratique par excellence : que faire pour bien agir ? Cette problématique est explorée ici à partir de l’analyse d’un unique passage de l’Harmonielehre d’Heinrich Schenker, un livre paru à Vienne en 1906. Peu avant la création des premières oeuvres atonales d’Arnold Schoenberg, l’auteur y condamne comme un « dol » toute tentative d’affaiblir la tonalité, en prônant comme un devoir moral la « stigmatisation » (brandmarken) d’une telle attitude. Le texte soulève ainsi des questions centrales à propos des rapports entre art, morale, droit et violence.

EN:

In the context of polemics unleashed by various avant-garde movements, the players have confronted recurring uncertainties about how to construct what one might call a practical syllogism, that is, a syllogism whose conclusion is not some truth but an action. Whether it be to argue in favour of the validity of these works or to question it, faced with the experience of the truly unprecedented it behooves both sides to answer the practical question par excellence: what to do in order to act well? This problem is explored here through an analysis of a single passage in Heinrich Schenker’s Harmonielehre, which appeared in Vienna in 1906. Shortly before the premieres of Arnold Schoenberg’s first atonal works, Schenker condemns any attempt to weaken tonality as “fraudulent” and argues for the moral duty to “stigmatize” (brandmarken) such approaches. The essay also addresses central questions related to the links between art, morality, law, and violence.

EN:

This article proposes a series of speculative and likely controversial theses about the ethical possibilities and dangers of the Classical style. Taking a concept of ethics that is both Heideggerian and subtractive in the mode of recent French thought, it begins by arguing that music itself—in its structures and stylistic features and not merely in the contingent circumstances of its genesis or reception—is capable of being an ethics. The next crucial claim is that, insofar as ethics is a question of proximity to one’s Being, the Classical style is minimally violent in Derrida’s sense both on account of the place it occupies in the emergence of an aesthetic disposition and, moreover, insofar as its construction hinges on a process of articulation, that is on the separation of form and content, of convention and expression. Finally, the article assesses how the Classical style responds to the fundamental principle of division at its heart.

FR:

Cet article propose une série de thèses spéculatives et probablement controversées à propos des possibilités et des dangers éthiques du style classique. Partant d’un concept éthique qui est à la fois heideggérien et soustractif dans le courant de la pensée française récente, l’article commence en défendant l’idée que la musique en soi – dans ses structures et ses caractéristiques stylistiques plus que dans les circonstances conjoncturelles de sa genèse et de sa réception – a la possibilité d’être une éthique. Le prochain point crucial est que, dans la mesure où l’éthique est une question de proximité avec l’existence de quelqu’un, le style classique est minimalement violent dans le sens derridien, à la fois en raison de la place qu’il occupe dans l’émergence d’une disposition esthétique et, plus que tout, dans la mesure où sa construction repose sur un processus d’articulation, à savoir la séparation entre forme et contenu, entre convention et expression. Enfin, l’article évalue comment le style classique répond au principe fondamental de la division qui se trouve au coeur de son fonctionnement.

FR:

La recherche ethnomusicologique interpelle l’éthique dans une optique à la fois vaste et ciblée à laquelle le protocole déontologique universitaire, du moins tel qu’il est conçu actuellement, ne répond que partiellement. S’il existe un consensus autour des conditions d’enquête dans la communauté scientifique, ces conditions sont-elles suffisantes pour mener une recherche qui serait éthiquement correcte ? Telle est la question centrale à laquelle l’auteure tente de répondre. Après avoir livré sa conception du terme éthique, l’auteure montre à travers une série d’exemples issus du terrain que ce qui prime en matière d’éthique est d’abord et avant tout la mise en place d’une qualité relationnelle, ce qui place forcément les acteurs de la recherche dans une démarche qui va au-delà d’un protocole. En conclusion, l’article aborde de manière critique la « déontologisation » des pratiques de recherche.

EN:

Ethnomusicological research implicates ethics in both large and restricted senses, to which academic deontological protocol, at least in the way it is currently conceived, only partially responds. If there is consensus about the proper conditions for inquiry in the academic community, are these conditions sufficient to conduct research deemed ethically acceptable? This is the main issue that the author addresses. After outlining her understanding of the term ethical, she demonstrates by means of a number of examples from the field that what really matters in ethics is, above all else, the institution of a relationship, which necessarily places researchers in a process beyond any protocol. To conclude, the article critically considers the “deontologisation” of research practices.

FR:

La problématique de l’éthique et du droit dans le domaine musical s’articule sur les notions d’oeuvre, d’auteur, de propriété et d’exploitation qui sont loin de rendre compte du champ éthique de bien des traditions musicales. Cet article explore ce champ au fil du discours classique de différentes cultures d’Asie et l’éclaire par des anecdotes significatives sur les comportements, les attitudes, et la mentalité des dépositaires du savoir musical. Les dispositions morales et personnelles, ou èthos, apparaissent comme fondement de l’éthos et donc de l’éthique idéalement requis par la Tradition comme garantie de la bonne transmission de la culture musicale. Ce dispositif est cependant remis en question à l’ère moderne, d’une part avec le glissement de l’authenticité depuis l’objet vers le sujet, d’autre part avec le mode de transmission impersonnel assuré par les médias.

EN:

The problematics of ethics and law as they relate to music revolve around concepts such as work, author, property, and use that seem distant from the ethical parameters of many musical traditions. This article explores these parameters by examining classical discourses associated with different Asian cultures and sheds light on them by means of telling anecdotes on the behaviours, attitudes, and ways of thinking of those who preserve musical knowledge. Moral and personal dispositions, or èthos, function as the foundation of ethos, that is, of an ethics ideally required by Tradition to guarantee the successful transmission of musical culture. This model, however, has been challenged in the modern era, on the one hand because of a slippage of authenticity from object towards the subject, and on the other hand because of the impersonal mode of transmission in mass media.

FR:

Cet article discute l’impact potentiel du savoir musical dans le vaste monde en dehors de l’université. En retraçant l’impact en cours d’un seul cas d’étude ethnomusicologique, l’article éclaire les questions politiques et éthiques qui resteraient amorphes si elles étaient uniquement approchées à un niveau théorique. L’article invite les universitaires en musique à considérer les façons à travers lesquelles leurs travaux ont le potentiel de transcender le monde du chercheur et d’adresser ainsi les dilemmes qui surgissent à la frontière entre les valeurs universitaires et les critères locaux. La réflexion suggère que les questions épineuses de l’évaluation, de l’arrangement et de l’interprétation vont continuer d’être posées et que les solutions à ces dilemmes éthiques ont besoin d’être locales et contingentes tout en restant conséquentes avec les critères universitaires.

EN:

This article discusses the potential impact of music scholarship in the broader world outside of academia. Through tracing the on-going impact of a single ethnomusicological case study, the essay highlights political and ethical issues that may otherwise remain amorphous if approached on a theoretical level alone. The article challenges music scholars to consider the ways in which their work has the potential to transcend the world of the researcher and to give rise to dilemmas that occur at the boundaries between scholarly values and local standards. The discussion suggests that vexing questions of access, disposition and interpretation will continue to arise and that solutions to these ethical dilemmas need to be local and contingent while remaining congruent with scholarly standards.

FR:

Ce texte confronte les finalités de la Loi sur le droit d’auteur avec la pratique des compositeurs qui incorporent de la musique préexistante à leurs propres oeuvres. Bien que le droit d’auteur permette certaines exceptions aux droits exclusifs de l’auteur, les tribunaux canadiens n’ont pas encore défini avec netteté les paramètres de l’appropriation artistique. En étudiant le phénomène de l’appropriation, puis en regardant la spécificité de celle-ci dans l’univers musical, nous chercherons à souspeser la souplesse du droit d’auteur canadien, lorsqu’il se confronte avec l’un des modes de création les plus anciens. Il sera démontré que, pour juger de la portée juridique de l’appropriation, l’un des critères déterminants demeure, outre ceux avancés dans l’affaire CCH, celui de la transformation apportée et de l’originalité qui en résulte.

EN:

This essay situates the goals of the Loi sur le droit d’auteur (Canadian Copyright Act) against the practice of composers who incorporate pre-existing music into their own works. Although the law does take into account certain exceptions to the exclusive rights of the author, Canadian courts have still not clearly defined the parameters of artistic appropriation. In considering the phenomenon of appropriation, and looking more closely at its specificity in the musical world, this essay seeks to measure the flexibility of Canadian copyright law as it has addressed some of the oldest approaches to creation. It shows that in assessments of the juridical implications of appropriation one of the main criteria remains the nature of the change introduced and its originality, in addition to issues raised by the CCH Canadian Ltd. affair.

FR:

J’examine dans ce texte le débat autour de la protection du patrimoine des peuples autochtones. Dans un premier temps, je retrace les arguments de certains commentateurs qui sont d’avis que le droit d’auteur moderne ne permet pas de protéger les communautés autochtones de formes néfastes d’appropriation culturelle. Ces derniers proposent de mettre en place une politique de la propriété culturelle reconnaissant les peuples autochtones comme les propriétaires légitimes de l’ensemble de leur patrimoine. Or, ce projet fait face à une importante critique selon laquelle une politique de la propriété culturelle fige ou essentialise la culture autochtone. Après avoir expliqué cette critique, je tâcherai de montrer que celle-ci est erronée si l’on comprend que l’idée d’une protection légale du patrimoine culturel des peuples autochtones est un outil pour renforcer la capacité des peuples autochtones à s’autogouverner qui s’inscrit dans le contexte plus large de la lutte pour l’autodétermination.

EN:

In this article I consider the debate on protecting the patrimony of indigenous peoples. I begin by reviewing arguments made by those who feel that modern copyright law does not protect indigenous communities from the nefarious impact of cultural appropriation. These commentators suggest an approach to the public policy of cultural property that recognizes indigenous peoples as the legitimate owners of their entire patrimony. But this approach has come up against an important critique arguing that such policy for cultural property reifies or essentializes indigenous culture. After considering this critique, I suggest that it is erroneous if one understands the idea of legal protection for the cultural patrimony of indigenous peoples as a tool to re-enforce their capacity to govern themselves within the larger context of a struggle for self-determination.

FR:

Dans cet article, l’auteur propose une réflexion sur la patrimonialisation des traditions musicales ainsi que sur certaines notions qui y sont liées, dont l’authenticité, l’identité et la tradition. Elle démontre que la patrimonialisation ne concerne et n’affecte pas que le musical, mais qu’elle renvoie à une construction sociale et identitaire. Elle illustre certaines formes de patrimonialisation par le politique et présente des modèles d’appropriation du patrimoine musical et culturel par certains groupes communautaires à l’aide d’exemples brésiliens, tout en tentant d’évaluer certains impacts de ces démarches et de soulever certaines questions éthiques qui en découlent.

EN:

In this article the author reflects on the links of musical traditions to their patrimonies, and on certain associated concepts such as authenticity, identity, and tradition. She shows that these links do not only touch upon and affect music, but that they also have much to do with social construction and identity. She illustrates certain kinds of patrimonial claims in politics and, using Brazilian examples, describes models of the appropriation of musical and cultural patrimonies by certain community groups while also attempting to evaluate the impact of such actions and raising related ethical questions.