Number 55, Spring 2014 Théâtre et formation : enjeux actuels de l’enseignement de l’art dramatique Guest-edited by Francine Chaîné and Carole Marceau

FR:

Pour soutenir le développement de compétences professionnelles à l’enseignement d’une discipline artistique, les formateurs, les enseignants et les étudiants mettent en oeuvre des moyens, des stratégies et des conditions qui pourraient y être favorables. Voici une partie des résultats d’une recherche visant à identifier ce qui favorise le développement de ces compétences chez les futurs enseignants en art dramatique. D’autres résultats liés aux facteurs qui incitent aux changements des pratiques à l’école seront traités ultérieurement. Dans cet article, nous abordons plus spécifiquement ce que les formateurs (professeurs, chargés de cours, superviseurs de stage et enseignants associés) et les étudiants font pour développer les compétences relatives à l’enseignement de l’art dramatique et ce que les enseignants ont fait ou font pour en poursuivre le développement en situation d’emploi.

EN:

Teachers, professors and students deploy various means, strategies and conditions in order to support the development of professional skills in teaching the arts. This article describes part of the findings of a research aimed at identifying factors with a favourable impact on the development of these skills among future theatre teachers. Other findings, dealing with factors that encourage changes in teaching practices, will be covered in a subsequent text. The current article focuses more specifically on the approaches that instructors (professors, lecturers, training supervisors and associated teachers) and students adopt in order to develop professional skills in teaching theatre, and what teachers have done or are doing in order to continue to develop these skills in an employment context.

FR:

L’article se propose d’examiner comment l’Université de São Paulo s’efforce de répondre aux défis actuels posés par la formation de formateurs dans les arts de la scène, aussi bien dans l’univers scolaire que dans la sphère de l’action culturelle et artistique. Nous partons du principe que de profondes mutations traversent la scène contemporaine – dilution des frontières entre les arts, présence de la dimension performative, usage de matériaux variés comme point de départ des processus de création, entre autres –, révélant de nouveaux besoins et ouvrant de nouvelles perspectives pour la formation de ces professionnels. L’importance d’une expérience artistique forte, la compréhension du rôle de la recherche, la réalisation d’une praxis qui puisse dépasser la dichotomie entre théorie et pratique sont invoquées comme des aspects particulièrement prometteurs dans cette formation professionnelle. On reconnaît aussi dans quelle mesure les recherches des artistes contemporains contribuent à la reformulation des principes directeurs relatifs aux interventions de formation.

EN:

The article examines how São Paulo University is responding to the current challenges involved in training trainers in the performing arts, both in the classroom and in the realm of cultural and artistic activities. The premise is that the profound changes affecting the contemporary scene – the gradual disappearance of the boundaries between the arts, the importance of the performative aspect, the use of various materials for the creative process, and so on – have introduced new requirements and new perspectives for training in this area. The importance of a vigorous artistic experience, an understanding of the role of research, and the emergence of a praxis that can bridge the gap between theory and practice, are all emphasized as being particularly important aspects of this professional training. The point is made that the research conducted by contemporary artists helps us to rethink the key guidelines of our work as trainers.

FR:

Cet article expose les principes fondamentaux sur lesquels s’appuie mon enseignement. La pédagogie du théâtre commande que le futur enseignant possède des qualités pédagogiques intrinsèquement liées à la pratique artistique, dont la principale est de s’appuyer sur « une gymnastique d’ouverture à l’autre », une condition sine qua non pour qu’émerge le jeu. L’enseignement de l’art dramatique exige donc un travail sur le climat de la classe, tout autant qu’un travail d’entraîneur et un travail sur le matériau de la langue, afin d’aider le jeune du milieu scolaire à accéder à l’espace fictionnel. Par la médiation du personnage, l’élève découvre son identité et s’ouvre à l’altérité; il s’ensuit une série de rencontres qui sont sources de transformation.

EN:

This article sets out the basic principles of my teaching approach. To teach theatre, the future teacher must have pedagogical qualities that are intrinsically associated with artistic skills. The most important of these comes from the “gymnastics of openness to the other”, an essential condition for artistic performance to emerge. To successfully teach drama therefore requires developing the atmosphere in the classroom as well as language training, with the ultimate goal of enabling schoolchildren to access the fictional space. Through a fictional character, students discover their own identity and become open to otherness. The outcome is a series of encounters that serve as sources of transformation.

FR:

Cet article propose une analyse réflexive sur un projet d’ethno-théâtre thérapie en milieu scolaire avec des élèves en difficulté d’adaptation. La notion de regards superposés est explorée sous trois angles : en groupe de thérapie, en représentation théâtrale et en différé via un documentaire. Le témoin actif est défini en tenant compte des risques et du potentiel relatifs au processus thérapeutique. La notion de regard en groupe de dramathérapie et en classe d’art dramatique est mise en perspective afin d’ouvrir sur un possible échange entre ces disciplines qui utilisent toutes deux les outils du théâtre et de l’art dramatique à des fins différentes.

EN:

This paper presents a reflexive analysis based on an ethnodrama therapy project conducted in high school with students having social adjustment difficulties. The notion of layered witnessing is explored from three points of view: group therapy, theatre performance, and documentary film. Active witnessing is defined taking into account the risks and potential related to the therapeutic process. The notion of witnessing in group drama therapy as well as in drama class are compared, opening discussion on the possible exchanges of views between the two disciplines as they both use tools from drama and theatre for different goals.

FR:

Cet article montre l’importance de l’enseignement du théâtre social dans les cours d’art dramatique à l’école secondaire. Ce type de théâtre suit les orientations actuelles pour l’éducation civique. Dans chaque production théâtrale, l’élève est vu et engagé en tant que citoyen créateur qui se mobilise pour transformer l’école et la communauté. Pour expliciter cette démarche, l’article est constitué de trois parties. La première présente les concepts généraux du théâtre social à l’école dans une perspective pédagogique et esthétique du processus d’enseignement en classe. La seconde affirme que cette création théâtrale mobilise les élèves en tant qu’investigateurs, citoyens engagés et créateurs interculturels. Pour conclure, quelques exemples d’activités sont proposés, lesquels valorisent les approches pratiques afin que les enseignants puissent les appliquer en classe. Cet article pose un regard sur l’école actuelle qui commande de nouvelles façons d’amener les jeunes à l’action citoyenne à travers le théâtre social.

EN:

This article demonstrates the importance of teaching social theatre in high school drama classes. Social theatre aligns with current practice in teaching civics. Each theatrical production engages students as creative agents working to transform both school and community. The article is divided into three parts. First, I discuss some general concepts relating to social theatre as a pedagogic and aesthetic process of classroom instruction. Second, I argue that social theatre mobilizes students as researchers, active citizens, and intercultural creative agents. Finally, I provide some examples of in-class activities teachers can use to master the main concepts. The article highlights social theatre as an innovative method for engaging youth as citizens in their communities.

FR:

Cet article se propose d’aborder la formation des professionnels dans le domaine du théâtre gestuel à partir d’une étude centrée sur la pédagogie de la compagnie française du Théâtre du Mouvement, qui s’appuie sur les principes du mime corporel d’Étienne Decroux ainsi que sur des techniques somatiques. Nous nous demandons dans quelle mesure cette pédagogie, axée sur des connaissances anatomiques et physiologiques, apporte un vocabulaire de jeu pour un acteur conscient et autonome, tout en s’articulant à des principes de créativité pour le mouvement dramatique. Cette étude s’appuie sur un travail de terrain in situ que nous menons depuis 2009 auprès de la compagnie.

EN:

This paper addresses the training of professionals in the field of physical theatre, focusing on the teaching method of the French company Théâtre du Mouvement, based on Étienne Decroux’s principles of corporeal mime as well as on somatic techniques. We seek to understand how this pedagogy, rooted in anatomical and physiological knowledge, provides an acting vocabulary for a conscious, autonomous actor, while being linked to the principles of creativity for dramatic movement. This study is based on the field work we have been doing since 2009 with the company.

FR:

Cet article explore quelques paradoxes qui font de l’art dramatique et du théâtre un médium puissant mais complexe pour l’enseignement et l’apprentissage. La question principale porte sur la vraie nature du dialogue en art dramatique et en pédagogie ainsi que sur les transferts relationnels ou de pouvoirs qui doivent avoir lieu entre l’enseignant et l’apprenant lorsqu’ils utilisent de façon implicite ou explicite la notion de « manteau de l’expert ». Certains exemples décrits et analysés sont issus de la propre expérience de l’auteur et visent à clarifier ces relations qui mènent à un autre paradoxe : si l’art dramatique peut conduire à une appropriation de l’autonomie, autant pour les enseignants que pour les apprenants, c’est par l’entremise d’une désappropriation temporaire.

EN:

This article explores some of the paradoxes which make drama and theatre a strong but complex medium for teaching and learning. The central focus is on the nature of true dialogue in drama and learning, and the power and relationship shifts which need to occur between the teacher and the learner, when using explicitly or implicitly the notion of the mantle of the expert. A number of examples are cited and analysed, some from the author’s own experience, in order to clarify these relationships, and lead to the proposition of a further paradox: that drama may lead to empowerment for both teachers and learners, through a necessary temporary disempowerment.

FR:

Cet article fait le point sur l’évolution du débat linguistique entourant la présentation des Belles-Soeurs en France, en faisant l’analyse de l’interdiscours sur le joual relevé dans les dossiers de presse de 2012 et en le comparant aux propos des journalistes qui avaient vu la pièce de Tremblay à Paris en 1973. Le second volet de cette étude est une réflexion sur la pertinence du surtitrage lorsqu’il s’agit de présenter une pièce de théâtre dont la langue de départ est bien celle du public cible, mais dont la variante diatopique pose un problème de compréhension pour l’auditoire. L’analyse de l’interdiscours sur le joual révèle que le débat est empreint d’émotion et que cette composante affective, sous-jacente au discours des différents intervenants, pourrait avoir influencé les propos des journalistes de la presse écrite. L’auteure conclut qu’il serait intéressant de rendre au surtitrage intralingual ses lettres de noblesse en considérant toutes les avenues qu’il serait en mesure de créer pour la représentation théâtrale, et cela sur les plans dramaturgique, esthétique et interculturel.

EN:

This article focuses on the evolution of the linguistic debate surrounding performances of the Québécois play Belles-Soeurs in France, by analysing the interdiscourse on joual in press reviews written in 2012, and comparing it with comments from journalists who saw Tremblay’s play in Paris in 1973. The second aim of the study is to consider the relevance of surtitles when a play is written in the language of the intended audience but is nevertheless difficult for spectators to understand because of its diatopic variant. The analysis of the interdiscourse on joual reveals that the debate was partly emotional and that this affective component, underlying the discourse of the various parties involved, may have influenced the comments of the printed-press journalists. The author concludes that it might be worthwhile to recognize the value of intralingual surtitling, considering the avenues that it would create for theatrical performances at different levels: dramatic, aesthetic, and intercultural.

FR:

Dans cet article, l’auteure présente la genèse de la pièce Le temps sauvage d’Anne Hébert, oeuvre phare de sa production dramatique composée sur plus de sept ans. S’intéressant d’abord aux brouillons des années 1950, elle dégage les variantes d’écriture les plus significatives qui touchent au traitement des personnages féminins et du paysage. Elle montre ensuite l’important changement de dynamique qui s’opère, en mars 1960, par l’ajout d’un personnage de curé : le traitement critique de la question religieuse sera dès lors de plus en plus affirmé.

EN:

In this paper, the author presents the genesis of Anne Hébert’s Le temps sauvage, the most important work of her dramatic production, composed during more than seven years. Focusing first on drafts of the 1950’s, she brings out the most significant writing variants that affect the treatment of female characters and landscape. She then shows that a significant change of dynamics takes place in March 1960 with the addition of the character of a priest, and that the critical treatment of the religious question will consequently become increasingly asserted.