FR:

Notre contribution est de l’ordre du témoignage au titre fortement référencé – elle s’inspire du célèbre essai Écrire en pays dominé de l’intellectuel et écrivain martiniquais Patrick Chamoiseau – et elle ambitionne d’aborder trois problématiques qui sont distinctes et mêlées à la fois. Il s’agit de poser la question complexe et passionnante des pratiques théâtrales d’expression française et francophone dans un espace dominé par les langues anglaise et espagnole. Quatre îles de l’arc antillo-caribéen, français et francophone, serviront d’exemples : la Dominique, Haïti, la Martinique et la Guadeloupe. Pour chacun de ces pays, nous questionnerons l’actualité des pratiques théâtrales, aussi bien dans leur diversité que dans leur spécificité d’expression en langue française ou francophone ; puis nous tâcherons de mettre en perspective les rapports de résistance, conflictuels et contradictoires, qu’à partir de cette langue première, ils entretiennent avec le continent américain.

EN:

Our contribution’s title references the famous essay Écrire en pays dominé by Martinican intellectual and writer Patrick Chamoiseau. Its aims are to address three distinct but interwoven issues while raising the complex and fascinating question of francophone and French-speaking theatre practices in a space dominated by the English and Spanish languages. Four islands of the Antillo-Caribbean arc, French and Francophone, will serve as examples: Dominica, Haiti, Martinique and Guadeloupe. For each of these countries, we will explore topical theatre practices both in their diversity and in their specificity as French-speaking or Francophone. Then, we will put in perspective the conflicting and contradictory dynamics of resistance that they maintain with the American continent on the basis of this first language.

FR:

La scène québécoise a contribué, ces dernières années, à révéler les dramaturgies contemporaines d’Afrique noire et des diasporas à travers le travail de Denis Marleau sur les textes du Béninois José Pliya. Cette reconnaissance d’une écriture contemporaine africaine est aussi passée par des productions originales comme celle de Big Shoot de l’Ivoirien Koffi Kwahulé au Théâtre Denise-Pelletier à Montréal, sous la direction de Kristian Frédric. L’Afrique des villages n’est pas au rendez-vous de ces spectacles. Ce sont au contraire des histoires de fin du monde et d’altérité qui résonnent avec force. Évacuant tout exotisme pour prendre «  les couleurs du temps » au sens météorologique et cosmique, ces mises en scène aborde sans détour la trame métaphysique des dramaturgies africaines et touchent d’emblée au discours ontologique d’un théâtre de la recherche de soi dans le chaos du monde.

FR:

À qui s’adresse l’auteur dramatique québécois? Et quelle est la portée de cette adresse? L’auteur, en mode essai, pose ces questions, à la lumière d’une pratique et d’un milieu en pleine transformation où l’auteur perd de son autorité et où il doit peut-être repenser son rapport avec l’objet de création.

EN:

Whom does the Québécois playwright address? What is the impact of this address? The author, in a personal mode, explores the context in which major shifts in current stagecraft and production are affecting the writing of plays. What is the playwright’s new role and authority in this transforming scene?

FR:

Le théâtre, comme art public, a joué un rôle d’une grande importance dans l’affirmation de l’identité québécoise au XX^e siècle : dans un premier temps à l’intérieur du Québec où l’idée d’un théâtre national populaire, imaginée tout d’abord par Gratien Gélinas à la fin des années 1940, a été relancée avec brio par Les Belles-Soeurs de Michel Tremblay en 1968 ; dans un deuxième temps à l’extérieur du Québec où l’exportation de la dramaturgie de Tremblay fut le fer de lance pour le rayonnement de la culture québécois à l’étranger. Sa pièce, Albertine, en cinq temps, co-produite par le Centre National des Arts à Ottawa en 1984 voyagea ensuite à Toronto, aux États-Unis, à Paris, au Royaume-Uni, périple comprenant les quatre points d’attache – canadien, américain, français, britannique, canadien et américain – à partir desquels s’est formée au cours des siècles l’identité québécoise. Impliquant une variété de traducteurs, de metteurs en scène et de comédiennes, oeuvrant sous de différentes conditions d’écoute et selon des horizons d’attente différents, ces tournées de la pièce hors Québec permettent de contraster la réception nationale et la réception étrangère, mettant ainsi en relief les enjeux exigeants de la transmission culturelle et les défis qu’ils représentent pour le projet identitaire national. Il s’agit ici des mises en scène anglo-saxonnes d’Albertine, in Five Times au Canada, aux Etats-Unis, en Angleterre et en Écosse.

EN:

The theatre as a public art has played a crucial part in Québec’s XX^th century affirmation of its identity : firstly within Québec itself, where the idea of a national popular theatre, launched by Gratien Gélinas in the late 1940s, was given an exciting new impetus in Michel Tremblay’s 1968 play Les Belles-Soeurs; secondly beyond the boundaries of Québec, where the exporting of Tremblay’s theatrical work was key to the raising of the external profile of Québécois culture. His play, Albertine, en cinq temps, co-produced by the National Arts Centre in Ottawa and the Théâtre du Rideau Vert in Montreal in 1984, subsequently travelled to Toronto, the United States, Paris and Great Britain, a journey taking in the four cornerstone elements – French, British, Canadian and American – that have contributed over the centuries to the formation of Québécois identity. Involving a variety of translators, directors and actors, working in different linguistic and cultural contexts, the play’s journeyings beyond Québec allow some revealing contrasts between reception by the home audience and reception by audiences elsewhere, thus highlighting the demanding requirements of cultural transmission and the challenges they present for the assertion of Québec’s unique identity. The focus here is on stagings in English of Albertine, in Five Times in Canada, the United States, England and Scotland.

FR:

Dans l’Ouest canadien, où les francophones sont bilingues par nécessité, se développe un théâtre qui explore les possibilités esthétiques du bilinguisme. Ce répertoire bilingue, représentatif d’une dualité linguistique qui imprègne la vie au quotidien, inclut les pièces de Roger Auger créées à Saint-Boniface en 1975, 1976 et 1978, celles de Marc Prescott produites à partir de 1993 à Saint-Boniface et à Edmonton, ainsi que la plus récente production bilingue de Cowboy poétré de Kenneth Brown, présentée à Calgary en 2012. Ces productions révèlent une activité complexe de traduction et d’imbrication des langues qui façonne tout le processus de création de l’oeuvre théâtrale. Avec Prescott, le bilinguisme est mis à l’épreuve comme objet d’une démarche esthétique audacieuse qui élabore une véritable poétique bilingue. Par ailleurs, l’emploi de plus en plus répandu des surtitres anglais dans les théâtres franco-canadiens permet d’élargir l’auditoire visé tout en conservant l’oralité spécifique de l’oeuvre et la dualité linguistique sur laquelle elle est construite. Cette pratique est en soi une manifestation de multilinguisme puisqu’elle donne accès simultanément à plusieurs langues et constitue, pour le spectateur unilingue, une fenêtre sur une culture et une théâtralité autres.

EN:

In Western Canada, where Francophones are bilingual out of necessity, a theatre has developed that explores the aesthetic possibilities of bilingualism. This bilingual repertoire, representative of a linguistic duality inherent in daily life, includes plays by Roger Auger, created in Saint-Boniface in 1975, 1976 and 1978, those of Marc Prescott produced since 1993 in Saint-Boniface and Edmonton, and the latest bilingual production of Cowboy poétré by Kenneth Brown, presented in Calgary in 2012. These productions reveal a complex activity of translation and language combination that shapes the entire process of creating theatre. In Prescott’s case, bilingualism is the very fabric of an approach to aesthetics that results in a genuine “bilingual poetics”. In addition, the use of English surtitles, which has become increasingly popular in Franco-Canadians theatre, allows the original work to reach a larger audience while retaining the specific orality and linguistic duality at the heart of the play. This practice is in itself a demonstration of multilingualism as it provides simultaneous access to many languages and offers the unilingual spectator a window on other cultures and theatricalities.

FR:

Observant l’étonnante présence des oeuvres de Carole Fréchette sur les scènes françaises, cette étude propose une description analytique des motivations et des formes de cette présence et interroge la manière dont s’opère la rencontre entre les dramaturgies de l’auteure québécoise et les praticiens du théâtre français, professionnels et amateurs.

EN:

This study observes the amazing presence of Carole Fréchette’s texts on the French stage and offers an analytical description of the motivations and forms of this presence; it further enquires into the modalities of the encounter between the dramaturgies of this author from Quebec and the practitioners, professionals and amateurs, of French theater.

FR:

Le marquis qui perdit, texte négligé par la critique et la scène québécoises, constitue une oeuvre dramatique intéressante dès lors qu’on aborde la question de l’«  américanité » du Québec. Par cette réécriture de la fin du Canada français, Réjean Ducharme propose une oeuvre déroutante, jouant de la parodie autant que de l’autoparodie grinçante, et une vision outrancière de l’histoire de son pays.

EN:

Le marquis qui perdit, overlooked by quebecois reviews and stages, constitutes an interesting play regarding the question of Quebec’s « americanity ». With this rewriting of the end of French Canada, Réjean Ducharme offers a puzzling text, parodic as well as autoparodic, and an outrageous vision of the history of his country.

FR:

À partir d’une indication scénique de Provincetown Playhouse — « Le texte est sur la table »—, cet article analyse les multiples aspects de la primauté du texte, souvent posé comme hypotexte de sa propre représentation, dans l’oeuvre de Normand Chaurette, dont l’écriture « musicale » engendre des récits se développant selon une étrange logique et dont la genèse réserve des surprises.

EN:

As is stated in Provincetown Playhouse, Normand Chaurette insists on the prime importance of the written text, over which his plays are structured. His dramas develop along strange paths and tracing back the origins of the text may be the only way to understand it correctly.

FR:

Dans Seuls, Wajdi Mouawad exploite une nouvelle forme de transposition d’écriture scénique qu’il nomme «  polyphonie d’écriture ». Ce texte se donne comme le produit d’une pratique théâtrale polymorphe qui met en dialogue plusieurs arts et/ou médias sur l’espace de la page. Cet article examine les multiples facettes de cette pratique scripturale dans un contexte transculturel et post-orientaliste ainsi que la manière dont Mouawad met en crise les modèles artaudien et lepagien qu’il recycle.

EN:

In Seuls, Wajdi Mouawad experiments with a new kind of transposition of scenic writing, which he calls “polyphonic writing.” This text is the product of a polymorphic theatrical practice that engages a dialogue between various arts and/or medias on the space of the page. This article examines the multiple facets of this scriptural practice in transcultural and post-orientalist contexts, and the way in which Mouawad challenges the Artaudian and Lepagian models he recycles.

FR:

Deux jeunes Antillais, Jeff et Grégoire, amis depuis longtemps, ont commis de nombreux crimes que Jeff planifiait, que Grégoire exécutait et pour lesquels Jeff acceptait d’être emprisonné. Ils se retrouvent un jour dans une cellule de prison après un braquage qui a mal tourné. Ils font face alors à un dilemme : rester tous les deux en prison ou consentir à ce que l’un des deux soit libéré parce que l’autre aura pris sur lui toute la responsabilité du crime. En partageant leurs souvenirs et leurs rêves, ils se confrontent et dressent un portrait féroce de la société guadeloupéenne. Ainsi Maryse Condé fait-elle réfléchir sur les carences institutionnelles qui n’offrent aucune solution à leur situation.

EN:

Two young Caribbean men, Jeff and Grégoire, longtime friends, have committed numerous crimes that Jeff planned and Grégoire carried out, and for which in the past Jeff agreed to be punished. After a hold-up that turned out badly, they find themselves both in prison together and face a dilemma: do they both stay or does one of them leave, and which one ? As they tell their memories and their dreams, they paint a scathing portrait of Guadeloupean society. Thus Maryse Condé makes us reflect on the institutional deficiences that do not allow the two men to find any solution to their situation.

FR:

Le bestiaire dramatique du répertoire théâtral québécois et franco-canadien se présente comme une vaste ménagerie hétéroclite. Cependant, la récurrence du chien et des animaux de basse-cour (dont la poule et la vache) mérite une attention toute particulière. Force est de constater qu’en vertu de son altérité plus ou moins radicale, la figure de l’animal est exploitée afin d’interroger les traits de l’humanité. Par exemple, ses diverses représentations exercent toutes une torsion esthétique et sémantique sur la parole. De plus, elles soulèvent des questions d’ordre éthique, liées surtout à la douleur et à l’expérience de la mort, et enfin, elles obligent à sonder la force primitive associée à la présence animale et ses différents épiphénomènes dont les pouvoirs de guérison et l’érotisme.

EN:

The Québécois and Franco-Canadian theatrical repertoire includes a vast bestiary of a whole assortment of animals. That said, the recurrence of dogs and farmyard animals (particularly hens and cows) deserves special attention. It is clear that as a figure of more or less radical otherness, the animal allows us to query the defining traits of humanity. For example, all of its various representations seem to apply direct semantic and aesthetic pressure to that which we call speech. In addition, the animal on stage raises ethical issues, most often related to the experience of pain and death. Lastly, it prompts a probing of the primitive forces associated with the animal presence and its various epiphenomena, including healing powers and eroticism.

FR:

Il est possible de déceler des traces de « genres » dramatiques dans certains textes contemporains. L’auteur rappelle donc les figures caractéristiques du mélodrame historique et analyse la présence du pathétique dans certaines fables de textes dramatiques québécois d’aujourd’hui. L’auteur se réfère à plusieurs auteurs dans cette perspective (Daniel Danis, Michel Marc Bouchard, Wajdi Mouawad). Le mélodrame s’avère un genre qui s’écarte des idées reçues et qui a le mérite d’autoriser l’expression des sentiments refoulés. Est-ce une des raisons de l’intérêt des spectateurs français pour ces fictions « loin de chez eux » ?

EN:

We can detect traces of “genres” in some contemporary dramatic texts. As a consequence, the author highlights several figures of historical melodrama. In this perspective, he analyzes the existence of pathos in some stories of today writers in Québec (Daniel Danis, Michel Marc Bouchard, Wajdi Mouawad). The melodrama is a genre that departs from conventional wisdom and has the advantage of allowing the expression of repressed feelings. Is that could explain why French audiences are so interested by those stories happening “far from their country” ?